- O que foi o Renascimento italiano?
- Características do Renascimento italiano
- Períodos e artistas da arte italiana que se distinguem
- O Renascimento para além de Itália e para o futuro
- Perguntas mais frequentes
O período do Renascimento italiano foi um renascimento dos ideais e da cultura perdidos durante os anos de guerra anteriores, bem como um ressurgimento das várias diferenças sociais e políticas existentes na Europa durante a era medieval. Este renascimento conduziu a uma mudança completa de perspectivas - literal e figurativamente - na arte e na cultura italianas. Em geral, foi um novo tempo para a Europa e tornou-se um períodode uma história que perduraria por muito tempo.
O que foi o Renascimento italiano?
Abaixo, discutiremos as origens do termo renascimento e também uma visão geral de como este período em Itália surgiu de acontecimentos históricos anteriores, como a Idade Média, que catalisaram o crescimento e o desenvolvimento deste movimento.
Um "renascimento"
O Renascimento, que se diz ter começado em Itália durante os anos 1300, foi um renascimento nas artes, na arquitectura, na literatura, na música, na cultura, na tecnologia, na ciência, na teologia, na geografia e na política. O Renascimento foi um período de "renascimento", que se estendeu a numerosos países da Europa.
Este "renascimento" procurou também despertar o que se designa por "antiguidade clássica" dos tempos antigos da Grécia e de Roma. O Renascimento italiano foi uma nova descoberta das ciências humanas e, na verdade, da própria humanidade.
Os artistas italianos do Renascimento centraram-se mais nas ideias do humanismo e nas representações naturalistas do mundo e das pessoas que os rodeavam.
De facto, a palavra renascimento é uma palavra francesa, mas as suas origens provêm da palavra italiana rinascita , que significa "renascimento". Giorgio Vasari (1511-1574), um homem de muitos talentos (foi artista, teórico da arte, arquitecto, escritor e engenheiro), introduziu pela primeira vez este termo para descrever este novo período de despertar em Itália na sua publicação A Vida , que significa "As Vidas".
Le Vite foi considerada uma das melhores publicações sobre história da arte Foi escrito em formato biográfico sobre vários artistas, arquitectos e escultores (o seu título mais longo é A velocidade de' pi ù eccellenti pittori, scultori, e architettori, que significa "As vidas dos mais excelentes pintores, escultores e arquitectos").
Placa de Giorgio Vasari, de Le vite de' piv eccellenti pittori, scvltori, e architettori (Fiorenza: Appresso i Giunti, 1568), de Giorgio Vasari (1511-1574); Biblioteca Houghton, domínio público, via Wikimedia Commons
Perspectivas históricas sobre o Renascimento italiano
O período do Renascimento italiano terá começado em 1300 (século XIV), durante o período medieval da história de Itália, também chamado Idade Média, que terá ocorrido entre os anos 400 e finais de 1400 na Europa. A Idade Média pode ser vista como a Primeira Idade Média, a Alta Idade Média e a Idade Média Tardia. Cada fase teve os seus próprios desafios políticos,ambiental e económica, que teve um impacto em toda a Europa e no mundo.
A Idade Média é também conhecida como a "Idade das Trevas" devido às guerras generalizadas, às pandemias como a Peste Negra A queda do Império Romano (c. 476 d.C.) e o derrube do imperador romano Rómulo Augústulo no Ocidente conduziram ao início da Idade Média, incluindo a ascensão do cristianismo e do catolicismo e as invasões e migrações generalizadas de pessoas através dos países.
Desde a queda do Império Romano até à ascensão da Idade Média, o Renascimento tornou-se um período de transição para uma era de existência mais leve.
A arte do Renascimento italiano começou em Florença, Itália, devido às raízes do movimento no Império Romano e às famílias ricas dispostas a apoiar as artes. Houve dois factores importantes que contribuíram para o período do Renascimento, nomeadamente, o movimento de ideais filosóficos chamado Humanismo e a influência de famílias ricas, especificamente a família Medici.
Humanismo
O Humanismo teve início em 1300 e é referido como um "movimento intelectual" da época, profundamente enraizado em ideias filosóficas sobre a importância do homem e o seu lugar na sociedade, opondo-se aos ideais medievais que se centravam mais na importância do espiritual e do divino - centrava-se no papel da centralidade das duas figuras acima referidas, nomeadamente o homem e Deus.
Humanismo Renascentista exploravam e estudavam diferentes escolas de pensamento, como a gramática, a história, a filosofia moral, a poesia e a retórica - os chamados studia humanitatis -, temas de estudo considerados aceitáveis para o estudo dos valores clássicos. Esta nova forma de educação estava também aberta não só às elites mas também ao público, incluindo novas bibliotecas humanistas.
