As obras de arte A rt Nouveau fizeram parte de um movimento global revolucionário de arte contemporânea que foi popular entre 1890 e a Primeira Guerra Mundial. Surgiu em resposta à estética do século XIX, influenciada pela ideologia em princípio e pelo neoclassicismo especificamente, e promoveu o conceito de arte visual como uma parte normal da vida. Os artistas já não deviam ignorar qualquer objecto comum, por mais utilitário que fosseEsta abordagem foi considerada altamente revolucionária e inovadora, daí o seu nome significar novos estilos Art Nouveau.
Características da Arte Nova
A Arte Nova é normalmente vista como um "estilo" em vez de uma ideologia: no entanto, foi inspirada por conceitos únicos em vez de aspirações meramente imaginativas. Todos os maiores criadores fiáveis da Arte Nova partilhavam o compromisso de ir mais longe do que os limites do neoclassicismo - que exagerava a consideração pelos conceitos de história que caracterizam a maioria dos estilos do século XIX: queriamum novo estilo visual numa avaliação crua do objectivo e uma investigação atenta do mundo orgânico.
As características da Arte Nova são difíceis de identificar, embora os seguintes aspectos sejam diferenciadores.
O conceito de Arte Nova defendia a aplicação de desenhos estéticos a bens comuns, a fim de tornar as coisas atractivas acessíveis a todos. Nada era demasiado mundano para ser "embelezado". Essencialmente, a Arte Nova não via qualquer distinção entre belas-artes (pinturas e esculturas) e arte prática ou fina (cerâmica e outras coisas práticas, como mobiliário).
A estética foi uma resposta a um mundo artístico caracterizado pela simetria rígida dos desenhos neoclássicos. A Maison de l'Art Nouveau era uma galeria de arte em França que foi um famoso ponto de venda da Arte Nova francesa e de onde o movimento adoptou o seu nome.
A entrada da Maison de l'Art Nouveau, 22 rue de Provence em Paris, 1895; Édouard Pourchet (1848-1907), Domínio público, via Wikimedia Commons
Quadros famosos de Arte Nova
Para compreender melhor as características da Arte Nova, podemos explorar algumas das pinturas Arte Nova mais conhecidas. Esta lista incluirá alguns exemplos notáveis de retratos Arte Nova, bem como nos apresentará uma ou duas mulheres Arte Nova notáveis, tanto como modelo como pintora. Estas peças representam a variedade e a magnificência dos vários estilos Arte Nova.
Igrejas da cidade de Wren (1883) por Arthur Heygate Mackmurdo
| Data de conclusão | 1883 |
| Médio | Xilogravura sobre papel feito à mão |
| Dimensões | 29 cm x 23 cm |
| Actualmente localizado | Museu de Arte de Dallas |
Wren's City Churches, de Arthur Heygate Mackmurdo, demonstra o impacto do estilo inglês nos estilos Art Nouveau na Europa. A página de rosto apresenta interacções intrincadas de espaço negativo e positivo, padrões gráficos e padrões abstractos derivados do desenvolvimento biológico das plantas. Embora existam exemplos esporádicos de padrões ingleses proto-Art Nouveau na história da Art Nouveau, a obra de MackmurdoAs ideias para mobiliário, tapeçarias e publicações criadas na Century Guild entre 1882 e 1900 demonstram a utilização mais contínua do dinamismo gráfico intrínseco à Arte Nova.
John Ruskin, uma importante fonte de motivação para os pré-rafaelitas, foi a influência criativa inicial de Mackmurdo.
Mackmurdo estudou os princípios do estilo pré-rafaelita com William Morris, que o persuadiu a formar a Century Guild em 1882, juntamente com Herbert Home, Clement Heaton, George Esling e outros. O Hobby Horse, que mais tarde se tornou a publicação autorizada do grupo, serviu de local para debater a filosofia Arts and Crafts e publicou exemplos das suas criações.
Capa de Igrejas da cidade de Wren de Mackmurdo, uma gravura de The Hobby Horse (Inglaterra), 1883; Arthur Heygate Mackmurdo, Domínio público, via Wikimedia Commons
Uma vez que a actividade do grupo era colaborativa, pode ser difícil separar os esforços individuais. Mackmurdo transforma o espaço branco e vazio que rodeia as formas escuras em elementos activos do plano da imagem, torcendo as hastes em padrões estranhos e em chicotadas.
