Arte não objectiva - Encontrar uma definição de arte não objectiva

Imagino uma pintura composta por quadrados, linhas e apenas motivos geométricos que parecem vir de outro mundo, muito longe da nossa própria compreensão das formas e objectos que ocorrem naturalmente. Isto é simplesmente arte Não-Objectiva, deste mundo, que é o que vamos explorar neste artigo juntamente com alguns exemplos de arte Não-Objectiva.

O que é a arte não objectiva?

A arte não objectiva e a arte abstracta andam muitas vezes juntas, mas também podem ser confusas de entender. A arte não objectiva é arte abstracta? Algumas fontes dizem que é uma forma ou estilo dentro da categoria de Arte abstracta Outros dizem que não é sinónimo de arte abstracta, e outros dizem que é arte abstracta - há uma linha ténue entre todos os anteriores.

Abaixo, discutimos mais detalhadamente a definição de Arte Não-Objectiva, incluindo as suas origens.

Uma definição de arte não objectiva

A arte não objectiva é também designada por abstracção geométrica e, de acordo com a definição fornecida pela Tate, é definida como "um tipo de arte abstracta que é normalmente, mas nem sempre, geométrica e que pretende transmitir uma sensação de simplicidade e pureza".

Se olharmos também para a definição que a Tate oferece para a arte abstracta, teremos uma melhor compreensão do não-objectivo. A arte abstracta é definida como a arte "que não tenta representar uma representação exacta de uma realidade visual, mas que, em vez disso, utiliza formas, cores, formas e marcas gestuais para conseguir o seu efeito".

Cisne (1915) de Hilma af Klint; Hilma af Klint, Domínio público, via Wikimedia Commons

Na verdade, faz mais sentido que a arte Não-Objectiva seja uma forma de arte Abstracta, onde não existem qualidades de representação ou semelhanças com a realidade; é completamente não-representativa. Assim, é também referida como abstracção geométrica porque consiste em motivos geométricos de composição.

A arte abstracta continuará a ter alguma semelhança com a realidade, embora não seja uma "representação exacta" como a que vemos em Arte grega , como exemplo, onde os artistas seguiam os ideais filosóficos de mimese A palavra "imitar", que significa imitar a natureza ou a realidade.

Onde surgiu o termo "não objectivo"?

O construtivista russo Alexander Rodchenko introduziu pela primeira vez o termo "Não-Objectivo" quando apresentou várias das suas pinturas do seu Preto no preto série, por exemplo, Pintura Não-Objectiva N.º 80 (1918), Rodchenko foi co-fundador da movimento artístico O construtivismo é um tipo de movimento de arte abstracta que se centra na "construção" da arte e não nas qualidades formais de composição que a criam.

A arte foi concebida para ser uma construção da indústria moderna e servir objectivos utilitários (funcionais), e não tanto reflexões e expressões mais profundas de estados emocionais interiores.

A obra de Rodchenko Preto no preto A série foi considerada uma resposta à obra de arte de Kazimir Malevich , nomeadamente o seu Quadrado preto (1915), que também poderia ser uma brincadeira com a obra de Malevich Branco sobre branco (1918). Malevich foi o fundador da anterior e concorrente da Construtivismo Fundou o Suprematismo em 1913, quando ainda se dedicava à produção de obras de arte de estilo cubo-futurista, cuja exposição A Última Exposição Futurista de Pinturas 0,10 inaugurou o novo estilo de Suprematismo que incluía a obra de Malevich Quadrado preto .

Quadrado Negro (Quadrado Negro Supremático) (1915) de Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Domínio público, via Wikimedia Commons

A exposição foi realizada em 1915 pelo Gabinete de Arte Dobychina, em Petrogrado, na Rússia. Malevich também escreveu o texto de acompanhamento ou manifesto, como também é referido, De Cubismo Em 1927 também utilizou o termo "não-objectivo" na sua publicação intitulada, O Mundo Não-Objectivo (1927).