Dante, Pétrarque, Guido Cavalcanti, Boccacce, Cino da Pistoia e Guittone d'Arezzo (1544) de Giorgio Vasari; Giorgio Vasari, domínio público, via Wikimedia Commons
Os humanistas colocam o homem como figura central e decisiva do poder pessoal, ou seja, o homem está no centro das novas actividades intelectuais, como a lógica, a estética, os princípios clássicos, as artes e as ciências, como a matemática. O domínio da Igreja, que era uma parte tão importante da sociedade europeia, é redefinido em termos da sua eficácia para determinar o que o homem deve fazer ou quem deve ser.
O termo "Homem da Renascença" tornou-se uma descrição popular para pessoas com este poder recém-descoberto.
Durante a fase inicial do Renascimento, assistiu-se a um grande ressurgimento e revisitação da literatura grega e latina sobre vários temas, tendo muitos destes textos clássicos servido de base às novas abordagens da pintura, da arquitectura e dos princípios da perspectiva e da beleza.
Um exemplo de um texto clássico é o trabalho de Vitrúvio, um arquitecto romano que escreveu sobre os seus ideais durante o século I a.C., nomeadamente a sua "Tríade Vitruviana", que se baseava nos princípios da beleza, unidade e estabilidade. proporções para as faculdades de artes como a pintura, a arquitectura e, sobretudo, as proporções do corpo humano.
Petrarca (1304-1374), o famoso poeta, era conhecido como o "pai do Renascimento", pois foi a figura principal que catalisou o movimento humanista. Embora a Igreja Católica tivesse um grande papel de poder durante este período, e Petrarca fosse ele próprio católico, acreditava, no entanto, que os seres humanos tinham recebido de Deus o poder de realizar o seu potencial - esta forma de pensamento estava no cerne daHumanismo.
É importante notar que Petrarca encontrou os escritos do antigo romano Marcus Tullius Cicero (106-43 a.C.), que traduziu.
Platão (428/427 a.C.-348/347 a.C.), filósofo grego, foi outra figura influente para os humanistas do Renascimento. As filosofias de Platão foram introduzidas no Concílio de Florença, entre 1438 e 1439, por George Gemistus Plethon, ou Pletho (c. 1355-1450/1452), filósofo da época bizantina, e tiveram a importância de influenciar Cosimo de' Medici, que era umfigura importante do poder económico em Florença.
Pensa-se que Cosimo de' Medici patrocinou a Accademia Platonica, A "Academia Platónica", onde Marsilio Ficino (1433-1499), um padre católico italiano, traduziu as obras de Platão, foi desmentida por várias fontes académicas, que afirmam que os escritos de Ficino não foram traduzidos correctamente. Ficino chamou a Plethon "o segundo Platão", devido à sua influência na introdução das obras de Platão no Ocidente.
Uma secção recortada da obra de Rafael Escola de Atenas (1509), mostrando Platão (à esquerda), apontando para os ideais, e Aristóteles (à direita), estendendo a mão para o mundo físico; Rafael, domínio público, via Wikimedia Commons
A família Medici
A família Médicis, ou Casa de Médicis, foi uma importante influência na arte, na economia, na política e na sociedade italiana em geral durante o Renascimento, sobretudo em Florença, que se tornou a capital das ideias da era clássica - também conhecida como a "Nova Atenas".
Durante os anos 1200, a família Medici começou a trabalhar na banca e no comércio em Florença, depois de se ter mudado da sua casa na Toscânia. O Banco Medici foi fundado por Giovanni di Bicci de' Medici (c. 1360-1429), que era o pai de Cosimo de' Medici (1389-1464), que governou Florença.
O que é importante saber sobre o Família Medici Cosimo de' Medici encomendou pinturas a muitos artistas e criou a biblioteca pública de Florença, entre outras iniciativas que apoiaram o desenvolvimento das artes em Florença. O amor de Cosimo de' Medici pela arte, e pelo seu coleccionismo, é muitas vezes explicado pela sua citação:
"Todas estas coisas me deram a maior satisfação e contentamento, porque não são apenas para a honra de Deus, mas também para a minha própria memória. Durante cinquenta anos, não fiz outra coisa senão ganhar dinheiro e gastar dinheiro, e tornou-se claro que gastar dinheiro me dá mais prazer do que ganhá-lo".
Características do Renascimento italiano
A identificação de uma obra de arte renascentista passa pela identificação de alguns temas e motivos presentes em muitos quadros renascentistas, bem como de algumas técnicas utilizadas por muitos dos artistas da época.
Naturalismo e Realismo
O naturalismo na arte italiana retratava os temas de uma forma mais realista, ou seja, reflectia o mundo exterior e as pessoas tal como apareciam, o que também era característico da arte grega e Arte romana O Realismo é um conceito que os artistas do Renascimento italiano procuraram imitar.
O elemento do realismo era mais evidente na forma como os artistas escolhiam representar a anatomia, quer em pinturas quer em esculturas. Muitos artistas estudaram a figura humana, de facto, para compreenderem melhor o funcionamento e o aspecto do corpo humano. Alguns artistas, como Leonardo da Vinci, estudaram mesmo cadáveres reais.
