G rant Wood, mais conhecido pela sua pintura, Gótico americano Neste artigo, faremos uma breve introdução à biografia de Grant Wood e daremos um mergulho profundo nas obras de arte mais importantes de Grant Wood.
Uma breve biografia de Grant Wood
Grant Wood nasceu na quinta da sua família a 13 de Fevereiro de 1891. Este ambiente pitoresco deixaria uma impressão para toda a vida no jovem rapaz e afectaria tremendamente o seu raciocínio e trabalho artístico subsequentes, apesar de ter passado a maior parte do seu tempo, após os dez anos de idade, na área comparativamente mais urbanizada de Cedar Rapids, para onde a sua mãe transferiu Wood e a sua irmã mais nova, Nandepois da morte do pai.
O interesse de Wood pelo desenho começou quando ele ainda estava na escola primária e já demonstrava um grande potencial.
No liceu, aperfeiçoou as suas capacidades desenhando cenários para espectáculos e ilustrando revistas escolares. Depois de se formar em 1910, frequentou a School of Design and Handicraft, em Minneapolis. O portefólio artístico de Wood cresceu nos anos seguintes, à medida que aprendia a trabalhar com metais e jóias, bem como a criar estofos. Utilizou estas capacidades para ganhar a vida quando foi para aChicago em 1913.
Auto-retrato (c. 1925) de Grant Wood; Grant Wood, Domínio público, via Wikimedia Commons
Na década de 1920, viajou para a Europa e expôs as suas obras de arte em Paris, visitou museus em Itália e em França e estudou na Académie Julian. Impressionistas Ao ver as obras de arte dos mestres flamengos e alemães do século XVI, que demonstravam grande atenção aos pequenos detalhes e ao realismo, decidiu começar a integrar o seu estilo nesta obra.
O seu estilo único e o seu tema fazem das obras de Grant Wood uma importante adição ao património artístico americano. movimento artístico.
Gótico americano (1930)
| Data de criação | 1930 |
| Médio | Óleo sobre tábua de castor |
| Dimensões | 78 cm x 65 cm |
| Actualmente alojado | Instituto de Arte de Chicago |
Gótico americano Uma rapariga de aspecto jovem, vestida de forma conservadora, posa ao lado de um senhor idoso, vestido com um blazer preto por cima de umas jardineiras e um top sem colarinho, com o olhar desviado. O velho agricultor segura uma forquilha - um utensílio antiquado na época - e olha fixamente para o espectador.
Em segundo plano, uma simples casa branca com uma bela janela gótica - um elemento popular da arquitectura "Carpenter Gothic" da época - situada entre as suas cabeças. O desenho do vestuário da mulher reflecte-se nas cortinas da janela. Pouco acima dos ombros da mulher, podem ver-se alguns arbustos plantados na varanda. O pano de fundo é constituído por uma vegetação luxuriante e elegante, com um vislumbre de uma igrejae uma casa de campo vermelha.
O Chicago Evening Post publicou uma fotografia dois dias antes do início da exposição no Art Institute of Chicago, quando a obra de arte teve a sua estreia.
Gótico americano (1930) de Grant Wood; Grant Wood, Domínio público, via Wikimedia Commons
As figuras com cara de pedra, que muitos confundiram com um casal, despertaram uma onda de atenção e Wood tornou-se conhecido em todo o país quase de imediato. Wood afirmou sobre a pintura, que alegou retratar uma rapariga e o seu pai em vez de um casal casado como muitos pensavam, que apenas fabricou algumas pessoas "góticas americanas" para posar em frente a uma casa deste estilo. O seu dentista ea sua irmã mais nova Nan serviu de referência para o casal.
Demonstra a extraordinária e intrínseca volatilidade do trabalho artístico de Grant Wood; as suas representações de personagens do Midwestern, da tradição americana e das práticas agrícolas suscitavam emoções contraditórias em 1931, tal como o fazem actualmente.
