- A história da arte da escultura abstracta
- Artistas famosos de escultura de arte abstracta
- Perguntas mais frequentes
Desde o início do Modernismo que se colocam algumas questões sobre a natureza e a distinção entre a arte bidimensional e a escultura abstracta. Constantin Brancusi colocou a questão fundamental de saber o que é que as esculturas abstractas famosas deveriam transmitir nos primeiros anos do século XX: a representação de um tema ou a sua natureza essencial? Pablo Picassodemonstrou, nos anos seguintes, que uma estátua ou escultura abstracta não precisava de ser cinzelada, esculpida ou moldada: podia ser construída ou montada. Abaixo, veremos alguns artistas de escultura abstracta bem conhecidos e as suas obras.
A história da arte da escultura abstracta
A escultura abstracta nasceu como resultado da mão pesada da industrialização e de uma quantidade cada vez maior de escultores que se distanciavam de um conceito convencional de escultura. Auguste Rodin Rodin, sem um desejo fervoroso de desafiar a tradição, foi, na realidade, o fundador da escultura moderna. Rodin removeu o contorno duro da criação 3D tradicional para dar lugar às suas esculturas maciças no século XIX contemporâneo que se aproximava.
Seguindo de perto alguns dos desenvolvimentos mais significativos e cruciais das vanguardas e as suas invenções em obras 2D, foi apresentada uma nova noção de utilidade do objecto, que contribuiu para a formação de uma nova ligação entre o objecto e o ambiente, para além do desenvolvimento de um léxico estético único.
A incorporação e a utilização de recursos comuns desviaram-se dos conceitos convencionais de modelação e de materiais como a cerâmica, o gesso, a pedra ou o metal. Os objectos 3D começaram a dançar, a mover-se e a brilhar, pondo em causa a sua essência básica, bem como a natureza da criação artística.
Os primórdios da arte de escultura abstracta
As esculturas abstractas demoraram algum tempo a chegar ao mercado, tendo sido necessário quebrar as correntes de gerações de tradições que enalteciam a forma humana ideal em retratos, bustos e esculturas. As representações tridimensionais começaram a adoptar uma forma e um objectivo distintos com o desenvolvimento da Cubismo .
As esculturas cubistas de Picasso, vistas como outra área de exploração, uma vez que rompiam com a ideia convencional de modelação, demonstraram que estes novos elementos também permitiam a interacção de formas geométricas, o achatamento das suas superfícies e a fracturação.
A escultura já não tinha de representar nada; em vez disso, era livre de existir e de servir como representação de uma tipo de arte.
Cabeça de mulher (Fernande) escultura em gesso (1909) de Pablo Picasso, situada na Tate Modern, em Londres; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons
Por um lado, pretendia relacionar-se com os símbolos espirituais, intelectuais e cerimoniais das remotas civilizações africanas e asiáticas; por outro lado, retratava o confronto do pós-guerra e as dificuldades de cada dia. Picasso procurou tudo o que estava disponível no seu estúdio de Paris durante a guerra e começou a reunir as suas peças não representativas e, por vezes, muito provocadoras.
À semelhança das obras de colagem de Picasso e Georges Braque, o conceito inicial do que uma escultura pode ser e parecer foi autorizado a utilizar qualquer material que considerasse essencial.
As influências significativas que moldaram a escultura abstracta
O conceito de que as estátuas abstractas podiam ser feitas como objectos de montagem e que os escultores famosos não tinham de depender da utilização convencional do mármore ou da madeira foi adoptado pelos italianos Futurismo Dadaísmo, Expressionismo Abstracto, Surrealismo e Minimalismo.
Cada um dos movimentos acima mencionados acrescentou outra característica significativa à expressão cada vez mais global Escultura Abstracta.
O cubismo proporcionou uma nova perspectiva sobre os materiais, enquanto o futurismo italiano deu à arte um novo objectivo, o de um meio para abraçar o movimento, o dinamismo e a tecnologia. A escultura cinética surgiu deste ponto de vista, trazendo consigo uma perspectiva única sobre o conceito de massa e a sua dissolução através das delicadas influências da luz e do movimento.