A obra de Da Vinci Homem Vitruviano (c. 1942); Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons
Contrapposto
Existem várias técnicas de pintura que os artistas começaram a utilizar para aumentar o efeito de realismo nas figuras humanas. Um exemplo é contrapposto As figuras eram colocadas com um lado do corpo apoiado predominantemente num pé, enquanto o outro lado do corpo, os pés e as ancas, apareciam mais baixos - o que significa que o centro de gravidade era mais pesado de um lado do que do outro. Esta técnica de representação de uma figura tornava-a mais realista e dinâmica. Além disso, a figura apareciapara transmitir mais emoção devido à indicação da linguagem corporal.
Leda e o Cisne (c. 1510-1515) de Leonardo da Vinci; Depois de Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons
Chiaroscuro
Outra técnica artística utilizada foi o contraste entre o claro e o escuro, também conhecido como claro-escuro Os artistas utilizavam esta técnica para transmitir profundidade e ênfase dramática nas suas composições, o que também criava uma sensação de realismo ao representar a forma como a luz e a sombra apareciam no ambiente real, dando assim a toda a composição uma tridimensionalidade, o que constituía uma mudança considerável em relação aos espaços bidimensionais dos períodos artísticos anteriores.
A negação de São Pedro (1660) de Rembrandt. Com a mão esquerda, o discípulo Pedro faz um gesto de negação em resposta às acusações feitas pela serva de Caifás, que está ao seu lado segurando uma vela. À esquerda, dois soldados de armadura estão presentes, um dos quais está sentado a uma mesa. À direita, um Cristo acorrentado olha por cima do ombro enquanto é levado; Rembrandt, Domínio público, via Wikimedia Commons
Perspectiva linear (Perspectiva de um ponto)
A utilização da perspectiva linear, ou perspectiva de um ponto, também melhorou a sensação de realismo nas pinturas, conferindo-lhes uma tridimensionalidade. Esta técnica foi iniciada por Filippo Brunelleschi (1377 - 1446), arquitecto e desenhador italiano, considerado um dos "pais" do Renascimento devido às suas descobertas pioneiras no domínio do desenho e da arquitectura do ponto de vista científico e matemático.
Pensa-se que Brunelleschi também estudou arquitectura romana antiga A perspectiva de um ponto centrava-se num único ponto de vista escolhido de linhas que convergiam para o horizonte, o que era diferente da forma como os múltiplos pontos de vista eram mostrados nas pinturas durante a Idade Média.
A cúpula do Cattedrale di Santa Maria del Fiore ou "Catedral de Santa Maria da Flor" (1377-1446), é uma estrutura bem conhecida em Florença, projectada por Brunelleschi. A cúpula afastou-se dos conhecidos contrafortes voadores utilizados durante a Idade Medieval' Arquitectura Gótica Foi criado através de vários reforços auto-sustentáveis com uma grande lanterna na ponta superior da cúpula, também conhecida como cúpula .
Um corte da cúpula da Catedral de Florença (Santa Maria del Fiore), projectada por Filippo Brunelleschi, 1414-36; Domínio público, Ligação
Períodos e artistas da arte italiana que se distinguem
O Renascimento italiano pode ser mais facilmente compreendido se o analisarmos em diferentes períodos. Enquanto alguns o dividem em quatro períodos, sendo o quarto o Maneirismo, aqui iremos analisar as três divisões principais que ocorreram relacionadas com os períodos do Renascimento italiano.
Proto-Renascimento ( Trecento )
O período proto-renascentista ocorreu durante os anos 1300 e é também designado por Trecento Os anos exactos situam-se entre 1300 e 1425. O Proto-Renascimento começou como a primeira transição para o Período da Renascença O que começou a caracterizar este período da arte (pintura, escultura e arquitectura) foram as representações naturalistas dos temas.
Giotto di Bondone (c. 1267 - 1337)
Um dos artistas pioneiros do período proto-renascentista foi Giotto di Bondone Giotto, nascido em Florença, Itália, foi pintor e arquitecto e considerado um dos melhores pintores do seu tempo. Foi aprendiz do artista Bencivieni (Cenni) di Pepo, também conhecido como Cimabue (c. 1240-1302), conhecido por explorar os primeiros elementos do naturalismo durante o período bizantino antes do Renascimento.Cimabue, na sua capacidade de retratar a natureza que o rodeava com um maior sentido de realismo e um olhar atento aos pormenores.
É conhecido por dar ênfase à humanidade nas suas pinturas, realçada pelo uso da perspectiva, pelos pormenores emotivos das suas figuras e pelos trajes luxuosos que usam.
O tema de Giotto eram as narrativas e figuras cristãs, tendo-lhe sido encomendados pela Igreja vários frescos, nomeadamente, Isaac abençoa Jacob (Giotto pintou a história bíblica do Antigo Testamento, representando Jacob a dar de comer ao seu pai, com Rebeca, a mãe de Jacob, ao lado de Jacob e Isaac.