Uma famosa citação do texto acima mencionado explica alguns dos princípios fundamentais do Suprematismo e que este está relacionado com o "sentimento puro" e com o facto de os "fenómenos visuais" se tornarem de certa forma "sem sentido", explicando ainda que o sentimento é o mais importante "para além do ambiente em que é provocado".

Foi um movimento de regresso aos fundamentos da forma, um "novo realismo", como Malevich o declarou, e que se referia à "supremacia do sentimento puro ou da percepção nas artes pictóricas". Era o completo oposto do Construtivismo e procurava representar uma forma tal como ela era, ou seja, baseava-se nos elementos formais da pintura, por exemplo, a cor, a linha, a forma, etc.

No entanto, o "novo realismo" de Malevich tinha uma outra vertente, ligada a um significado mais profundo, para além da realidade que vemos. Algumas fontes sugerem também que estava ligado aos aspectos espirituais da arte. De facto, Malevich foi influenciado pelas filosofias esotéricas dos místicos russos P.D. Ouspensky e Georges Gurdjieff.

Suprematismo (1915) de Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Domínio público, via Wikimedia Commons

O suprematismo foi um movimento artístico importante no mundo da pintura não-objectiva, que inaugurou novas formas de ver a arte e influenciou muitos artistas ao longo da era moderna. Não foi apenas Malevich que foi considerado um pioneiro da arte não-objectiva, ou seja, não-representacional.

Artistas como Wassily Kandinsky e Piet Mondrian estiveram entre os pioneiros na descoberta de um mundo que ia para além da função física e da representação da arte, utilizando elementos puramente formais da arte.

O pintor russo Wassily Kandinsky foi um pintor muito conceituado Artista abstracto Entre outros artistas, fundou o grupo de arte Der Blaue Reiter ("O Cavaleiro Azul"), que fazia parte do movimento artístico expressionista alemão. O que tornou a obra de Kandinsky revolucionária para a época foram as suas composições abstractas.

Composição VII (1913) de Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Domínio público, via Wikimedia Commons

Explorou os significados mais profundos de a cor na arte e a forma como comunicava mais espiritualmente, na sua publicação seminal, Concerning the Spiritual in Art (1912), explorou estes conceitos com mais pormenor, incluindo a comparação da utilização da cor com a música, mas mais amplamente, a ligação da arte à música.

No seu texto, explica a facilidade com que a música exprime o mundo interior e como os pintores devem "invejar" essa facilidade de expressão.

Kandinsky iniciou uma série de abstracções que transmitiam esta espiritualidade mais profunda, designadas por Improvisações, Composições e Impressões. Um exemplo disso é a sua Composição VII (1913), que apresenta uma amálgama de formas e cores ao ponto de nós, espectadores, não conseguirmos reconhecer nada de figurativo ou representativo.

Outra figura notável a mencionar no âmbito da arte não-objectiva é o holandês Piet Mondrian, outro pioneiro da arte abstracta durante os anos 20. Baseando-se em elementos formais de linhas e formas, criou pinturas não-objectivas desprovidas de qualquer representação reconhecível. Esta simplicidade da forma também transmitia uma mensagem mais profunda de valores universais subjacentes.

Nova Iorque, Nova Iorque (1942) de Piet Mondrian; Piet Mondrian, domínio público, via Wikimedia Commons

Mondrian também foi co-fundador do De Stijl (Dentro deste movimento, Mondrian fundou o Neo-Plasticismo, em 1917, que procurava, por assim dizer, voltar aos princípios básicos da arte, o que incluía a representação da arte em elementos formais puros e fundamentais de cor e linhas, como mencionado acima.

No entanto, tratava-se estritamente de linhas horizontais e verticais, com ângulos rectos, e as únicas cores utilizadas eram as cores primárias, nomeadamente o vermelho, o azul e o amarelo, e cores neutras como o branco, o cinzento e o preto.

Michel Seuphor, na sua publicação, Piet Mondrian: Vida e Obra (1956), apresenta uma citação de Mondrian que explica a relação da arte com a realidade: "A arte é mais elevada do que a realidade e não tem relação directa com a realidade", afirmando ainda que os artistas terão de utilizar a realidade o mais possível, porque a realidade se opõe ao espiritual".

