- Antigo Mestre Hokusai
- O estilo de pintura de Katsushika Hokusai
- Obras de arte de Hokusai
- Arte moderna
- "O Velho Louco por Pintar"
- Perguntas mais frequentes
K atsushika Hokusai é frequentemente considerado o artista japonês mais famoso do mundo. As suas gravuras foram procuradas durante toda a sua vida até aos dias de hoje. Sem a imaginação ousada e a ética de trabalho dedicada de Hokusai, talvez nunca tivéssemos recebido algumas das maiores obras-primas da arte moderna.
Antigo Mestre Hokusai
Gravura em madeira de Katsushika Hokusai O Grande Onda de Kanagawa (1830) teve um enorme impacto na cultura pop e na história da arte. As suas actividades artísticas incluíam a ilustração de livros e a pintura. Nos tempos do infame Período Edo, Hokusai produziu cerca de 30 000 obras de arte. As suas gravuras ukiyo-e apresentavam uma representação do mundo que era uma mistura ousada e abstracta de imagens ocidentais e Arte japonesa .
| Data de nascimento | 31 de Outubro de 1760 |
| Data do óbito | 10 de Maio de 1849 |
| Local de nascimento | Edo, Japão |
| Associado Movimentos artísticos | Período Edo, Ukiyo-e |
| Género / Estilo | Desenho, Pintura, Gravura Xilogravura |
| Meios utilizados | Xilogravura |
| Temas dominantes | Cenas urbanas, natureza, mitologia, folclore, trabalhadores, erotismo |
Uma biografia de Katsushika Hokusai
Katsushika Hokusai, cujo nome de infância era Tokitarō, nasceu em 1760, há cerca de 300 anos. Em meados do século XVIII, a então capital do Japão, Edo, actualmente denominada Tóquio, vivia no auge do Período Edo. Viveu a maior parte da sua vida numa zona central da cidade, na margem leste do rio Simiyula. A sua família biológica vivia nos bairros operários de Edo, mas ele foi adoptado pelos seustio Nakajima Ise, que era o fabricante oficial de espelhos do xógum.
Na época, a adopção de crianças do sexo masculino era uma estratégia comum para reforçar a linhagem e a posição social.
A sua proximidade com a corte real proporcionou a Hokusai uma excelente educação e foi bem colocado para uma carreira nas artes. Em criança, desenvolveu um interesse pelo desenho e, aos seis anos, já usava aguarela.
Retrato de Katsushika Hokusai por Keisai Eisen, antes de 1848; Keisai Eisen, Domínio público, via Wikimedia Commons
Hokusai aprendeu a pintar molduras decorativas para espelhos, na expectativa de vir a integrar o negócio da família. Quando era adolescente, tornou-se aprendiz de um gravador, altura em que decidiu que queria ser artista. Mas os seus esforços artísticos continuaram a reflectir o seu interesse por espelhos, microscópios e telescópios.
Hokusai foi criado como budista, o que fez com que a divindade fosse incrivelmente importante para ele. Mais tarde na vida, baptizou-se Hokusai em honra da deusa Myoken, que significa Estrela do Norte. A única luz estacionária nos céus, que o artista via como uma fonte de força espiritual. Uma das suas primeiras obras foi uma oferenda para o templo de Myoken.
Apesar da sua vida profissional bem sucedida, a meia-idade de Hokusai deu origem a uma longa série de acontecimentos infelizes.
A sua primeira mulher, com quem teve três filhos, morreu na década de 1790. Aos 50 anos, foi literalmente atingido por um raio que o obrigou a reaprender a sua arte. Voltou a casar e teve mais três filhos, mas em 1828 a sua segunda mulher também morreu. Dois dos seus filhos também faleceram. Depois, foi obrigado a utilizar as poupanças de uma vida inteira para pagar as dívidas de jogo do seu neto.
Auto-retrato de um homem idoso (1839) de Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
Hokusai acabou por perder a sua casa e teve de se mudar para um templo, onde viveu durante muitos anos com a sua filha, que também era artista. Mas, em 1839, os seus alojamentos foram queimados num incêndio na vizinhança. Hokusai e a sua filha escaparam da casa através de uma janela, apenas com os seus pincéis. Diz-se que milhares das suas obras se perderam no incêndio.