Uma obra fundamental de Giotto é Lamentação (O Luto de Cristo) (1305), que é um fresco feito para a Capela Scrovegni (Capela Arena) localizada em Pádua, que é uma cidade em Itália. Este fresco não é uma pintura autónoma, faz parte de uma série de frescos que Giotto pintou para a capela sobre a vida de Cristo e da Mãe Maria.
O Lamentação (1305) cena do ciclo de frescos realizados por Giotto para a capela da arena em Pádua (Capela Scrovegni); Giotto di Bondone, Domínio público, via Wikimedia Commons
Lamentação A obra retrata o momento em que Cristo foi retirado da cruz, e podemos ver as figuras que o rodeiam a lamentar a sua morte, enquanto a Mãe Maria o segura nos braços. Podemos ver cerca de 10 figuras em primeiro plano a recuarem para outras em segundo plano. Por cima da multidão estão 10 anjos de luto também a contorcerem-se em aparente tristeza.
O que torna esta pintura única e um grande exemplo dos primórdios da arte do Renascimento italiano é a forma como Giotto retratou os pormenores nos rostos das figuras circundantes, bem como os seus braços e mãos, claramente visíveis na sua gesticulação. A inclinação da rocha à direita quase desce para criar mais ênfase em Cristo no chão.
Todos os elementos acima referidos criam uma sensação de perspectiva e profundidade na pintura, incluindo as figuras recuadas à esquerda do fundo. É quase como se Giotto estivesse a ligar o céu e a terra com a rocha inclinada no meio, o que cria mais realismo e uma sensação de ligação com o divino.
Nossa Senhora de Ognissanti (c. 1300-1306) é outra obra importante de Giotto que representa o estilo naturalista característico do período renascentista. Representa a Madona com o Menino Jesus sentado na sua perna esquerda, segurando a mão direita num gesto de bênção. As duas figuras centrais, a Madona e o Menino Jesus, são representadas consideravelmente maiores do que as figuras circundantes.
Giotto's Madona Entronizada (Madona Ognissanti) (c. 1300-1306); Giotto di Bondone, Domínio público, via Wikimedia Commons
O trono também é representado em tamanho maior, com dois anjos ajoelhados junto aos seus degraus. Também notamos como todas as figuras angélicas circundantes estão a olhar para a Madona com o Menino, o que indica como o artista utiliza a perspectiva e a distância espacial para conduzir o espectador ao ponto focal.
Além disso, Giotto pintou a Madona e o Menino de uma forma mais realista, através da forma como as suas roupas finas, quase transparentes, se dobram à volta do corpo, indicando a carne que está por baixo, o que nos mostra os aspectos humanos do divino, facilitando a relação com estas figuras sagradas.
Cimabue pode ter pintado a mesma cena antes de Giotto, no entanto, o que torna a pintura de Giotto da Madona e do Menino única é o seu realismo e a representação pormenorizada não só das figuras humanas e das suas expressões, mas também do pormenor arquitectónico do trono.
Giotto inspirou muitos outros escultores e pintores durante o período do início do Renascimento devido às inovações estilísticas acima referidas.
Início do Renascimento ( Quattrocento )
O período do Renascimento ocorreu durante os anos 1400 e é também designado por Quattrocento Os anos exactos podem situar-se entre 1425 e 1495. Quando olhamos para as pinturas deste período, notamos que os artistas começaram a mostrar um olhar mais atento aos pormenores dos seus temas.
Influenciados pelos precursores das pinturas renascentistas, como Cimabue e Giotto, os artistas centraram-se na representação realista de figuras humanas e na correcção anatómica. Os artistas também utilizaram perspectivas mais intencionais de figuras e edifícios e da sua colocação no espaço que os rodeia. Este domínio da perspectiva matematicamente alinhada e da colocação de vários temas religiososé particularmente evidente nas obras de Pierro della Francesca, tais como O Baptismo de Cristo (c. 1448-1450) e A Flagelação de Cristo (c. 1455).
Baptismo de Cristo (c. 1448-1450) de Pierro della Francesca; Piero della Francesca, Domínio público, via Wikimedia Commons
Embora os artistas do início do Renascimento continuassem a retratar cenas da Bíblia e narrativas em torno do que a Igreja valorizava, começaram a incorporar temas mitológicos, bem como ocorrências e pessoas do quotidiano, o que desviou o foco do sagrado para o vulgar - tornando a arte mais acessível a todos.
A par de novos temas, notamos também que os artistas representavam mais emoções e qualidades humanas nos seus temas, o que reforçava a noção de Humanismo que muitos artistas se esforçavam por enfatizar, fazendo novamente a ponte entre o divino e o humano, colocando o homem como a figura central que experimenta a vida, a natureza e Deus.