A reacção da obra de arte e a sua existência posterior ilustram a estranha ambivalência deste quadro supostamente simples. Cria tantas preocupações como as que resolve. O seu título diz que é americano, mas o que é que tem de enfaticamente americano? Se se trata de uma homenagem aos habitantes simples do Midwest, porque é que o pintor mostrou o par como infeliz?O termo é apenas uma descrição dos pormenores estilísticos do edifício?
As questões de identificação nacional que ocuparam a vida adulta de Wood desempenham um papel essencial na interpretação das suas obras.
A década de 1930 assistiu a um recuo do internacionalismo crescente para uma tendência significativa na cultura pop, com uma clara veneração pelas virtudes da cooperação e do trabalho árduo, consideradas vitais para a psique nacional e expressas de forma mais completa nas pequenas quintas e cidades americanas. O misterioso par de Wood tornou-se lendário, talvez por causa, e não apesar, da indefinição da obra de arte.
Passeio nocturno de Paul Revere (1931)
| Data de criação | 1931 |
| Médio | Óleo sobre cartão |
| Dimensões | 76 cm x 102 cm |
| Actualmente alojado | Metro Museum of Art, Nova Iorque |
A interpretação de Edward Wood, em 1931, da famosa viagem de Paul Revere pelas comunidades de Massachusetts, alertando para a chegada das forças inglesas, foi motivada pelo famoso poema de Henry Wadsworth Longfellow.
Uma iluminação dramática ilumina o centro da obra de arte, que representa a aldeia de um ponto de vista aéreo, com as pontas das chaminés na frente.
Revere é retratado a cavalo enquanto passa por uma capela branqueada ao lado. No seu caminho, alguns residentes emergem das suas habitações. Uma estrada negra atravessa o cenário de cada lado da aldeia brilhantemente iluminada, passando por colinas ondulantes com belas árvores redondas.
Passeio nocturno de Paul Revere (1931) de Grant Wood; Grant Wood, Domínio público, via Wikimedia Commons
Wood afirmou que, quando era jovem, imaginava alertar as pessoas para um furacão terrível de uma forma semelhante, o que pode ter influenciado a forma alegre como apresentou a narrativa. O ambiente é construído em torno de uma geometria ornamental extremamente exagerada, com todos os objectos reduzidos a formas arredondadas ou rigidamente lineares.mas a imposição do estilo moderno no campo revela as suas origens profissionais.
Embora não quisesse criar de forma cubista ou completamente abstracta, desejava que as suas obras tivessem um aspecto contemporâneo.
A sua resposta foi aplicar ideias de design actuais aos seus cenários - as suas plantas e encostas têm a regularidade incessante e repetitiva de um edifício Art Déco. A vista aérea faz lembrar uma técnica típica dos quadros de Currier e Ives, que conheceram um renascimento de interesse na década de 1930. O tema e a abordagem ornamental foram vistos de forma contraditória.
Devido à abordagem humorística do tema e ao espectáculo sardónico do ambiente, uma interpretação vê esta obra como excêntrica e reflexo da psique de desmascaramento contracultural da década de 1920, reconciliando Wood com H.L. Mencken, reconhecido pelo seu escárnio dos gostos americanos generalizados.América, nomeadamente a reconstrução de Williamsburg, Virgínia, por John D. Rockefeller Jr.
Apesar de Wood ter dado ao tema uma abordagem narrativa particular, com o plano de fundo e a envolvente pictórica, a intenção do artista é uma reformulação da mitologia nacional, baseada na opinião do artista de que a América tinha uma grande cultura que merecia ser conservada e admirada.
Sobrevivência vitoriana (1931)
| Data de criação | 1931 |
| Médio | Óleo sobre cartão |
| Dimensões | 81 cm x 66 cm |
| Actualmente alojado | Biblioteca Pública Carnegie-Stout, Dubuque, Iowa |
Uma senhora conservadora e concisa em cores suaves A modelo dirige a sua atenção para o espectador. Tem uma gargantilha de fitas enrolada no seu pescoço extremamente comprido. À maneira de meados do século XIX, o seu penteado é separado ao centro e puxado para trás. A única coisa no pano de fundo é uma secretária com um telefone rotativo, que reflecte o longo pescoço da modelo.