O neo-plasticismo foi um estilo artístico radical que tinha como objectivo representar uma harmonia subjacente através da arte, harmonia essa que era comunicada nas formas mais fundamentais. Mondrian também escreveu o ensaio intitulado, Neo-Plasticismo na arte pictórica (1917 a 1918), publicado no jornal De Stijl (também referido como a revista De Stijl por algumas fontes).

A capa da revista De Stijl, vol. 5, n.º 1, 1922; Theo van Doesburg, Domínio público, via Wikimedia Commons

No seu ensaio seminal, explicou o que o neoplasticismo pretendia alcançar, afirmando: "Enquanto representação pura da mente humana, a arte exprimir-se-á numa forma esteticamente purificada, isto é, abstracta. A nova ideia plástica não pode, portanto, assumir a forma de uma representação natural ou concreta". Além disso, a arte passará a ser a "abstracção da forma e da cor".

Van Doesburg acabou por romper com o Neo-Plasticismo e iniciou o estilo chamado Elementarismo, que contrariava as teorias de Mondrian de linhas estritamente verticais e horizontais e incluía linhas diagonais e telas inclinadas. Era mais dinâmico do que os ideais mais puristas subjacentes ao Neo-Plasticismo. Alguns dos outros movimentos de arte Não-Objectiva incluíam o famoso Cubismo e o Futurismo,durante o início dos anos 1900, que foram, de facto, grandes movimentos influenciadores de muitos artistas do século XX.

O Orfismo, também conhecido como Cubismo Órfico, teve início em 1912 e foi um importante estilo artístico que introduziu o não-objectivo no mundo da arte.

Alívio, Ritmos (1932) de Robert Delaunay; Pedro Ribeiro Simões de Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

O movimento começou como uma resposta ao cubismo analítico de Sonia e Robert Delaunay e František Kupka. O movimento centrou-se na inclusão de cores e formas mais vivas em composições abstractas que apelavam aos sentidos; os artistas inspiraram-se no movimento artístico fauvista para a utilização de cores vivas. O nome "Orfismo" foi dado pelo francês Guillaume Apollinaire, que era crítico de arte eescritor.

Se olharmos para o trabalho do Cubismo Analítico anterior, que se situou entre 1910 e 1912 e foi liderado por Pablo Picasso e Georges Braque, temas como retratos ou naturezas mortas tornaram-se altamente fracturados em composições semi-abstractas.

Os planos de imagem tornaram-se multifacetados e o assunto visto de múltiplas perspectivas, tudo numa única tela. Era um estilo de arte centrado na desconstrução do plano de imagem e na sobreposição dos fragmentos resultantes. Este estilo tornou-se tão abstracto que se tornou quase completamente arte não-objectiva.

No Cubismo Analítico não se dava grande ênfase às cores vivas, os artistas utilizavam cores suaves ou monocromáticas paletas como os castanhos A composição estrutural foi a seguinte: cinza, cinza, ocre, preto e branco. ponto focal das pinturas O Orfismo, portanto, abordou a arte de forma diferente e baseou-se na cor e na sobreposição de planos de imagem, como vemos no Cubismo.

Vidro e garrafas (1912) de Juan Gris; Juan Gris, Domínio público, via Wikimedia Commons

Outros movimentos de arte não objectiva do final do século XX incluem a Pintura de Borda Dura, que começou em 1959, quando o crítico de arte Jules Langsner organizou uma exposição de arte, a Quatro classicistas abstractos (1959), que expõe o trabalho abstracto geométrico de quatro artistas da Califórnia no Museu de Arte do Condado de Los Angeles.

As obras de arte pareciam as grelhas e os quadrados de Piet Mondrian, com as cores mais profundas que vemos na Estilo de pintura de campo de cor Artistas bem conhecidos do estilo Color Field Painting foram Mark Rothko O que caracterizava os artistas californianos acima referidos era a sua abordagem impessoal à representação da forma e da cor.

Frank Stella foi outro notável pintor Hard-Edge e criou composições que se centravam nos elementos formais da arte, como a cor, a linha e a forma.