Alguns dos principais pintores e escultores deste período foram Tommaso di Ser Giovanni di Simone, mais conhecido por Masaccio (1401-1428), e Donato di Niccolò di Betto Bardi, chamado Donatello (c. 1386-1466). Masaccio é considerado um dos pioneiros da pintura renascentista, especialmente pela utilização da perspectiva linear e pela criação de representações fiéis à natureza das suas figuras humanas.influenciado por outros artistas importantes como Brunelleschi e Donatello .
Donatello (c. 1386 - 1466)
Nascido em Florença, Donatello tornou-se um dos melhores escultores durante este período do Renascimento. Foi exposto a uma educação rica enquanto crescia e a sua educação como artista começou com a tutela de um ourives. Trabalhou também como ourives enquanto prosseguia a sua carreira artística. Era amigo íntimo de Brunelleschi e viajou com ele para várias ruínas gregas e romanas onde encontrouuma inspiração considerável para o seu trabalho como artista.
O que distinguiu Donatello como um dos precursores da escultura renascentista foi a forma como utilizou a perspectiva nas suas esculturas, bem como a variedade de temas, desde Maria Madalena, como vemos na sua estátua hiper-realista esculpida em madeira, A Madalena Penitente (c. 1453) a figuras políticas, como se pode ver na Busto de Niccolo da Uzzano (c. 1433).
A estátua de Donatello, Madalena Penitente (Maria Madalena) (1453-1455); I, Sailko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Donatello introduziu novas técnicas nas suas esculturas, nomeadamente o chamado baixo-relevo, que representa uma sensação de tridimensionalidade devido ao facto de a parte da escultura estar ligeiramente elevada em relação à superfície, caracterizada como tendo "pouca profundidade", o que é evidente nos seus primeiros relevos intitulados, São Jorge a matar o dragão (1416-1417), que constitui a base da sua estátua de mármore, São Jorge (1415-1417).
David (1440-1443) é uma das mais famosas obras-primas esculpidas por Donatello. Feita em bronze, representa David com um metro e oitenta de altura, de chapéu e botas, com uma espada na mão direita e o capacete de Golias parcialmente entre as pernas. Donatello revolucionou a imagem de David durante este período, representando-o como um jovem nu, que foi a primeira escultura de nu criada desde o período grego e romano.
Além disso, esta escultura denota uma sensação de delicadeza e feminilidade na representação de David, e muitas fontes académicas discutem a razão de Donatello para retratar a figura bíblica desta forma. Um ponto importante a salientar sobre esta escultura é o facto de ter sido feita como uma estátua autónoma A figura também se destaca pela sua característica de ser um elemento de uma estrutura arquitectónica. contrapposto pose O seu papel é o de ser mais realista e relacionável como um ser humano, em vez de uma personagem bíblica afastada das experiências quotidianas do povo.
Donatello's David de Bronze estátua (c. 1430-1450); Donatello, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Veremos esta personagem revisitada na estátua com o mesmo título de Miguel Ângelo durante os últimos períodos do Renascimento.
Masaccio (1401 - 1428)
Masaccio nasceu na província de Arezzo, na Toscana, e foi considerado o primeiro mestre da arte da pintura. Pintores do Renascimento Influenciado pela forma como o arquitecto Brunelleschi utilizava a perspectiva, Masaccio começou a utilizar estas técnicas nas suas pinturas, o que revolucionou a forma como os artistas compunham pinturas a partir das representações bidimensionais do passado. Também utilizou outras técnicas como claro-escuro para enfatizar a profundidade e a tridimensionalidade, incluindo a obtenção de um realismo mais profundo nas suas pinturas.
O Masaccio Tríptico de São Giovenale (1422) é uma das primeiras obras do artista, encomendada pela família Vanni Castellani, que representa cenas religiosas da Virgem Maria com o Menino Jesus ao centro, com dois santos nos painéis da esquerda e da direita. Pelas inscrições que se encontram por baixo do tríptico, indica-se que à esquerda estão os santos Bartolomeu e Blaise e à direita os santos António e Juvenal.
Tríptico de São Giovenale (1422) de Masaccio; Masaccio, domínio público, via Wikimedia Commons
Repare-se também na forma como Masaccio introduz uma perspectiva intencional na composição, com o trono a recuar no fundo, em contraste com as figuras que aparecem maiores em primeiro plano, Pagamento do dinheiro do tributo (1425 - 1427), é um exemplo do seu sucesso na utilização da perspectiva linear e de colocações matematicamente mais correctas das suas figuras para indicar um sentido de unidade e harmonia.
Esta obra foi realizada como fresco para a Capela Brancacci de Santa Maria del Carmine, situada em Florença, e representa aquilo a que se chama uma "narrativa contínua" - por outras palavras, há três histórias retratadas numa única pintura a fresco. Conta a história de Cristo e de São Pedro a pagar ao cobrador de impostos.