Réplica de Fonte (1917) de Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Domínio público, via Wikimedia Commons
Este conceito entusiasmou Marcel Duchamp, pioneiro de uma das mais belas obras de arte radicais do mundo. movimentos artísticos Antes disso, introduziu a sua noção de "readymades", que acrescentou um toque próprio à interpretação da escultura.
Os objectos do quotidiano entraram em cena, trazendo consigo tendências como Recycled e Junk Art, bem como expressões como combines, que foram usadas para caracterizar a combinação de pintura e escultura na obra de Robert Rauschenberg.
"Partindo deste princípio, ninguém pode exprimir algo basicamente verdadeiro imitando a sua superfície exterior", disse Brancusi. No entanto, como em todas as formas criativas, o impulso para a alma entra sorrateiramente e implora por um vislumbre de vida no interior dos materiais gélidos.
Cachorro (1992) de Jeff Koons, um exemplo de escultura moderna; Zarateman, CC0, via Wikimedia Commons
Trabalhar com elementos era um dos extremos do espectro, e o outro era um lado mais suave que se centrava na tentativa de compreender como a escultura poderia ser utilizada como um meio de expressão para diversas realidades da vida, em vez de um veículo de duplicação do mundo.
O famoso comentário de Constantin Brancusi caracteriza adequadamente a arte da escultura abstracta que revolucionou a interacção espaço/objecto e se afastou dos cânones anteriores. Juntamente com a sua produção, a produção do aclamado escultor Henry Moore promove uma investigação mais profunda sobre formas, processos e proporções.
Ambos enfatizaram o conceito de talha simples, formas biomórficas surreais e a valorização dos recursos brutos, o que ajudou a escultura a ramificar-se e a formar as duas linhas paralelas do seu desenvolvimento.
Artistas famosos de escultura de arte abstracta
Os famosos artistas de escultura do século XX foram pioneiros na exploração de toda a gama de abstracção 3D. Todos os artistas de escultura abstracta desta lista lançaram uma corrente de ar fresco no espírito da escultura do século XX, que mudou completamente a trajectória da arte moderna.
Isto deve-se às suas inovações disruptivas de forma, métodos e materiais de conteúdo, processamento analítico do ambiente e diferentes pontos de vista e perspectivas sobre o que é a arte.
Desde a criação de esculturas abstractas em madeira até ao trabalho com materiais menos tradicionais, todos estes artistas contribuíram com algo único para a arte da escultura abstracta. Aqui está a nossa lista de escultores influentes e as suas famosas esculturas abstractas.
Constantin Brâncusi (1876 - 1957)
| Nacionalidade | romeno |
| Data de nascimento | 19 de Fevereiro de 1876 |
| Data do óbito | 16 de Março de 1957 |
| Local de nascimento | Hobita, Roménia |
Constantin Brâncusi, um proeminente escultor do século XX, combinou o modernismo e a transcendência nas suas obras, que exibem representações ideais e arquetípicas dos seus temas. As suas esculturas visionárias, com as suas formas básicas e simplificadas e o seu aspecto aerodinâmico, procuram revelar verdades ocultas.
Afirmou que o artista deveria ser capaz de "escavar o ser que está dentro da matéria". Dedicou especial atenção aos seus meios de comunicação, sendo pioneiro no método de escultura directa.
Retrato fotográfico de Constantin Brâncusi, tirado por Edward Steichen em 1922; Edward Steichen, domínio público, via Wikimedia Commons
Trabalhando maioritariamente com pedra, mármore, bronze, madeiras e metal, refinava as suas esculturas finais durante dias para obter a ilusão de "sair do volume para uma realidade plena e sem falhas". A arte de Brancusi foi fortemente influenciada por contos, folclore e sociedades "primitivas", apesar da sua insistência no aspecto representacional do seu tema.