Felizmente, Hokusai era famoso durante a sua vida e o facto de a impressão ser acessível significava que a maioria das pessoas podia comprar a sua obra, o que ajudou a facilitar a sobrevivência de Hokusai durante os contínuos períodos de pobreza e dificuldades.
Os artistas japoneses eram conhecidos por mudarem os seus nomes quando o seu estilo mudava ou quando mudavam de posição social.
Ukiyo-e (1615 - 1905)
O Período Edo, também conhecido como Período Tokugawa, teve início em 1603, quando um Shogun de alto nível, chamado Tokugawa, fundou uma dinastia que duraria mais de 200 anos. O Shogun Tokugawa manteve um controlo apertado sobre o Japão. Em 1639, o Shogun fechou as fronteiras do Japão, isolando o país do mundo exterior. Os estrangeiros foram expulsos, o cristianismo foi proibido e a imigração ou emigração era punida com a morte.O comércio com a China e os holandeses, que não tinham sido tão agressivos com o cristianismo, era limitado.
Até ao seu colapso na década de 1860, o Período Edo foi próspero para o Japão. Muitas indústrias floresceram e, nestas condições, formou-se uma arte essencialmente japonesa. Por volta de 1680, os editores de livros começaram a fazer impressões gráficas de uma só folha que vieram a ser conhecidas como Ukiyo-e .
O termo Ukiyo-e significa "imagens do mundo flutuante", incluindo pinturas, livros e gravuras, e é um trocadilho com um termo budista que significa "mundo triste".
Andorinha e picanço sobre morangos e begónias (c. 1834) de Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
Havia muitos estilos diferentes de pintura no período Edo, dos quais o Mundo Flutuante era um deles. As imagens do "Mundo Flutuante" foram inspiradas na vida quotidiana das celebridades e dos cidadãos de Edo nos séculos XVII e XVIII.
Na altura em que a baixa de Edo servia de corte ao Shogun, atraindo nobres e samurais de todo o Japão, os temas destes artistas incluíam actores, lutadores de sumo, gueixas, cortesãs e cenas eróticas, que enchiam os teatros kabuki e os bairros de bordéis na periferia norte da cidade de Edo.
O aumento do comércio criou um ambiente de devassidão que deve ter parecido algo efémero, daí o termo "Mundo Flutuante".
O fino véu de modéstia proporcionado pelo termo cortesã no contexto ocidental implica um nível de imoralidade. Mas no período Edo, não havia nada de vergonhoso no trabalho sexual. Era legal e extremamente popular. À medida que o Ukiyo-e se desenvolvia no bairro da Luz Vermelha de Edo, ostentava uma saudável mistura de gravuras explícitas e não explícitas.
C ourtesan a limpar a orelha de um guerreiro (c. 1798-1810) de Katsushika Hokusai; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
As xilogravuras de colecção tornaram-se uma sensação, tal como as actuais cartas de troca. Havia uma procura constante de novas gravuras para coleccionar. Embora impressas à mão, a produção em massa tornava-as altamente lucrativas para os editores. Devido à produção em massa, eram consideradas de baixo prestígio social, ao passo que a pintura tradicional continuava a ter prestígio.
Ainda assim, o Ukiyo-e tornou a arte compreensível e acessível a todas as classes, uma vez que estas gravuras podiam ser compradas pelo preço de uma tigela de massa.
A estética Ukiyo-e diferia em vários aspectos da arte ocidental. O primeiro era a perspectiva. As cores vibrantes do Ukiyo-e contrastavam com a gama interminável de cinzentos e castanhos que caracterizavam a arte ocidental da época. O Período Edo também se destacava pela utilização única de formas e feitios. Os artistas não se esforçavam pelo realismo, mas favoreciam desenhos estruturados que enfatizavam a atmosfera eenergia.
Início da carreira
Quando Hokusai nasceu, em 1760, o movimento já existia há mais de cem anos. No entanto, ele nasceu numa época de grandes mudanças. Em meados do século XVIII, Edo tinha-se tornado a maior cidade do mundo, com um milhão de habitantes, e tinha-se tornado uma sociedade de consumo sofisticada.
Apesar de terem sido considerados os mercadores da classe social mais baixa, a cidade subiu na hierarquia à medida que a economia se expandia, podendo pagar educação, viagens, livros e arte.
Aos 14 anos, foi aprendiz de um cortador de xilogravuras, aprendendo assim este importante aspecto da produção do Ukiyo-e. Começava com um editor que encomendava uma imagem ao artista que fazia um desenho em papel fino. Depois, o desenho original era invertido, colado ao bloco e esfregado com um instrumento chamado baren.