Dinheiro de tributo (1426/1427) de Masaccio; Masaccio, domínio público, via Wikimedia Commons
Reparemos como a primeira parte da narrativa é retratada no centro do fresco, representando Cristo com os seus apóstolos em conversa com o cobrador de impostos, que está de costas para o observador. Vemos como Cristo aponta o dedo para a esquerda, com Pedro à sua esquerda, apontando também o dedo para a esquerda.
Isto quase nos leva para o lado esquerdo do fresco, a segunda parte da narrativa, onde vemos Pedro curvado à beira do rio a tirar dinheiro da boca de um peixe. Esta narrativa é facilmente compreendida a partir do Evangelho de Mateus sobre o relato de Jesus a pagar impostos na aldeia piscatória chamada Cafarnaum. Durante a conversa, Jesus diz a Pedro, como relatado na Bíblia, "Toma oO primeiro peixe que apanhares, abre-lhe a boca e encontrarás uma moeda de quatro dracmas; toma-a e dá-lha para o meu imposto e para o teu".
Quando olhamos para o lado direito, a terceira parte da narrativa do fresco, reparamos novamente em Pedro, mas desta vez é apenas ele e o cobrador de impostos, que recebe o dinheiro dos impostos retirado da boca do peixe. A forma como as figuras gesticulam e falam umas com as outras, bem como o pormenor das suas expressões faciais, conferem à pintura o seu realismo.
Vemos também a tridimensionalidade indicada pela forma como as montanhas recuam ao fundo, incluindo o cobrador de impostos que está de costas para nós, Masaccio também incluiu luz e escuridão, evidentes nas sombras criadas pelas figuras de pé e na luz proveniente de um lado específico da pintura.
O fresco quase nos convida a entrar no seu espaço, que é totalmente diferente da planura e da bidimensionalidade da arte mais gótica anterior a este período .
Sandro Botticelli (c. 1445 - 1510)
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (c. 1445-1510), também conhecido simplesmente como Sandro Botticelli Botticelli nasceu em Florença e foi aprendiz do famoso pintor Fra Filippo Lippi (c. 1406-1469) durante os seus primeiros anos de vida. Botticelli é extremamente conhecido; foi também um dos primeiros artistas a criar pinturas que não só retratavam o uso da perspectiva e do naturalismo anatómico, mas também combinavam estética e beleza.
Não se limitou a pintar temas religiosos, mas também retratou muitas figuras e personagens mitológicas, nomeadamente Vénus, a deusa romana, como se pode constatar nos seus populares quadros, expostos na Galeria Uffizi, em Florença, intitulados Primavera (1477-1482) e O nascimento de Vénus (1485-1486).
A Primavera ("Primavera", 1482) de Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Domínio público, via Wikimedia Commons
Ambas as pinturas são de temas mitológicos. Primavera Esta pintura, que significa "Primavera" em italiano, apresenta Vénus como figura central, rodeada por várias outras personagens mitológicas, tendo sido a primeira pintura europeia com uma temática não relacionada com as narrativas cristãs.
O nascimento de Vénus A obra de Vénus é novamente representada como figura central, só que aqui ela está sobre uma grande concha que vem do oceano para a praia e é recebida por uma figura feminina à direita e pelo deus Zéfiro à esquerda, que a sopra para a praia.
Botticelli pintou-a quase à escala real, o que criou uma ênfase dramática ao vê-la. Vénus é também retratada nua, cobrindo-se apenas ligeiramente com o seu longo cabelo - esta foi outra representação revolucionária da forma feminina.
Vénus não é retratada com o realismo anatómico que tão frequentemente vemos nas pinturas deste período, o que indica como Botticelli oscilava entre o simbolismo e o realismo quando pintava as suas figuras. Também pintava pelo puro prazer de representar a beleza.
A obra de Botticelli Nascita di Venere ("O Nascimento de Vénus", c. 1485); Sandro Botticelli, Domínio público, via Wikimedia Commons
Alta Renascença ( Cinquecento )
O Alta Renascença O período de transição ocorreu durante os anos 1500 e é conhecido como Cinquecento Embora este período tenha continuado a utilizar os novos avanços nos métodos de perspectiva e no humanismo observados nos períodos anteriores do Renascimento, é considerado o auge do Renascimento.
Embora Florença tenha sido a capital do início do período renascentista, o Alto Renascimento teve lugar predominantemente em Roma, devido ao impulso do Papa Júlio II durante o seu reinado, entre 1503 e 1513, que procurou ter todas as obras culturais e artísticas em Roma e não em Florença, tendo por isso encomendado a muitos dos artistas mais conhecidos da época que pintassem para ele.
Novas inovações e técnicas artísticas como sfumato e a quadratura foram descobertas durante o Alto Renascimento. Os artistas também começaram a usar tinta a óleo A pintura de quadros de madeira, que era um meio novo em relação aos períodos anteriores, também dava uma cor mais rica aos temas retratados.
Notaremos um maior nível de refinamento de princípios como a perspectiva, o posicionamento das figuras, a forma e a cor nas pinturas deste período.