O beijo (1908)
| Ano de produção | 1908 |
| Médio | Bronze |
| Dimensões | 237 cm × 234 cm × 54 cm |
| Localização actual | Museu Barbara Hepworth |
Brancusi fez várias variações de O beijo A sua técnica abstracta enfatiza as linhas geométricas básicas que harmonizam as formas naturais dos seus recursos com as referências simbólicas da pintura representacional. A forma do bloco inicial de material é preservada aqui. Outra versão de O beijo está a adornar uma lápide no cemitério de Montparnasse.
Trata-se de uma estátua abstracta simbolista de dois amantes que se abraçam, um motivo representado em várias obras de arte com uma carga erótica.
Jean Arp (1886 - 1966)
| Nacionalidade | Alemão-Francês |
| Data de nascimento | 16 de Setembro de 1886 |
| Data do óbito | 7 de Junho de 1966 |
| Local de nascimento | Estrasburgo, França |
O estilo de Jean Arp foi identificado com o dadaísmo e o Movimento surrealista É conhecido pelos seus objectos biomórficos, feitos de gesso, bronze e pedra, mas também pintou, desenhou, fez colagens e escreveu poesia.
A sua arte baseava-se profundamente na natureza, mas continuava a ser não-representativa.
As suas criações mais abstractas, que incluem plantas ou seres humanos, aludem a aspectos biológicos. Limitou a participação da mente consciente, integrando a coincidência e o acaso como componentes importantes da sua abordagem criativa.
Considerado um dos escultores mais inventivos do século XX, os seus desenhos biomórficos influenciados pela natureza tiveram um grande impacto nas gerações seguintes de escultores. artistas abstractos.
Escultura para se perder na floresta (1932)
| Ano de produção | 1932 |
| Médio | Bronze |
| Dimensões | 90 mm × 222 mm × 154 mm |
| Localização actual | Tate Modern |
Arp criou um estilo de escultura biomórfica nas décadas de 1920 e 1930 que implicava uma ligação entre a invenção criativa e a criação natural. As formas do seu trabalho lembram pedras desgastadas pelo tempo, flores e outras substâncias naturais, como se pode ver em 'Sculpture to be Lost in the Forest'.
Realizou estas esculturas através de um método semi-automático de lixar a figura de gesso até ficar satisfeito com a forma.
"Para ligar a sua arte à natureza, colocou esculturas nas florestas perto da sua casa em Meudon, onde podem ser descobertas por transeuntes inadvertidos.
Naum Gabo (1890 - 1977)
| Nacionalidade | Russo |
| Data de nascimento | 5 de Agosto de 1890 |
| Data do óbito | 23 de Agosto de 1977 |
| Local de nascimento | Bryansk, Rússia |
Naum Gabo, um escultor russo, foi um dos precursores da Arte cinética Gabo e o seu irmão, Antoine Pevsner, afirmaram no Manifesto Realista de Construtivismo que a arte tinha um valor e um papel fora do Estado e que o conceito geométrico devia ser a base da escultura.
Fraccionou os sólidos em linhas interligadas, planos e formas geométricas, utilizando materiais translúcidos para representar volumes de espaço vazio.
Fotografia de Naum Gabo sentado na sua obra de arte Flor e abelha , tirada em 1957; Herbert Behrens (ANEFO) , CC0, via Wikimedia Commons
Escreveu que "o espaço e o tempo são as únicas estruturas em que a vida se baseia e, por isso, a arte deve ser produzida, uma vez que estes são os seus ingredientes essenciais. As suas criações abstractas eram geralmente feitas de vidro, metal e plástico.
A sua abordagem revolucionária da escultura e da linguagem visual é paralela à sociedade e à humanidade.
Construção no espaço (1939)
| Ano de produção | 1939 |
| Médio | Acetato de celulose |
| Dimensões | 220 × 270 × 180 mm |
| Localização actual | Tate Modern |
Durante o período de permanência de Naum Gabo em Londres, a partir de Março de 1936 e durante a eclosão da Segunda Guerra Mundial em Setembro de 1939, criou várias obras significativas em plástico, incluindo Construção no espaço Enquanto as esculturas anteriores de Gabo utilizavam uma variedade de componentes e tons, estes projectos eram feitos de plástico transparente.