O quadro foi inspirado por uma fotografia da tia-avó do artista, e o seu topo arqueado e as cores ricas em tons fazem lembrar a paleta de cores e a forma de uma técnica de câmara escura do século XIX. Nas suas memórias incompletas, Wood reflectiu sobre a sua tia Matilda, perguntando-se "como é que ela conseguia fechar os olhos todas as noites" com o cabelo tão bem penteado para trás.
Era mais inteligente e aspirava à literatura do que alguns outros familiares, mas era também bastante rigorosa, o que ele considerava simultaneamente emocionante e oneroso.
O aparecimento do telefone, que se encontra no local onde normalmente uma bíblia ou um ramo de flores serviriam de decoração de cena para um retrato, perturba a impressão de um instantâneo do século XIX. O telefone rotativo era o modelo de comunicação mais avançado da época. O seu auricular aponta arrogantemente para a pessoa, e poder-se-ia pensar que o seu olhar tenso se deve ao facto de tocarem voz alta ao seu lado.
Esta obra de arte, tal como muitas das pinturas de Grant Wood, é sobre a diferença cultural, sobre o abismo intransponível entre o ambiente rústico e vitoriano em que foi criado e o mundo contemporâneo e metropolitano em que viveu enquanto adulto.
A senhora e o telefone são diametralmente opostos: a senhora está fechada a estranhos e à expressão emocional, enquanto o telefone representa um mundo invasivo e estridente ao qual nunca se conseguirá adaptar. Os pintores da época de Wood reagiram de várias formas ao ritmo de crescimento estonteante do mundo. Embora os Precisionistas elogiassem a inovação, muitos lamentavam a perda dos modos de vida tradicionais.
Wood abordou o tema com sentido de humor, mas, tal como Edward Hopper e Walker Evans, é sensível à "durabilidade, graça e individualidade da América do final do século XIX que está a ser suplantada pelo mundo contemporâneo".
Na representação de Wood, o passado deslocado é simultaneamente uma fonte de diversão e uma fonte de compaixão e empatia.
Filhas da Revolução (1932)
| Data de criação | 1932 |
| Médio | Óleo sobre Masonite |
| Dimensões | 50 cm x 101 cm |
| Actualmente alojado | Museu de Arte de Cincinnati, Cincinnati |
Wood foi encarregado de conceber um vitral para o Veterans Memorial Coliseum em 1927. Escolheu um vidro fabricado na Alemanha porque estava insatisfeito com a qualidade dos fornecedores de vidro locais. O ramo local das Filhas da Revolução Americana (DAR) opôs-se à utilização de um recurso nazi para um monumento do Primeiro Conflito Mundial, uma vez que a Alemanha era um adversário dos Estados Unidos durante todo oOs habitantes de Cedar Rapids também se opuseram à origem estrangeira, pelo que a janela só foi oficialmente inaugurada em 1955.
A DAR foi caracterizada por Wood como "aquelas raparigas Tory" e "pessoas que procuram estabelecer uma nobreza de herança numa democracia".
Filhas da Revolução (1932) de Grant Wood; Grant Wood, Domínio público, via Wikimedia Commons
Madeira pintada Filhas da Revolução Cinco anos mais tarde, considerou-o como a sua única paródia, destacando a justaposição de três mulheres idosas com roupas desbotadas contra a imagem épica de Washington Ponte sobre o rio Wood vestiu as mulheres com as roupas da sua mãe, juntamente com uma gola de renda e um broche que adquiriu para ela enquanto esteve na Alemanha.
O contraste entre estas senhoras e o lendário retrato de George Washington, que representa um dos seus feitos em combate, despertou o interesse dos críticos.
No seu livro, Evans examina a suspeita de homossexualidade de Wood, bem como a sua preocupação com aquilo a que Adams se refere como "alterações sexuais". A crítica Deborah Solomon acredita que Evans sobrestima as provas de que Wood era homossexual e leva este ponto de vista demasiado longe na compreensão das suas obras de arte na sua avaliação do livro de Evans.
Ela defende que Wood é mais correctamente definido como assexual.