Embora tenham existido muitos artistas (pintores, escultores e arquitectos) durante o Alto Renascimento, reconheceremos alguns nomes com mais familiaridade do que outros, por exemplo, Leonardo da Vinci (1452-1519), Miguel Ângelo (1475-1564) e Rafael (1483-1520). O "trio" acima referido criou um vasto conjunto de obras de arte e invenções que ainda hoje perduram.
A Última Ceia (1495-1498) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons
Leonardo da Vinci (1452 - 1519)
Leonardo da Vinci foi um mestre do seu tempo, não só como artista, mas também como inventor, cientista, engenheiro e muito mais. Muitos dos seus desenhos indicam mecânicas mais modernas, como o helicóptero. Nasceu na Toscana e começou a sua carreira como artista aos 14 anos. Foi ensinado por outro grande artista e ourives chamado Andrea del Verrocchio (1435 - 1488) e mais tardetrabalhou na escola de Verrocchio em Florença.
Algumas das obras de arte famosas de da Vinci incluem Virgem dos Rochedos (1483-1486), O Homem Vitruviano (c. 1485), A Última Ceia (1498), Salvatore Mundi (c. 1500), e o Mona Lisa (c. 1503). Veremos que, na maior parte das pinturas e desenhos de da Vinci, ele apresentou um elevado sentido de realismo e naturalismo nos seus temas. sfumato que é uma palavra italiana que significa "fumado" devido ao efeito fumado causado pelas camadas de tinta e cor suavemente sobrepostas e misturadas umas sobre as outras.
Quando olhamos para o Mona Lisa , também conhecido como La Gioconda Da Vinci utilizou várias técnicas para realçar o realismo a que estamos habituados nos pintores italianos do Renascimento. sfumato Da Vinci também utilizou o claro-escuro como notamos no fundo, criando mais profundidade.
A obra de Leonardo da Vinci Retrato da Monna Lisa do Giocondo ("Retrato de Mona Lisa del Giocondo", 1503-1506); Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons
Miguel Ângelo (1475 - 1564)
Nascido na Toscana, Michelangelo foi para Florença ainda jovem, como aprendiz da família Medici, e a sua carreira artística evoluiu ao longo do tempo, acabando por se mudar também para Roma. Foi outro prodígio do seu tempo e rival de Leonardo da Vinci, escultor e pintor que apresentava um elevado grau de realismo nas suas esculturas e obras de arte.
Alguns dos Obras de arte famosas de Miguel Ângelo Entre elas, destaca-se o conhecido tecto da Capela Sistina, onde se encontra A Criação de Adão (1508-1512), que representa Adão à esquerda e Deus à direita, ambos como homens fortes e musculados. Esta representação do homem e de Deus mostra a expressão da filosofia humanista de Miguel Ângelo, uma das principais características do Renascimento italiano.
A criação de Adão (c. 1511) de Miguel Ângelo; Michelangelo, Domínio público, via Wikimedia Commons
Esta atenção ao pormenor é igualmente visível nas suas esculturas, por exemplo, na sua primeira estátua intitulada Baco (1496-1497), o Piet à (1498-1499), e o popular David (1501-1504). Piet à A escultura de Miguel Ângelo, que foi esculpida num bloco de mármore num período de dois anos, representa a Mãe Maria segurando o corpo morto de Jesus Cristo. O que é diferente de outras representações desta cena religiosa é a calma que Miguel Ângelo escolheu para retratar. A Mãe Maria é retratada como uma mulher mais jovem e a sua expressão facial tem uma ternura que realça os aspectos emocionais da escultura quandoa vê-lo.
Miguel Ângelo também construiu a escultura de acordo com a forma de uma pirâmide - a ponta superior começa na cabeça da Mãe Maria e o alargamento das suas vestes cria o movimento descendente, e os lados da pirâmide, e a fundação é indicada pela base sobre a qual as figuras se encontram.
Quando olhamos para a estátua de Miguel Ângelo, David, o artista retratou a figura bíblica nua como um jovem forte. Podemos ver como ele se posiciona com confiança numa contrapposto O que é particularmente evidente nesta estátua é a atenção e a compreensão de Miguel Ângelo relativamente à forma e à anatomia humanas esculpidas em mármore. Embora tenham sido muitos os escultores que, durante o Renascimento, esculpiram a personagem de David, a interpretação de Miguel Ângelo destacou-se de todas as outras.
O livro de Miguel Ângelo David (1501-1504), Galleria dell'Accademia, Florença; Jörg Bittner Unna, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Rafael (1483 - 1520)
Rafael ( Raffaello Sanzio da Urbino ) foi outro mestre do período renascentista e rival de Leonardo da Vinci e Miguel Ângelo. Cresceu em Urbino e iniciou a sua carreira artística desde a infância, ensinado pelo seu pai, que também era pintor. Acabou por se mudar para Florença devido a vários empreendimentos e encomendas artísticas. As técnicas artísticas utilizadas por Leonardo da Vinci influenciaram Rafael, nomeadamente sfumato e claro-escuro .