Em comparação, o estilo inicial comum de William Morris estabelece um padrão bem especificado e opticamente consistente em cima de um fundo colorido, acentuando o primeiro plano e ignorando o segundo.
Além disso, embora os padrões de papel de parede de Morris estejam frequentemente divididos em partes simétricas que se alinham ao longo de um plano vertical ou horizontal, os de Mackmurdo estão fortemente relacionados com a irregularidade dos arranjos japoneses.
No Moulin Rouge (c. 1892) de Henri de Toulouse-Lautrec
| Data de conclusão | c. 1892 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 115 cm x 149 cm |
| Actualmente localizado | Instituto de Arte de Chicago |
Toulouse-Lautrec produziu uma das suas maiores obras, No Moulin Rouge O artista, ao residir em Montmartre, Paris, localiza-se perto do famoso clube. Quem vir a obra de arte notará como o artista conseguiu juntar várias figuras conhecidas da época. No centro da imagem está uma cabine no chão do cabaré. Um pequeno número de homens e mulheres estão sentados à volta da mesa.
Entre eles encontram-se artistas, fotógrafos e autores de renome.
A mulher Art Nouveau de cabelos ruivos também está sentada com o grupo na cabine, que serve de ponto focal principal. A figura feminina é Jane Avril, uma conhecida artista, que frequentava o Moulin Rouge por ser perto do atelier do pintor Lautrec em Toulouse.
No Moulin Rouge (c. 1892) de Henri de Toulouse-Lautrec; Henri de Toulouse-Lautrec, Domínio público, via Wikimedia Commons
O estabelecimento, um dos cabarés mais conhecidos de Montmartre, era o local de encontro dos seus artistas preferidos e dos seus colaboradores, que ele conseguiu retratar nas suas obras, bem como o local, utilizando os seus dotes de percepção. Criou várias obras relacionadas com o Moulin Rouge.
Utilizou a cor para contribuir para o ambiente, mas também utilizou linhas variadas para contribuir para a intensidade gráfica. Em imagens como a silhueta de uma artista a alisar o cabelo, recorre a curvas, o que se justapõe à utilização de fortes linhas diagonais do gradeamento e do chão.
Utilizando este método, bem como a cor, transmite ao visitante o ambiente do Moulin Rouge.
A saia pavão (1893) de Aubrey Beardsley
| Data de conclusão | 1893 |
| Médio | Desenho a caneta e a tinta |
| Dimensões | 178 mm x 127 mm |
| Actualmente localizado | Museu de Arte de Harvard |
Aubrey Beardsley criou A saia pavão Em 1894, a primeira publicação inglesa do drama de Oscar Wilde Salomé incluía uma impressão em xilogravura do seu esboço inicial a caneta e tinta. Salomé foi escrito em francês em 1891, quando Wilde residia em Paris. A apresentação da história foi proibida em Inglaterra, alegadamente por incluir figuras bíblicas.
Proibido de adaptar figuras bíblicas para o teatro, o seu ousado retrato do erotismo feminino teria espantado a elite vitoriana tardia. Beardsley personifica a abordagem rebelde de Wilde às normas de género.
A saia pavão ilustração de Aubrey Beardsley para a peça de Oscar Wilde Salomé (1892); Aubrey Beardsley, Domínio público, via Wikimedia Commons
Salomé é a caçadora, e parece estar a ir para a matança. A sua presa, a "jovem síria" das Escrituras, com os seus requintados folhos e estilo de menina, pode muito bem ser uma senhora - até se reparar nos joelhos. Lysistrata Os contornos art nouveau instintivos, especialmente as hastes serpentinas das plumas de pavão, dão uma sugestão subtil do chicote, enquanto as penas que fazem cócegas têm um carácter peniano.
Embora Wilde tenha mais tarde rejeitado os esboços de Beardsley como "as garatujas imundas de um jovem tolo", enviou-lhe pela primeira vez um manuscrito do drama com uma mensagem afirmando que ele era o único pintor que compreendia o movimento de Salomé.
A recompensa do bailarino (1894) de Aubrey Beardsley
| Data de conclusão | 1894 |
| Médio | Impressão em bloco |
| Dimensões | 34 cm x 27 cm |
| Actualmente localizado | Colecção particular |
Beardsley transmite as ansiedades actuais sobre o desaparecimento da sociedade patriarcal às mãos da Mulher Moderna assertiva em A recompensa do bailarino O espelhamento ambíguo do rosto de João e de Salomé também sugere questões de género. As tácticas de duplicação de Beardsley, tais como o braço núbio que serve de plataforma, o cabelo serpenteado que serve de fluxo de sangue e o colarinho branco que sugere um par de seios pendentes, põem em causapoder. A recompensa do bailarino é um bom exemplo de uma ilustração de uma prisão vitoriana.