Em seguida, o escultor retirava a maior parte do papel ainda húmido devido à humidade da cola, deixando as linhas da imagem original na superfície do bloco de madeira. A linha do pincel era então esculpida na madeira. O desenho original era destruído no processo, pelo que os escultores tinham de possuir uma enorme habilidade e precisão para o imitar.
Em 1778, quando Hokusai tinha 18 anos de idade, começou a estudar com o mestre gravurista Katsukawa Shunshō, que foi influente na escola de arte popular Mundo Flutuante, produzindo milhares de xilogravuras coloridas das estrelas do kabuki da época.
Um ano após o início dos seus estudos, Hokusai publicou a primeira série das suas próprias gravuras Ukiyo-e, retratando actores de kabuki. Estas primeiras gravuras correspondem ao estilo de Katsukawa. A arte inicial de Hokusai foi feita sob o nome Shunrō, que lhe foi dado pelo seu mestre.
Ichikawa Ebizō como o Santo Monkaku disfarçado de bandido (1791) de Katsushika Hokusai. Trata-se de uma gravura de um actor kabuki, assinada "Shunrō"; Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
O mentor de Hokusai, Shunshō, morreu em 1793 e o seu sucessor, Shunkō, dispensou Hokusai das suas funções no estúdio. Este contratempo provocou um avanço no percurso artístico de Hokusai. Agora que já não estava ocupado a desenhar quadros repetitivos de cortesãs e celebridades, pôde expandir o seu tema.
Concentrou-se na natureza e na vida quotidiana dos japoneses comuns.
Manga
Hokusai começou a usar o nome que lhe conhecemos por volta de 1800. Hokusai significa "estúdio do norte", uma referência à Estrela Polar, uma importante divindade do Budismo Nichiren. De 1804 a 1815, ilustrou os populares romances de Takizawa Bakin.
O seu sucesso multiplicou-se em 1811, quando começou a viajar e a fazer desenhos aleatórios das suas observações. Ao visitar um amigo e colega em Megoria, um editor viu os seus desenhos e sugeriu-lhe que os compilasse e publicasse um livro.
O título do livro Hokusai Manga O significado de "manga" na época de Hokusai significava desenhos ou esboços aleatórios ou informais. Embora não tenha um enredo, a experiência de Hokusai na ilustração de romances influenciou a sua manga.
P idade retirada da obra de Katsushika Hokusai Hokusai Manga vol. 8: Técnicas de defesa pessoal (c. 1817); Katsushika Hokusai (1760-1849), carregador original Nataraja, Domínio público, via Wikimedia Commons
O primeiro da série Hokusai Manga foi Lições rápidas de desenho simplificado (1812). Os livros ilustrados impressos em xilogravura incluíam muitos modelos para as pessoas copiarem como treino. As imagens incluem paisagens, arquitectura, trabalhadores, animais e personagens de ficção.
O livro tem uma secção inteira de imagens de vários tipos de peixes, lindamente desenhadas e etiquetadas.
Na mesma altura, publicou também Kinoe no Komatsu um livro de imagens eróticas muito popular, o famoso Sonho da mulher do pescador (1814) retratava uma mulher em êxtase sexual com um casal de polvos.
Sonho da mulher do pescador (1814) de Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
Publicados mais ou menos na mesma altura, estes livros foram muito populares e extremamente influentes. Manga de Hokusai Hokusai publicou 12 volumes de Manga perdida de Hokusai durante a sua vida, foram publicados mais três após a sua morte.
O estilo de pintura de Katsushika Hokusai
Hokusai trabalhou durante algum tempo com a perspectiva europeia, mas os ensinamentos que adquiriu durante a sua meia-idade começaram a manifestar-se nos seus últimos anos. Trinta e seis vistas do Monte Fuji (c. 1829-1832), combinou um estilo nitidamente japonês com um estilo nitidamente ocidental, levando as suas técnicas recém-descobertas à sua melhor resolução.
Envelope pictórico para a obra de Katsushika Hokusai 36 vistas do Monte Fuji série, 1890; Katsushika, Hokusai, 1760-1849, Domínio público, via Wikimedia Commons
Perspectiva
Estilos de pintura tradicionais como o Yamato-e, que precedeu o Ukiyo-e, adoptaram a perspectiva tradicional japonesa dos telhados ausentes. A perspectiva clássica asiática retratava as coisas mais acima para mostrar que estavam à distância. Os artistas ocidentais controlavam o ponto de vista do observador, enquanto os pintores de paisagens japoneses não ofereciam um ponto de acesso marcado.