Tornou-se conhecido pelas suas pinturas impessoais, nomeadamente as suas Pinturas negras O que diferenciava Stella de artistas como Piet Mondrian Uma das citações famosas de Stella é: "O que vês é o que vês".

Também não havia um significado inerente mais profundo, como podemos ver no estilo de pintura gestual Action, na obra de artistas como Jackson Pollock Além disso, os artistas de Hard-Edge Painting criaram composições limpas e bem estruturadas, quase sem vestígios de pinceladas, e as suas formas pareciam duras com arestas "afiadas". Também foram influenciados pelo conceito de composições unitárias.

A abstracção pós-pintura teve início nos anos 50 e foi utilizada pelo crítico e historiador de arte Clement Greenberg para nomear e organizar uma exposição de vários artistas, como Helen Frankenthaler e Morris Louis, todos de diferentes estilos de pintura abstracta, incluindo Hard-Edge Painting, Color Field Painting, Color Stain Painting, Lyrical Abstraction, Washington Color Painters, Minimal Painting,e outros.

Foi uma resposta e uma rejeição do movimento anterior do Expressionismo Abstracto (também chamado Abstracção Pintora), que Greenberg considerava demasiado emocional e gestual. O que caracterizou o estilo da Abstracção Pós-Pintora foi a orientação para elementos formais na criação artística, por exemplo, desenhos lineares, cor e forma.

Exemplos de arte não objectiva

É importante notar que uma das principais características subjacentes à pintura Não-Objectiva é a utilização dos elementos formais da arte. Os elementos formais das artes visuais incluem linhas, formas, cores, texturas, espaço, valor (contraste ou luminosidade). Todos estes elementos são combinados para criar o tema.

Abaixo, analisamos vários exemplos de pintura Não-Objectiva de vários artistas de vários movimentos e estilos artísticos.

A variedade com que cada artista pintou, impulsionado especificamente pelas suas próprias intenções e desejos interiores de criar arte, será claramente demonstrada. Comecemos pelo mais antigo, o pioneiro da arte abstracta, Wassily Kandinsky.

Expressionismo: Wassily Kandinsky (1866 - 1944)

A obra de Wassily Kandinsky Composição VII (1913) é um bom exemplo de uma pintura não-objectiva. Nela vemos uma mistura colorida de formas e linhas, todas numa área espacial que constitui a tela. Com o grande interesse de Kandinsky pela música, vemos como a sua tela se torna quase como uma peça composta, sendo que o título também nos recorda esta ligação à música.

Kandinsky orquestrou claramente as suas cores e formas nesta pintura e o nosso sentido visual percebe-as da mesma forma que o nosso sentido auditivo percebe uma canção composta.

Uma fotografia de Wassily Kandinsky; 未知上傳者, Domínio público, via Wikimedia Commons

Este é um exemplo de como Kandinsky utilizou o estilo de arte não-objectiva e lhe atribuiu um significado simbólico mais profundo. Por exemplo, inclui temas do apocalipse e da redenção através de motivos como montanhas, barcos e figuras, mas estes são dificilmente reconhecíveis. Os artistas representaram-nos com referência a narrativas bíblicas como o Jardim do Éden e o Juízo Final.

Composição III (1923) de Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Domínio público, via Wikimedia Commons

Outros quadros de Kandinsky incluem Composição VIII (1923), que mostra como Kandinsky incorporou aspectos do Suprematismo, do Construtivismo e da Escola Bauhaus, onde leccionou. Esta pintura mostra a exploração de linhas e formas por parte de Kandinsky, algo totalmente diferente da sua pintura anterior mencionada acima. Aqui é dada ênfase à forma e não tanto à cor. As pinturas posteriores de Kandinsky incluem Vários círculos (1926) e Composição X (1939).

Suprematismo: Kazimir Malevich (1879 - 1935)

A obra de Kazimir Malevich Quadrado preto (c. 1915) representa simplesmente um quadrado preto sobre um fundo branco. Actualmente, a pintura está rachada devido ao envelhecimento, no entanto, existem outras marcas evidentes nesta pintura, por exemplo, pinceladas e impressões digitais. Esta pintura tem sido comparada a uma espécie de ícone da arte não-representativa, enfatizando as suas qualidades espirituais.