Enquanto algumas peças transmitem um ponto de vista moral sobre as repercussões de actos ilícitos, enquanto outras retratam os horrores da morte como decadência, a obra de Beardsley é exagerada, abstracta e satírica.
The Dancer's Reward (1894) de Aubrey Beardsley; Aubrey Vincent Beardsley (21 de Agosto de 1872 - 16 de Março de 1898), Domínio público, via Wikimedia Commons
Apenas sugere, em vez de mostrar, o quarto do recluso, com o antebraço do chaveiro a emergir do reservatório subterrâneo para apresentar o crânio do homem assassinado ao intérprete. Oscar Wilde ficou insatisfeito com as imagens de Beardsley para a sua produção. No entanto, a população em geral associou Beardsley a Wilde e, quando o argumentista foi detido no ano seguinte pela graveofensa de "conduta lasciva", John Lane foi obrigado não só a retirar Wilde da sua lista de publicações, mas também a dispensar Beardsley como editor artístico de uma pequena publicação conhecida como Yellow Book.
Gismonda (1894) de Alphonse Mucha
| Data de conclusão | 1894 |
| Médio | Cartaz litográfico |
| Dimensões | 216 cm x 74 cm |
| Actualmente localizado | Existem várias impressões |
Gismonda's O design é intrincado e extenso, o que é inesperado para alguém que tenta uma nova abordagem criativa. Alphonse Mucha poderá ter pretendido causar uma grande impressão com esta imagem, o que poderá levar outros clientes a procurar projectos semelhantes. Muitos dos componentes essenciais encontrados nos cartazes promocionais de Mucha podem ser encontrados aqui, incluindo a tipografia elegantemente concebida para promover o evento,pormenores ornamentais na mulher Art Nouveau, e detalhes decorativos ornamentados no resto do cenário.
Sarah Bernhardt, uma actriz proeminente que viria a desempenhar um papel fundamental na sua carreira, foi aqui destacada.
Cartaz da estreia da peça de Victorien Sardou Gismonda , protagonizado por Sarah Bernhardt, no Théâtre de la Renaissance em Paris, 1894; Alphonse Mucha, Domínio público, via Wikimedia Commons
No início de 1895, um novo espectáculo estava prestes a estrear em Paris pela primeira vez, e a empresa por detrás do mesmo decidiu contratar Mucha para o comercializar através de uma série de cartazes. No final do século XIX, ainda estávamos a vários anos de distância da Internet ou mesmo da utilização da televisão, pelo que os meios de comunicação impressos eram extremamente cruciais na publicidade de tudo e mais alguma coisa.oportunidades para qualquer artista que pudesse apresentar a sua causa, e Mucha foi um dos primeiros.
Bernhardt, aliás, não era apenas uma actriz no drama, mas também a sua directora, pelo que poderá ter tido alguma influência na escolha da encomenda da obra de arte Art Nouveau.
A Rainha de Maio (1900) por Margaret Macdonald
| Data de conclusão | 1900 |
| Médio | Tinta a óleo |
| Dimensões | 158 cm x 457 cm |
| Actualmente localizado | Galeria e Museu de Arte de Kelvingrove |
A Rainha de Maio é uma peça famosa de Margaret Macdonald, que a criou em 1900, o mesmo ano em que se casou com o seu colega artista Charles Rennie Mackintosh Esta peça foi construída especialmente para a sala de almoço das senhoras de Miss Cranston. Charles, o esposo de Margaret, tinha sido solicitado para projectar esta área e os dois colaboraram para produzir duas esculturas requintadas que se defrontavam em extremidades diferentes do espaço, a de Charles O Wassail e Margaret's A Rainha de Maio Foram os primeiros de muitos trabalhos de decoração de interiores em que colaboraram em parceria.
Devido à forma como foram construídos, pensou-se que eram sobretudo peças de exploração e, devido ao seu tamanho, tiveram de ser tratados com cuidado na viagem de e para Viena.