Construction in Space foi a primeira peça composta inteiramente por planos translúcidos, e existiu como uma resposta formal requintada à questão a que Gabo se propôs 20 anos antes, de mostrar o interior dinâmico dos objectos.
Henry Moore (1898 - 1986)
| Nacionalidade | Inglês |
| Data de nascimento | 30 de Julho de 1898 |
| Data do óbito | 31 de Agosto de 1986 |
| Local de nascimento | Castleford, Reino Unido |
Henry Moore , amplamente considerado como o fundador da escultura britânica contemporânea, é sobretudo recordado pelas suas esculturas semi-abstractas de bronze gigantescas, que podem ser encontradas em todo o mundo como peças de arte públicas. O seu estilo foi influenciado pelos estilos pré-colombiano, clássico e Arte africana bem como o Surrealismo.
Moore foi também muito influenciado por modernistas de renome, como Arp, Picasso, Brancusi e Giacometti.
Fotografia de Henry Moore no seu estúdio em Inglaterra, tirada em 1973; Allan warren, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
A mãe e o filho, bem como a figura reclinada, eram temas comuns na sua obra. Cativado pela paisagem e pela natureza, utilizava formas abstractas para estabelecer semelhanças entre o corpo humano e o mundo.
Utilizando a técnica de escultura directa, concentrou-se sobretudo em materiais como a madeira e a pedra.
Três figuras de pé (1947)
| Ano de produção | 1947 |
| Médio | Pedra |
| Dimensões | 2.1m |
| Localização actual | Parque de Battersea |
A estátua abstracta é composta por três senhoras de pé, vestidas com roupas fluidas, duas das quais estão mais próximas umas das outras e são observadas pela terceira. Cada uma contém traços faciais básicos, como aberturas para os olhos. As figuras de Moore surgiram de uma série de esboços influenciados pelas suas experiências de indivíduos em abrigos anti-bombas subterrâneos durante a Segunda Guerra Mundial.
Pode ter sido inspirada no desenho de Moore de 1948 dos Três Destinos, que é semelhante às Três Graças. Em 1968, Moore comentou que a sua escultura era "como se as três senhoras estivessem ali à espera, antecipando algo que caísse do céu".
Três figuras de pé (1947) de Henry Moore, situada em Battersea Park, em Londres; Yair Haklai, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Louise Nevelson (1899 - 1988)
| Nacionalidade | americano |
| Data de nascimento | 13 de Setembro de 1899 |
| Data do óbito | 17 de Abril de 1988 |
| Local de nascimento | Pereiaslav, Ucrânia |
A obra de Louise Nevelson esteve ligada a diferentes estilos como o Cubismo, o Expressionismo Abstracto e o Surrealismo, sendo mais conhecida pelas suas esculturas abstractas em madeira do tamanho de uma sala. As suas enormes assemblages utilizavam um método motivado pela noção de readymades, em que utilizava artefactos de madeira abandonados obtidos em lixeiras urbanas.
Estes artefactos de madeira foram cuidadosamente colocados para criar novas narrativas, depois de terem sido escolhidos propositadamente pela sua capacidade evocativa de chamar à memória as formas da cidade, da natureza e dos corpos celestes.
Fotografia de Louise Nevelson, tirada por Lynn Gilbert em 1976; Lynn Gilbert, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Estas esculturas, na sua maioria monocromáticas e pretas, com incursões ocasionais no dourado e no branco, exprimiam a sua história pessoal de deslocação e auto-invenção. Nos seus últimos anos, fez experiências com materiais comerciais como o alumínio, o plexiglas e o aço.
Royal Tide 1 (1960)
| Ano de produção | 1932 |
| Médio | Bronze |
| Dimensões | 90 mm × 222 mm × 154 mm |
| Localização actual | Tate Modern |
O ouro cintilante que vai do chão ao tecto dá Royal Tide I a aparência de um luxuoso retábulo dourado, como se as abstracções da escultura estivessem alquimicamente encantadas na sua metamorfose de objecto do quotidiano em objecto de arte.
É de salientar que ela se referiu a Royal Tide I e obras comparáveis como o seu "período barroco", relacionando assim a sua escultura abstracta moderna com as obras luxuosas e opulentas da era barroca do século XVI.