O tempo também era determinado na arte ocidental, mas a arte japonesa tinha um sentido de tempo mais fluido, que incluía múltiplas dimensões.
Os mercadores holandeses tinham direito a dois navios comerciais por ano, o que constituía praticamente a única ligação directa entre Edo e a Europa. Desde que não contivessem vestígios de cristianismo, os livros e imagens ocidentais eram aceites em Edo.
Uma gravura Yamato-e chamada Lendas ilustradas do Santuário Kitano (1219) de um artista desconhecido; Artista desconhecido Artista desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons
Os japoneses já conheciam o ponto de fuga desde a década de 1740, mas a sua chegada não foi exaltada como na Europa renascentista. Em vez disso, os japoneses viam-no como uma novidade. ilusão de óptica para cenários e brinquedos.
As imagens de baixo calão do Ukiyo-e ganharam uma perspectiva europeia na década de 1780.
No início do século XIX, Hokusai respondeu à elevada procura destes quadros de perspectiva com uma série de pequenas gravuras que exploravam as perspectivas ocidentais. A arte de Hokusai retratava Edo através de uma lente holandesa, imitando simultaneamente as sombras, a profundidade e a perspectiva linear características da arte europeia e violando-as para incorporar o sistema asiático clássico.
Azul da Prússia
Durante o período Edo, os japoneses eram auto-suficientes, mas apreciavam produtos exóticos. Um novo pigmento teria sido muito interessante para os artistas japoneses. Em 1829, um desses azuis sintéticos foi inventado na Alemanha. Os japoneses chamaram-lhe azul de Berlim, mas nós conhecemo-lo como azul da Prússia.
Foi inicialmente importado para o Japão por comerciantes holandeses mas, no final da década de 1820, os chineses começaram também a importá-lo, tornando-o muito mais acessível, o que tornou possível a utilização do azul da Prússia nas gravuras Ukiyo-e.
Tríptico a cores, impresso em xilogravura, representando um grupo de cortesãs do bairro de Shin-Yoshiwara a tocar música no piso superior de um restaurante com vista para o rio Sumida; Nanabito a tocar koto e Sugatano a tocar kokyu, acompanhadas por prostitutas de menor categoria e aprendizes. Com azul da Prússia e um pouco de vermelho nos lábios. Desenho de Keisai Eise e impressão de Tsutaya Kichizo, c. 1830; Museu Britânico, domínio público, via Wikimedia Commons
Em comparação com os azuis anteriores, o azul da Prússia tinha uma maior gama de tons, mas o pigmento era especialmente popular porque não se desvanecia como os azuis anteriores. As gravuras Ukiyo-e anteriores raramente utilizavam o azul porque os azuis anteriores desvaneciam-se, por vezes, no espaço de semanas.
A mudança drástica na cor foi o resultado de os artistas Ukiyo-e terem podido explorar pela primeira vez, pintando o céu, as montanhas e a água com uma cor azul melhorada.
Os holandeses, conscientes do carácter inovador de Hokusai, encomendaram-lhe uma série de pinturas de cenas típicas do Japão, em 1822, quando Hokusai já tinha 60 anos, e executou-as com o seu estilo híbrido de japonês e europeu e o azul recém-descoberto.
Obras de arte de Hokusai
Embora as gravuras de paisagens ainda não fossem tão lucrativas como as gravuras kubuki Ukiyo-e no final do século XVIII, as vendas aumentariam em resultado do aumento das viagens domésticas no Japão. Os comerciantes, peregrinos e pessoas em busca de prazer que visitavam o Monte Fuji criaram a necessidade de um novo género de recordações sob a forma de gravuras em xilogravura da arte das montanhas japonesas. As obras de Hokusai ofereciam uma nova janelaem paisagens e pessoas japonesas.
Auto-retrato aos oitenta e três anos (1843) de Katsushika Hokusai; Domínio público, Ligação
Trinta e seis vistas do Monte Fuji (c. 1829-1832)
Sob o seu novo pseudónimo Iitsu, Hokusai foi contratado para Trinta e seis vistas do Monte Fuji (As primeiras cinco gravuras da série foram impressas quase inteiramente em tons de azul da Prússia, incluindo um pouco de índigo. Tudo, incluindo os contornos que eram normalmente impressos a preto, foi transformado em azul.