A Rainha de Maio (1900) de Margaret MacDonald ; Margaret MacDonald, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
A Rainha de Maio é um gesso pintado a óleo sobre tecido e gaze com motivos lineares produzidos com pedaços de cordel colados à pintura, bem como conchas, missangas, estanho e "pedras preciosas" de gesso colorido. Enquadra-se tão precisamente no estilo feminino do espaço, com personagens femininas com vestidos elaborados e flores em lavanda, pastel e esmeralda, que não é claro se a obra de arte foi feita para o espaço ou para oO interior do espaço tinha janelas amplas para deixar entrar a luz natural, que complementava as paredes brancas e prateadas, bem como mesas grandes mais escuras e bancos de espaldar alto.
O alongamento do mobiliário pretendia acentuar a grande horizontalidade, também representada nas obras de Margaret pelas graciosas protagonistas femininas, de grande altura e rectilíneas.
Friso de Beethoven (1902) de Gustav Klimt
| Data de conclusão | 1902 |
| Médio | Ouro, grafite, tinta de caseína |
| Dimensões | 2,15 m x 34 m |
| Actualmente localizado | Edifício da Secessão, Viena, Áustria. |
O friso retrata a ânsia humana de prazer num mundo triste e turbulento, onde é preciso lutar não só contra os poderes maléficos exteriores, mas também contra as deficiências pessoais. Esta viagem de conhecimento é seguida pelo público de uma forma visual e linear magnífica. Começa docemente, com os Génios femininos a explorar o Planeta, mas rapidamente se segue o monstro sombrio e misterioso do vento tempestuosoTifo.
Na primeira parte desta imagem horrível, um gorila simboliza o Typhoeus, a personificação da doença que assolou as cidades europeias no século XIX, especialmente Viena.
As três górgonas ressurgiriam como sereias glamorosas e sedutoras com ouro a escorrer pelos cabelos na outra obra polémica de Klimt, Jurisprudência Acima deles, brilha o rosto louco e macilento da morte e da doença venérea, ambas proeminentes na sociedade vienense.
Friso de Beethoven (1902) de Gustav Klimt; Gustav Klimt, CC0, via Wikimedia Commons
Klimt explora os conceitos contraditórios de deformidade na forma e de mortalidade no amor, e a nudez da obra, com pêlos negros e vívidos, enfureceu a aristocracia vienense. As noções de Paixão, Lusciência e Perversidade estão encarnadas na forma feminina à direita do gorila.
Com o seu traje vistoso e deslumbrante, a forma enorme e descaída de Excesso de Indulgência assemelha-se a uma amante prostituta; o vestido azul brilhante é a única tonalidade viva em todo o mural. Como resultado do seu desejo e afecto pela humanidade desesperada e em dificuldades, surge o herói vestido com uma armadura deslumbrante. A viagem culmina com a revelação do prazer através das artes, e a realização é simbolizada peloo toque apertado de um beijo.
Assim, o mural exprime o desejo humano emocional, que é finalmente satisfeito através da procura pessoal e colectiva, da majestade das artes, da amizade e da camaradagem.
O beijo (1908) de Gustav Klimt
| Data de conclusão | 1908 |
| Médio | Folha de ouro e óleo sobre tela |
| Dimensões | 180 cm x 180 cm |
| Actualmente localizado | Galeria Österreichische Belvedere |
Gustav Klimt mostra o par num abraço amoroso sobre um fundo dourado e plano. Os dois indivíduos estão de pé na orla de um campo florido que termina sob os dedos nus da mulher. O homem está vestido com um manto com formas intrincadas e espirais delicadas. Ostenta um toucado de videira, enquanto a mulher adorna um toucado floral. Ela está vestida com um vestido ondulante com desenhos florais.
O espectador não vê o rosto do homem porque ele se inclinou para beijar a face da mulher e os seus dedos acariciam a cabeça da senhora, que tem os olhos fechados, um braço sobre o ombro do homem, o outro apoiado suavemente na sua mão, e a cabeça inclinada para cima para receber os lábios do jovem.
Os motivos da obra de arte aludem aos estilos Art Nouveau e às formas naturais da escola Arts and Crafts.
O beijo (1908) de Gustav Klimt; Gustav Klimt, Domínio público, via Wikimedia Commons
Simultaneamente, o pano de fundo sugere a luta inerente entre a bidimensionalidade e a tridimensionalidade na obra de Degas e de outros modernistas. Obras como O beijo O emprego da folha de ouro remete para os quadros medievais com fundo dourado, para os manuscritos medievais e para os murais mais antigos, enquanto os desenhos em espiral nas peças de vestuário remetem para a arte da Idade do Bronze e para as espirais ornamentais presentes na arte ocidental desde antes da Antiguidade.antiguidade.