"Ele ansiava pela companhia dos falecidos e recuava no tempo nas suas obras belas e melancólicas", diz Solomon sobre Wood, que é atormentado pelo passado. Ele merece ser reconhecido como um dos excêntricos mais importantes da América". "É uma obra de arte realmente terrível", disse Wood. É carregada pelo seu tema.
Jantar para os debulhadores (1934)
| Data de criação | 1934 |
| Médio | Óleo sobre cartão duro |
| Dimensões | 45 cm x 182 cm |
| Actualmente alojado | Museu de Belas Artes de São Francisco |
Esta obra de arte de estilo tríptico foi um protótipo para um projecto de fresco. O contrato nunca chegou a ser concretizado, embora o quadro tenha sido amplamente exibido. A estrutura do tríptico, bem como a técnica precisa e amadurecida de Wood, foram influenciadas por retábulos de artistas do Renascimento do Norte, como Albrecht Dürer e Hans Memling. A experiência de Wood na época das colheitas, na sua infância, é retratada em Jantar para os debulhadores .
A parte esquerda mostra trabalhadores agrícolas a prepararem-se para se juntarem à empresa para o almoço do meio-dia. "1892" está gravado no topo do telhado do celeiro, situando a imagem no primeiro ano de existência da Wood.
Jantar para os debulhadores (1934) de Grant Wood; Grant Wood, Domínio público, via Wikimedia Commons
Uma multidão de trabalhadores reúne-se à volta de uma secretária, sentados em bancos desnivelados na zona central. Como todos tiraram respeitosamente os chapéus no interior, as suas sobrancelhas pálidas contrastam com as suas feições queimadas. Uma mulher entra na sala vinda da despensa, carregando um prato cheio. A terceira parte mostra duas senhoras na kitchenette, a trabalhar no forno a lenha, enquanto um gato observa.
De acordo com a biografia de Grant Wood, este encontro anual é um dia divertido para a comunidade agrícola.
O equipamento de trituração surge normalmente como um enorme dragão, um dia, no início de Agosto, depois de o trigo ter sido cortado e chocado - empilhado de forma erecta para ser curado. Todos os produtores das redondezas chegavam com palheiros para agarrar os choques de trigo e transportá-los para serem separados. Esta organização cooperativa durava muitas semanas, com todos a irem de campo em campo até que todo o trigo fosse colhido.Todos os dias de colheita, ao meio-dia, os empregados iam à quinta para uma refeição.
A peça mostra o apreço de Wood pelo trabalho comunitário e pelos costumes sociais da vida agrícola do Midwest.
A abordagem cuidadosa de Wood atraiu muita atenção. Os espectadores enviaram-lhe notas em que questionavam a sua veracidade. O pintor justificou o arranjo como sendo da sua memória - até mesmo o desenho da loiça na prateleira da despensa - e questionou porque é que o público lhe permitiria dividir uma casa, mas discutindo sobre "a localização das sombras sob as aves" e outras minúcias.resposta remete para os seus primeiros dias como professor do ensino básico, quando se concentrava nos fundamentos da observação da arte actual.
O Perfeccionista (1937)
| Data de criação | 1937 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 40 cm x 30 cm |
| Actualmente alojado | Museus de Belas Artes de São Francisco |
As ilustrações, o design e a arte comercial foram aspectos importantes do processo criativo de Wood durante a sua vida, mas tornaram-se muito mais importantes para ele em meados da década de 1930 por razões financeiras. Recebeu um convite para desenhar uma versão limitada do livro de Sinclair Lewis Rua principal Louis Dispatch escreveu que o escritor e o artista se tornaram tão conhecidos pelos seus retratos das regiões rurais da América que essa parceria parece mais do que meramente adequada".
O trabalho continha nove desenhos, a maioria dos quais retratava os residentes de Gopher Prairie, Minnesota, a cidade imaginária onde se passa a história. O romance foi impresso numa edição limitada de 1500 exemplares, cada um autografado pelo artista.
Estes esboços preliminares em materiais de embalagem bege reflectem o tema de cores e os tecidos finais da publicação, que Wood ajudou a seleccionar - material de trapo castanho com uma cobertura de linho amarelo e azul.