Kazimir Malevich, antes de 1935; Autor desconhecido Autor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Há várias outras maneiras de olhar para este quadro, para além de ser um símbolo "icónico". É versátil na perspectiva do observador. A simplicidade da forma e a ausência de outras formas ou cores que a acompanham também criam um ponto focal para nós, o quadrado preto, sem outras distracções.

Um facto engraçado sobre esta pintura é que inicialmente fazia parte do esboço de Malevich, em 1913, para uma cortina de palco para a ópera "Vitória sobre o Sol" (1926).

Branco sobre branco (1918) de Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Domínio público, via Wikimedia Commons

Outras obras de arte de Malevich incluem Voar de avião (1915), Branco sobre branco (1917 a 1918), Realismo pictórico de um menino com uma mochila. Massas de cor na quarta dimensão (1915), e Realismo pictórico de uma camponesa em duas dimensões (Praça Vermelha) (1915).

Neo-Plasticismo: Piet Mondrian (1872 - 1944)

As composições de Piet Mondrian do estilo Neo-Plasticismo são exemplos que emulam visualmente a arte não-objectiva. Se olharmos para a sua pintura chamada Composição com um grande plano vermelho, amarelo, preto, cinzento e azul (1921), vemos as formas quadradas e rectangulares fundamentais com contornos pretos espessos. As cores limitam-se ao vermelho, amarelo, azul e branco com áreas de cinzento. É uma representação simples de elementos formais de linhas verticais e horizontais, que acabam por formar quadrados e rectângulos.

Além disso, os blocos são assimétricos, vemos o grande quadrado vermelho no centro e os blocos mais pequenos à volta.

ESQUERDA: Uma fotografia de Piet Mondrian de De Stijl , vol. 5, nº 12 (Dezembro de 1922): p. 179..; Anónimo (fotógrafo), Domínio público, via Wikimedia Commons Composição com um grande plano vermelho, amarelo, preto, cinzento e azul (1921) de Piet Mondrian; Piet Mondrian, Domínio público, via Wikimedia Commons

Este estilo varia em muitos outros quadros de Mondrian, alguns com quadrados de tamanhos diferentes e outros com contornos pretos mais espessos. Composição com planos de cor (1917), Quadro I: Losango com quatro linhas e cinzento (1926), Composição II em vermelho, azul e amarelo (1930), Composição n.º 10 (1939 a 1942), e Broadway Boogie-Woogie (1942 a 1943).

Orfismo: Sonia Delaunay (1885 - 1979)

Sonia Delaunay também se dedicava à moda, aos têxteis e à cenografia e acabou por incorporar muito do seu trabalho em formas funcionais, como mobiliário, revestimentos de parede e vestuário, juntamente com o seu marido, Robert Delaunay O Orfismo era caracterizado por cores e formas profundas, e podemos ver isso exemplificado nas várias pinturas de Delaunay.

Uma fotografia de retrato de Sónia Delaunay, c. 1912; Anónimo Autor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Alguns exemplos são Prismas eléctricos (Prismes électriques) (A área central da tela tem dois círculos maiores e à volta destes há arcos, curvas e formas mais geométricas, como rectângulos. Todo o plano da imagem é multicolorido.

A inspiração para os prismas eléctricos de Delaunay foram os candeeiros eléctricos das ruas de Paris.

Enquanto Sónia se esforçava por reproduzir o brilho criado pelos candeeiros de rua, o seu marido, Robert Delaunay, esforçava-se por reproduzir de forma semelhante os efeitos do Sol e da Lua na sua obra Contrastes simultâneos: Sol e Lua (1912).