A cabeça do homem termina muito perto do topo do quadro, um desvio das normas ocidentais típicas que indica influências de gravuras japonesas, tal como a disposição simplificada da obra de arte.
Os eslavos na sua terra natal (1928) de Alphonse Mucha
| Data de conclusão | 1912 |
| Médio | Tempera sobre tela |
| Dimensões | 610 cm x 610 cm |
| Actualmente localizado | Galeria Nacional, Praga |
Alphonse Mucha optou por iniciar a sua exploração da história eslava entre os séculos IV e VI. Nessa altura, os clãs eslavos eram povos agrários que viviam nas zonas húmidas entre os rios Vístula e Dnieper, bem como nos mares Negro e Báltico.
As suas comunidades eram constantemente atacadas por povos germânicos vindos do campo, que destruíam as suas habitações e saqueavam os seus animais, uma vez que não dispunham de um quadro político que os ajudasse.
Os eslavos na sua terra natal (1928) de Alphonse Mucha; Alphonse Mucha, Domínio público, via Wikimedia Commons
As vítimas de uma destas incursões são o par que se abriga nos arbustos em primeiro plano, enquanto a sua aldeia arde ao longe. O terror e a fragilidade das suas expressões pedem a ajuda do público. No canto superior direito do quadro, uma divindade pagã é acompanhada por dois jovens que representam a batalha e a harmonia.
Estes números prenunciam a futura liberdade e tranquilidade do povo eslavo se a liberdade for alcançada através de um conflito.
As mulheres fatais (1933) de Gerda Wegener
| Data de conclusão | 1933 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 110 cm x 119 cm |
| Actualmente localizado | Colecção particular |
As mulheres fatais foi criado por Gerda Wegener, uma designer e artista dinamarquesa, mais conhecida pelas suas representações de senhoras elegantes e femme fatale em estilo art nouveau. O seu primeiro cônjuge, Einar Wegener, reconheceu-se como feminino e tornou-se o seu tema favorito sob o nome de Lili Elbe, antes de morrer devido a operações de redesignação sexual.1908, quando participou num concurso de arte patrocinado pelo tablóide Politiken.
Foi influenciada pelo design e trabalhou como artista para revistas como "La Vie Parisienne" e outras.
As mulheres fatais (1933) de Gerda Wegener; Gerda Wegener, Domínio público, via Wikimedia Commons
Wegener ganhou proeminência como pintora em França, mas teve menos sorte na Dinamarca, onde as suas obras foram consideradas provocadoras. Foi premiada na Feira Mundial de 1925, em Paris. Era conhecida pelos seus grafismos publicitários e era também uma criadora muito procurada de retratos Arte Nova. Esta bela peça incorpora a Arte Nova francesa e retrata três mulheres elegantes a desfrutarem de um momento de descontracçãorepousar num ambiente natural deslumbrante, rodeado de borboletas e de uma flora exuberante.
As obras de arte da Arte Nova tiveram início na década de 1880 com o objectivo de actualizar o estilo e rejeitar as formas tradicionais e históricas anteriormente estabelecidas. As características naturais, como as flores silvestres ou os escaravelhos, inspiraram os pintores da Arte Nova. As curvas, as formas assimétricas e as cores vivas foram outras características populares do movimento. Os estilos da Arte Nova também foram vistos na arte ornamental, nas obras de arte e na construção,e até anúncios publicitários.
Perguntas mais frequentes
Quais são as características da Arte Nova?
As características da Arte Nova são difíceis de identificar, embora as seguintes sejam características distintivas. O movimento da Arte Nova promoveu a adaptação de motivos estéticos a objectos do quotidiano, a fim de tornar as coisas belas mais acessíveis a todos. Nada era demasiado insignificante para ser "embelezado". A Arte Nova, na sua essência, não via qualquer distinção entre belas-artes (pinturas e esculturas) eO estilo foi uma reacção a um mundo artístico dominado pela simetria rigorosa dos desenhos neoclássicos.
O que é a Arte Nova?
A Arte Nova é muitas vezes vista como um "estilo" e não como uma doutrina; no entanto, foi motivada por ideais distintos e não apenas por objectivos fantasiosos. Todos os designers mais fiáveis da Arte Nova partilhavam a devoção de ultrapassar os limites do neoclassicismo - essa consideração exagerada pelos conceitos históricos que caracterizam a maioria do estilo do século XIX: desejavam um novo estilo visual baseado numaavaliação crua do objectivo e um exame atento do mundo orgânico.