Ao contrário das suas outras obras de formação livre, Nevelson colocou os vários componentes de Royal Tide I numa matriz de caixas de madeira de tamanho uniforme e impôs uma ordem coesa em toda a obra.
Barbara Hepworth (1903 - 1975)
| Nacionalidade | americano |
| Data de nascimento | 13 de Setembro de 1899 |
| Data do óbito | 17 de Abril de 1988 |
| Local de nascimento | Pereiaslav, Ucrânia |
Barbara Hepworth foi uma precursora da escultura abstracta, identificando-se como uma escultora de renome mundial numa época em que as mulheres escultoras eram pouco comuns. É conhecida pelas suas obras biomórficas esculpidas em pedra, inspiradas no seu amor precoce por estruturas e materiais orgânicos.
Integrou uma grande variedade de elementos físicos com uma consciência excepcional dos seus atributos, utilizando uma linguagem e conceitos esculturais sofisticados e multifacetados.
Reflecte a ligação entre dimensão e espaço, investigando a ausência e a presença na escultura. As suas peças abstractas apresentam frequentemente vazios internos que perturbam as texturas lisas da superfície.
Duas formas (1969)
| Ano de produção | 1969 |
| Médio | Bronze |
| Dimensões | 237 cm × 234 cm × 54 cm |
| Localização actual | Museu Barbara Hepworth |
Esta obra de arte escultórica abstracta é amplamente considerada como uma das peças mais reconhecidas no Reino Unido. A escultura foi construída apenas seis anos antes da morte de Hepworth num incêndio na sua oficina em St Ives, em 1975.
É constituída por dois semicírculos verticais em bronze que formam um círculo quebrado com cerca de dois metros de diâmetro, cada um deles perfurado por um enorme orifício. Ambas as peças estão soldadas a uma base em bronze.
Duas formas (1969) de Barbara Hepworth; Talmoryair, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Morris Singer fundiu os três componentes em Londres, e estão todos vazios. Em 1966, depois de lhe ter sido diagnosticado um cancro, Hepworth criou a obra de arte. "É possível atravessar o Círculo Dividido - não deveria ser necessário fazê-lo fisicamente para o sentir", disse ela, querendo que a fisicalidade do espectador estivesse envolvida na sua obra de arte.
Anthony Caro (1924 - 2013)
| Nacionalidade | Inglês |
| Data de nascimento | 8 de Março de 1924 |
| Data do óbito | 23 de Outubro de 2013 |
| Local de nascimento | New Maiden, Reino Unido |
Anthony Caro, uma figura importante da escultura moderna durante quase meio século, investigou todas as capacidades da abstracção tridimensional, produzindo criações enormes, grandiosas tanto na forma como no tamanho, utilizando uma variedade de materiais que vão da madeira às cordas.
Apesar de parte da sua obra obedecer a uma geometria precisa e lógica, as suas esculturas de assinatura transmitem um movimento lírico, uma aparente leveza, espontaneidade e serendipidade.
As suas esculturas abstractas em metal eram apresentadas sem pedestal, directamente no chão, ultrapassando os limites. A remoção do pedestal foi um movimento dramático na época, alterando a interacção entre a arte e o observador.
Uma manhã cedo (1962)
| Ano de produção | 1962 |
| Médio | Metal |
| Dimensões | 2,9 m x 6,2m x 3,35m |
| Localização actual | Galeria Tate |
Na década de 1950, Caro trabalhou como aprendiz de Henry Moore, mas o trabalho artístico de David Smith encorajou-o a afastar-se da arte semi-figurativa de Moore e a optar por peças mais abstractas criadas a partir de peças metálicas industriais.
Uma manhã cedo foi criado em casa de Caro, mas a obra maciça não podia ser totalmente observada na pequena sala, pelo que Caro e um amigo a desmontaram a altas horas da noite e a reconstruíram no exterior.
A primeira vez que Caro viu a escultura, na manhã seguinte, inspirou o seu nome. Inicialmente pintada de verde para juntar as diferentes peças numa só, Caro não ficou satisfeito com o resultado e a sua mulher, Sheila, propôs pintá-la de vermelho.