Pintura de ponta dura: Frank Stella (1936 até à actualidade)

Frank Stella é um artista multifacetado, escultor, gravurista e pintor. A sua obra de arte entrou e saiu de muitos estilos artísticos, sobretudo do Minimalismo. Veremos que muitas das suas obras de arte parecem não-objectivas, não representando nada a não ser o que está lá, um exemplo disso é a sua Pinturas negras série (1958 a 1960), O casamento da razão com a miséria, II (1959), onde vemos uma tela preta com apenas linhas geometricamente alinhadas umas com as outras; estas foram descritas como "formas em U paralelas invertidas".

Para além disso, não há indicação extensiva de pinceladas e a obra surge como desprovida de qualquer figuração ou referência a qualquer outro significado ou símbolo.

A pintura também foi explicada como não tentando criar um espaço tridimensional "ilusionista" que todos nós entendemos das pinturas, especialmente se usarmos o Renascimento como exemplo, o oposto do que é a arte não-objectiva.

Frank Stella por ocasião da exposição "Frank Stella - A Retrospectiva. Obras 1958 - 2012", no Kunstmuseum Wolfsburg. A Academia Americana em Berlim acolheu uma conversa entre Stella e Hanno Rauterberg do Die Zeit sobre a obra distinta e inovadora do célebre artista americano; Academia Americana em Berlim, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Stella's Harran II (1967) do seu Transferidor (Três formas circulares chamam a nossa atenção; no entanto, toda a composição está inclinada na diagonal e as formas circulares estão quase alojadas em formas rectangulares sobrepostas.

Esta peça mede 3 x 4 metros e a sua grande escala enfatiza o efeito das formas geométricas e coloridas quando se está em frente dela, para além disso, a bidimensionalidade plana da tela torna-se inevitável. É feita de polímero e tinta de polímero fluorescente.

Uma questão de formalidade

O tema da pintura Não-Objectiva tem sido utilizado por muitos artistas para muitos fins diferentes ao longo dos séculos XX e XXI. Para alguns artistas, tem sido para transmitir um significado espiritual mais profundo. Para alguns, tem sido para criar dinamismo e ritmo. Para outros, tem sido para ecoar o fluxo da música e o significado das cores combinadas para provocar uma resposta emocional. Para algunsnoutros, foi simplesmente para transmitir uma forma e uma cor, um desenho e uma estrutura, nada mais.

O tema da maioria das pinturas Não-Objectivas tem sido uma questão de mera formalidade, um sortido de linhas, formas e cores, mas qualquer que tenha sido o propósito destes sortidos, não foi em vão, porque a arte Não-Objectiva continua a criar novas dimensões, não só nas nossas mentes, mas também nos nossos ambientes e, por vezes, algo não tem de significar nada.

Perguntas mais frequentes

O que é a arte não objectiva?

A arte não objectiva pode ser vista de várias perspectivas. Algumas fontes sugerem que é uma forma ou estilo dentro da categoria de arte abstracta, outras sugerem que não é sinónimo de arte abstracta e outras sugerem que é arte abstracta. A arte não objectiva é também designada por abstracção geométrica. De acordo com a definição fornecida pela Tate, é definida como "um tipo de arte abstracta que é normalmente, masnem sempre, geométrico e tem como objectivo transmitir uma sensação de simplicidade e pureza".

Qual é a diferença entre arte não objectiva e arte abstracta?

A arte não objectiva vs. arte abstracta é melhor compreendida quando olhamos para a definição de arte abstracta, nomeadamente, como a arte "que não tenta representar uma representação exacta de uma realidade visual, mas que, em vez disso, utiliza formas, cores, formas e marcas gestuais para alcançar o seu efeito". A arte não objectiva é uma forma de arte abstracta em que não existem qualidades de representação ou semelhanças com a realidade, écompletamente não-representativa e é por isso que também é referida como abstracção geométrica.

O que são movimentos artísticos não objectivos?

A arte não objectiva enquadra-se em vários movimentos de arte abstracta, pelo que não é um movimento artístico em si, mas sim um tipo ou estilo de arte abstracta. A arte não objectiva pode ser encontrada em movimentos artísticos como o Expressionismo, o Suprematismo, o Construtivismo, o Cubismo, o Orfismo, o Rayonismo, a Pintura de Borda Dura, a Abstracção Pós-Pintura, entre outros.

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