O Monte Fuji é o pico mais alto da ilha japonesa, embora não seja uma montanha, mas sim um vulcão activo. Durante muito tempo foi considerado uma divindade, com mais de 800 santuários que lhe eram dedicados, sendo também um local de peregrinação religiosa. Acreditava-se que o monte era uma fonte de imortalidade e um assento para os deuses.
Representou estabilidade e força para o Japão, que ainda estava enredado na sua própria cultura e tornou central a arte das montanhas japonesas.
Envelope pictórico para a obra de Katsushika Hokusai 36 vistas do Monte Fuji série, 1890; Katsushika, Hokusai, 1760-1849, Domínio público, via Wikimedia Commons
Na série idílica de gravuras em bloco intitulada Trinta e seis vistas do Monte Fuji Ao longo de 36 paisagens, o Monte Fuji aparece por entre as nuvens, por cima da cidade e no horizonte.
Hokusai colocaria tudo o que aprendeu sobre estilo, cor e perspectiva nas últimas seis décadas nas suas "Trinta e seis vistas do Monte Fuji".
Hokusai estava interessado na relação entre a actividade humana e a montanha. Retratou pessoas na paisagem, a viajar, a levar com os chapéus do vento ou a trabalhar a terra. Numa das cenas, os viajantes são apanhados por uma trovoada. Um relâmpago na parte de trás do quadro provoca um efeito de luz estroboscópica no céu escuro e trovejante.
Tempestade de chuva sob o cume (1830) de Katsushika Hokusai, número 32 da série Trinta e seis vistas do Monte Fuji ; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
A Grande Onda (1830)
| Nome | Sob a onda ao largo de Kanagawa |
| Ano | 1830 |
| Tamanho | 25 cm x 37 cm |
| Médio | Impressão xilográfica |
1830 Hokusai começou a fazer aquela que viria a ser a sua imagem mais famosa quando tinha mais de 70 anos de idade. O Grande onda ao largo da costa de Kanagawa (1830) tem, na verdade, o título de Sob a onda ao largo de Kanagawa embora as pessoas geralmente lhe chamem O Grande Onda A impressão xilográfica a cores O Grande Onda As impressões em tamanho de cartaz, produzidas em massa, eram económicas e acessíveis, graças à forma de arte democrática do Ukiyo-e.
Esta gravura é vista como uma imagem essencialmente japonesa, mas é um híbrido de estilos japoneses e europeus. Hokusai dispôs o quadro de modo a que o Monte Fuji, que se encontra no centro da composição e é o ponto mais alto do Japão, apareça diminuído pela enorme onda em primeiro plano.
A utilização do então novo azul da Prússia por Hokusai capta a luminosidade do mar com uma harmonia de contrastes. Há um movimento dinâmico das figuras em forma de garra da onda, que ocupa dois terços da imagem. O Grande Onda desce sobre a montanha como a neve que cai sobre o pico do Monte Fuji, que permanece coberto durante todo o ano.
A grande onda ao largo da costa de Kanagawa (1830-1832) de Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
O Grande Onda Capta um momento destilado quando esta onda está prestes a abater-se sobre os três frágeis barcos que se encontram por baixo. Atirados pelas ondas, os três barcos de entrega rápida estão a tentar entregar uma captura de peixe vivo de uma frota de pesca aos mercados de Edo.
No estilo típico de Hokusai, retrata trabalhadores heróicos e humaniza-os através do seu encontro com a natureza e da incerteza de conseguirem chegar a terra.
As suas tentativas anteriores de ondas como Barco de carga a passar pelas ondas (1805), que mostra uma grande onda prestes a atingir um barco, e outra gravura, Primavera em Enoshima (As suas ondas anteriores, de décadas antes, não eram efectivamente registadas como água.
TOP: Barco de carga a passar pelas ondas (1805) de Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons Primavera em Enoshima (1797) de Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
Kanagawa, a sul de Edo, mostra uma distância do Monte Fuji que dá um toque de pavor. Embora o Japão permanecesse isolado, o medo de uma invasão por mar era palpável. O resto do mundo estava a industrializar-se e os japoneses estavam preocupados com incursões estrangeiras. O oceano que tinha protegido o isolamento pacífico do Japão durante dois séculos estava a tornar-se a sua ruína.