Sol LeWitt (1928 - 2007)
| Nacionalidade | americano |
| Data de nascimento | 9 de Setembro de 1928 |
| Data do óbito | 8 de Abril de 2007 |
| Local de nascimento | Connecticut, EUA |
Sol LeWitt, um pioneiro em ambos os Minimalismo e arte filosófica, era mais conhecido pelas suas esculturas geométricas abstractas, embora também tenha criado desenhos de parede, construções, pinturas e obras conceptuais.
Estabelecendo um estilo radical único de arte na década de 1960, LeWitt considerava que a parte mais significativa da obra é a ideia ou o conceito.
Utilizava desenhos simples aplicados às suas próprias fórmulas que se aproximavam de equações matemáticas, enfatizando conceitos e processos e reduzindo a criação de arte à sua essência. Muitas vezes, dava instruções vagas aos seus aprendizes ou ajudantes para a realização da peça de arte que tinha previamente imaginado.
Isto porque LeWitt acreditava que o produto final não devia ser inteiramente controlado pelo artista, o que questionava noções fundamentais sobre arte.
Pirâmide de quatro lados (1999)
| Ano de produção | 1999 |
| Médio | Blocos de betão e argamassa |
| Dimensões | 458 cm x 1012 cm x 970 cm |
| Localização actual | Jardim de Esculturas da Galeria Nacional de Arte, Washington D.C. |
Sol LeWitt esteve na vanguarda da arte conceptual e minimalista durante mais de cinco décadas, começando no início dos anos 60. As estruturas (nome que preferia às esculturas) de Sol LeWitt são frequentemente feitas de formas modulares e quase arquitectónicas.
Como em muitas das suas obras, LeWitt concebeu um plano e uma série de passos a serem executados por outros para a Pirâmide de quatro lados .
Pirâmide de quatro lados (1999) de Sol LeWitt, localizada no Jardim de Esculturas da Galeria Nacional de Arte em Washington D.C; David de Washington, DC, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Um grupo de pedreiros e engenheiros trabalhou com o artista para construir a Pirâmide de Quatro Lados neste local. A pirâmide em camadas, que LeWitt utilizou originalmente na década de 1960, refere-se à abolição em 1961 das regras de recuo do início do século XX para os edifícios da cidade de Nova Iorque. A estrutura geométrica da Pirâmide de quatro lados também se relaciona com os antigos zigurates da Mesopotâmia.
Concluímos assim a nossa análise da história e dos escultores famosos da escultura abstracta. Analisámos alguns dos melhores exemplos de esculturas abstractas famosas e os fantásticos escultores que as criaram. Desde esculturas abstractas em madeira a estátuas abstractas em metal maciço, estes exemplos de arte de escultura abstracta testaram os limites do que a escultura pode representar.
Perguntas mais frequentes
O que é a arte de escultura abstracta?
A escultura abstracta surgiu como resultado do toque pesado da industrialização e de um número cada vez maior de escultores que se distanciaram de uma compreensão tradicional da escultura. Sem um forte desejo de desafiar a tradição, Auguste Rodin é frequentemente considerado o pai da escultura contemporânea. Rodin eliminou os contornos ásperos da produção tradicional em 3D para dar lugar às suas gigantescasesculturas no século XIX moderno que se aproxima.
O que influenciou a arte da escultura abstracta?
A ideia de que as estátuas abstractas podiam ser feitas como objectos de montagem e de que os escultores famosos não tinham de se basear na utilização tradicional do mármore ou da madeira foi adoptada pelo Dadaísmo, pelo Expressionismo Abstracto, pelo Surrealismo e pelo Minimalismo. Cada um dos movimentos acima mencionados acrescentou outra característica significativa à frase cada vez mais global da escultura abstracta. O Cubismo deu à arte uma nova perspectivaA escultura cinética evoluiu a partir deste ponto de vista, trazendo consigo uma visão completamente distinta da noção de massa e da sua decomposição através das forças subtis da luz e do movimento.