O que distinguiu Rafael dos outros artistas do Renascimento foi a forma como criou o seu próprio estilo, que, embora se baseasse nos princípios clássicos da época, também retratava um sentido de beleza e grandeza, nomeadamente na utilização de cores vibrantes.
Algumas das obras de arte famosas de Rafael incluem dois frescos, nomeadamente, Disputa do Santíssimo Sacramento (1510), e A Escola de Atenas (1509 - 1511), ambas pintadas na Stanza della Segnatura, que é uma das quatro salas com frescos pintados por Rafael no Palácio Apostólico na Cidade do Vaticano - estas salas são também conhecidas como as "Salas de Rafael".
A Escola de Atenas é uma obra icónica de Rafael, que retrata um grupo de filósofos num grande salão. Como o nome sugere, trata-se de filósofos da era clássica. No centro estão Platão e Aristóteles, com várias outras figuras de renome à sua volta, como Pitágoras, Ptolomeu e outros.
Escola de Atene ("Escola de Atenas", 1509-1511) fresco de Rafael, situado nas Salas Rafael, Palácio Apostólico, Cidade do Vaticano; Rafael, domínio público, via Wikimedia Commons
Este fresco é um exemplo ideal das características do Renascimento italiano, devido à utilização da perspectiva linear e das estruturas arquitectónicas que criam profundidade e tridimensionalidade. Rafael representa o claro e o escuro de uma forma que cria uma tridimensionalidade adicional, especificamente visível na luz que entra no edifício a partir do fundo, com uma sugestão de nuvens azuis visíveis atravésas janelas.
Também notamos uma profunda habilidade arquitectónica e estrutural do artista no edifício circundante, nos arcos e no tecto abobadado. O grande arco em primeiro plano cria um efeito de moldura, e é como se o palco estivesse montado e nós fizéssemos parte da cena de filósofos contemplativos e discutindo. Além disso, Rafael não se concentrou em nenhuma área com uma cor mais rica do que a outra, tornandoa composição é mais fácil de ver e unifica todos os elementos.
O Renascimento para além de Itália e para o futuro
Embora a Itália tenha sido o centro cultural para o desenvolvimento do Renascimento, este estendeu-se indubitavelmente a outros países europeus com artistas proeminentes como os alemães Albrecht Dürer Além disso, a Escola Veneziana estabeleceu-se em Veneza com proeminentes pintores do Renascimento holandês e flamengo, como Pieter Bruegel. artistas como Ticiano que influenciou artistas de movimentos artísticos posteriores, como o Barroco.
O período do Renascimento italiano chegou ao fim por volta de 1527 devido a muitos factores, como a guerra, especificamente a Queda de Roma. O período que se seguiu ao Renascimento foi chamado Maneirismo, que começou por volta de 1520 em Roma e Florença. O Maneirismo foi outro ramo da arte italiana que procurou afastar-se dos ideais clássicos e naturalistas estabelecidos pelos artistas do Renascimento italiano - a artetornou-se mais simbólico e figurativo.
Não há dúvida de que o Renascimento italiano, enquanto período histórico e artístico, deixou uma marca na cultura dos séculos vindouros. Com novas descobertas e invenções em quase todas as faculdades humanas e intelectuais, foi o epítome de um "renascimento", como o nome sugere. Além disso, os artistas italianos do Renascimento definiram o cenário e os padrões da arte naNo futuro, como ainda vemos as obras-primas da antiguidade estampadas na nossa cultura pop contemporânea - o "Homem do Renascimento" continua vivo.
Perguntas mais frequentes
O que foi o Renascimento italiano?
O Renascimento italiano foi um período da história da Europa que fez uma transição dinâmica do período medieval. Foi um período de "renascimento", que é também a definição do termo Renascença . Foi um movimento cultural que incorporou todas as disciplinas, como a arte, a ciência, a religião, a geografia, a astronomia, a arquitectura, a literatura, a música, etc. Procurou restabelecer os ideais clássicos esquecidos desde os períodos grego e romano.
Quando começou o Renascimento italiano?
O Renascimento teve início no século XIV e durou várias décadas. A arte italiana do Renascimento é classificada em três períodos, nomeadamente o período proto-renascentista (1300), o período Início da Renascença (1400), e o Alta Renascença (1500s).
O que caracterizou o Renascimento italiano?
As características do Renascimento italiano centraram-se principalmente em novas perspectivas a partir das descobertas feitas nas artes e nas ciências. O humanismo tornou-se uma das principais filosofias, colocando o homem no centro e redefinindo a relação com o Divino. Isto foi especialmente notado na forma como a arte se tornou mais humanizada e naturalista, voltando aos ideais clássicos de perspectiva e proporção emcomo as figuras humanas eram retratadas.