A "Grande Onda" de Hokusai resume o medo do Japão de um futuro incerto.
Fuji vermelho (c. 1830)
| Nome | Fuji vermelho |
| Ano | c. 1830 |
| Tamanho | 25,4 x 36,5 cm |
| Médio | Impressão xilográfica |
Bom vento, manhã clara é mais conhecido como Fuji vermelho (1830). Nas primeiras impressões de Hokusai, o vermelho é bastante claro, quase desbotado. No entanto, o contorno azul na borda da montanha revela que essa coloração não foi acidental. A tonalidade mais matizada de vermelho era mais difícil de imprimir por várias razões e os editores começaram a cortar nos custos, o que levou à implementação do vermelho brilhante Fuji vermelho .
Vento fino, manhã clara (Fuji vermelho) (c. 1830) de Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
O vermelho claro original revelava a qualidade da luz mesmo antes do amanhecer. O vermelho vivo desta gravura popular é elogiado pelo seu desenho monumental e abstracto. Mas a subtileza está a ser desperdiçada. As árvores triangulares da floresta da montanha parecem ter sido impressas a partir de três blocos diferentes. Trazem profundidade através dos vários tons de verde em que foram impressas.
Curiosamente, a gravura mais importante de Hokusai no Japão não é "A Grande Onda", mas sim "O Fuji Vermelho". Uma vez que o Monte Fuji é uma parte importante da identidade nacional japonesa, a arte das montanhas japonesas era popular. Os japoneses não queriam o Fuji à distância, mas sim de perto, em toda a sua glória.
Arte moderna
Em 8 de Julho de 1853, o isolamento auto-imposto do Japão chegou ao fim quando navios armados entraram sem convite no porto de Tóquio, em nome do governo dos Estados Unidos, exigindo que os japoneses começassem a negociar com eles. A arte japonesa, que se tinha desenvolvido de forma independente durante mais de dois séculos, foi finalmente revelada ao resto do mundo.
Uma das razões pelas quais a arte japonesa foi a primeira forma de arte não ocidental a ser "descoberta" pelo Ocidente foi o facto de ser parcialmente ocidental. As imagens tinham a sua própria estética, mas pareciam bastante familiares ao público ocidental.
Os franceses tornaram-se fãs das gravuras japonesas no século XIX e este frenesim pela arte japonesa ficou conhecido como Japonismo A obsessão pelas obras de arte de Hokusai e de outros artistas japoneses famosos, como Kitagawa Utamoro, Utagawa Hiroshige e Utagawa Kuniyoshi, influenciou a arte moderna europeia.
Vincent van Gogh produziria Noite estrelada (Numa carta, van Gogh escreveu: "Toda a minha arte é, em certa medida, influenciada pelo Japão." Monet está entre os muitos artistas que expressaram admiração pela arte japonesa. Monet possuía 23 gravuras de artistas japoneses. Na obra de Manet Retrato de Zola (1867-1868), vê-se a gravura de Utagawa Kuniaki II Omaruto Nadaemon, lutador de sumô da província de Awa (1860) claramente em segundo plano.
Retrato de Emile Zola (1868) de Édouard Manet; Édouard Manet, Domínio público, via Wikimedia Commons
A influência japonesa está presente em A Onda (1888), de Paul Gaugin, La Japonaise (1876), de Claude Monet, Madame Camus (1869-1870), de Edgar Degas, Retrato Póstumo de Ria Munk III (1917-1918), de Gustav Klint, Caprice in Purple and Gold: The Golden Screen (1864), de James Abbott McNeill Whistler, Mulher a Banhar-se (1890-1891), Inverno (1896), de Alphonse Mucha, e Mulher emVestido axadrezado (1890-1891).
Apesar de as gravuras japonesas terem inspirado os artistas modernistas, foi o modernismo que acabou por pôr fim à xilogravura japonesa, que persistiu após a chegada dos métodos de impressão ocidentais ao Japão, sobrevivendo até cerca de 1905, altura em que as gravuras em xilogravura acabaram por dar lugar a novos meios, como a litografia e a fotografia.
No entanto, na década de 1910, as gravuras Ukiyo-e foram de certa forma reavivadas como uma forma de arte clássica.
"O Velho Louco por Pintar"
Em 1834, Hokusai começou a chamar a si próprio Gakyō Rōjin, que significa "o velho louco por pintar". Hokusai produziu alguns dos seus melhores trabalhos nas últimas décadas. Trinta e seis vistas do Monte Fuji Como ele próprio disse: "Até aos 70 anos, nada do que desenhava era digno de nota. Aos 73 anos, era incapaz de compreender o crescimento das plantas, das árvores e a estrutura das aves, dos animais, dos insectos e dos peixes".
Cabeça de um homem idoso (início da década de 1840) de Katsushika Hokusai; Domínio público, Ligação
Hokusai mudou-se para Obuse quando tinha 83 anos e as suas excentricidades expandiram-se. Trabalhava de madrugada até depois do anoitecer, dedicando a sua vida à arte. Começava o dia com um exorcismo que consistia em pintar um leão chinês num pedaço de papel e depois atirá-lo pela janela para afastar os maus espíritos. Deixou de limpar e deixava o seu estúdio apodrecer com sujidade e desarrumação e, quando se tornava insuportável, faziasimplesmente, que se diz ter feito 93 vezes.
As pinturas, esboços e gravuras de Hokusai ultrapassam as dezenas de milhares.
Aos 88 anos, começou a concentrar-se na pintura, assinando as suas obras com o carácter 100 e um selo vermelho como talismã para a vida imortal. Estava convencido de que viveria até aos 110 anos, que imaginava ser o seu auge artístico. Escreveu "se o céu me der mais cinco anos de vida, então tornar-me-ei um verdadeiro artista".
Dragão a voar sobre o Monte Fuji (1849) de Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Domínio público, via Wikimedia Commons
O último dos quadros de Hokusai, Dragão a voar sobre o Monte Fuji (1849), foi o seu verdadeiro apogeu. Apesar de ter pintado dragões durante décadas, parece ter finalmente conseguido fazê-lo nos seus 90 anos. A imagem sintetizou as lições da sua longa carreira. Ao usar o tom do papel como destaque, não deu a si próprio qualquer margem para erros. O seu simplificado Monte Fuji é montado por um dragão à deriva que ascende aos céus. Parece um auto-retrato. Como se ele fossedando o seu último adeus ao espectador.
Na inscrição, Hokusai escreveu: "...nasci num ano de dragão, estou a pintar isto num dia de dragão no meu 90º ano". A biografia de Katsushika Hokusai terminaria nesse ano, o que prova que continuou a experimentar e a produzir até ao dia da sua morte. A sua lápide ostentava o seu pseudónimo final Gakyō Rōjin, o "Velho Louco por Pintar".
Perguntas mais frequentes
Quantas impressões existem Trinta e seis vistas do Monte Fuji ?
Esta é uma pergunta com rasteira, porque a série foi tão popular que Hokusai acabou por fazer mais 10, pelo que, na verdade, são 46 no total, Trinta e seis vistas do Monte Fuji foi tão bem-sucedido que levou à comissão de As 100 vistas do Monte Fuji .
Hokusai era também um artista performativo?
Sim. Era conhecido por impressionar o público com espectáculos de rua durante os quais pintava imagens enormes com centenas de metros de comprimento, utilizando baldes de tinta e uma vassoura. Também divertiu a corte real dos Tokugawa shōgun quando pintou uma grande curva azul e depois mergulhou os pés de uma galinha em pigmento vermelho e a perseguiu através da tela.
Hokusai trabalhava sozinho?
Não. Os artistas apenas desenhavam a imagem inicial e não estavam envolvidos no processo de impressão. Primeiro, o editor encomendava a obra, depois o artista, depois o cortador de blocos e o impressor. Tendo em conta o facto de também ter tido seguidores, discípulos e alunos, Hokusai trabalhou provavelmente com uma equipa dedicada de artesãos qualificados.
Hokusai fez erotismo?
Sim. Uma das gravuras mais conhecidas de Hokusai retrata uma mulher a ter relações sexuais com um polvo.
É possível saber quantos blocos foram usados olhando para uma gravura de Hokusai?
Pode ser difícil, mas normalmente, se conseguir distinguir o número de cores, isso é uma indicação de quantos blocos foram utilizados. Os impressores arriscavam-se muitas vezes a utilizar o mesmo bloco se não houvesse a possibilidade de as duas cores se misturarem. Também utilizavam a gradação e a estratificação, o que pode dificultar a determinação do número de blocos utilizados.