Wood construiu identidades amplas para personagens específicas, identificando os tipos da pequena cidade através do vestuário, maneirismos e características. Olhando de baixo para cima, os desenhos exageram os olhos e as mãos para mostrar as características dos indivíduos. Carol Kennicott, a pessoa em que esta pintura se baseia, é um dos indivíduos mais afortunados e um activista e defensor das artes ea estética, olhando curiosamente por uma janela de organza para a pequena aldeia que nunca se compararia favoravelmente aos seus ideais.
Apesar de esta mulher angustiada ser uma pessoa simpática no romance, Wood goza com ela inserindo uma pequena falha - um botão que se está a desapertar.
Noutros trabalhos relacionados, tais como O impulsionador Embora Lewis e Wood fossem ambos identificados com a América rural, Wanda Corn observa que eles "ganharam os seus nomes representando sectores bastante distintos da América regional".
Os personagens de Wood eram agricultores e tradicionais, mas as figuras de Lewis eram mais contemporâneas, mas também mais presunçosas, puritanas e tacanhas. Lewis pertencia a "uma época que se rebelou contra a comunidade, enquanto Wood pertencia a uma época que tinha regressado a ela". Este contraste de perspectiva pode ser observado, por exemplo, no retrato suavemente sarcástico que Wood faz de T Perfeccionista - uma senhora que procura a sofisticação e a elegância e que considera que a sua pequena cidade não tem essas qualidades.
A fábula de Parson Weem (1939)
| Data de criação | 1939 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 127 cm x 97 cm |
| Actualmente alojado | Museu Amon Carter de Arte Americana, Fort Worth |
A peça tardia de Wood é um retrato excêntrico da célebre história de Parson Weems sobre a integridade de George Washington. Weems aparece na frente, segurando uma cortina com borlas. Por trás da cortina, desenrola-se um cenário da sua fábula sobre o jovem George Washington que admite ter cortado uma cerejeira. O jovem Washington aponta para o machado que tem nas mãos, admitindo os danos daUma casa de tijolo bem cuidada estende-se até ao horizonte, onde dois empregados cuidam de uma árvore igualmente simétrica, e as encostas cobertas de vegetação bem cuidada estendem-se até ao horizonte.
Afirmou que pretendia que este esforço ajudasse a reavivar o interesse pela cerejeira e por outros elementos da tradição americana que são demasiado valiosos para serem perdidos.
Fábula de Parson Weems (1939) de Grant Wood; Grant Wood, domínio público, via Wikimedia Commons
O contexto do totalitarismo em desenvolvimento na Europa obrigou Wood a reforçar o nacionalismo através do respeito pela integridade de Washington e do exemplo de paternidade que Weems queria que a história representasse. O pintor estava também a reagir a um ensaio do romancista Howard Mumford Jones, que exortava os autores e os pintores a estabelecerem uma nova forma de patriotismo, livre de fanatismo, egoísmo económico ou etniaesnobismo - para recuperar o valor dos contos, das mitologias e dos relatos históricos.
Sobre este assunto, afirmou: "A forma mais eficaz de o conseguir é tomar estas narrativas históricas por aquilo que são - mito, e apresentá-las de forma a que as pessoas razoáveis e intelectuais do nosso tempo as possam aceitar".
Para o efeito, incorpora o engano subjacente à representação desta peça; o conto de Weems era uma narrativa inventada dentro de um conto.
Wood retrata o autor a retirar fisicamente a cortina do seu trabalho. Weems é também uma personalidade alterada, um companheiro de criação de lendas que, tal como Wood, pretendia aumentar a imaginação nacional com histórias vívidas da história da América. São também visíveis várias camadas. O aspecto mais surpreendente, uma criança de seis anos com um capacete clássico, acrescenta uma sensação de tolice dramática, ao mesmo tempo que assinala que estenão é um relato verdadeiro sobre uma criança real, mas uma "lenda das origens" de um pai da nação.
O ambiente e a composição são ordenados, a bela geometria serve como um estranho contraste com o aspecto ridículo do protagonista velho/rapaz.
Primavera na cidade (1941)
| Data de criação | 1941 |
| Médio | Óleo sobre madeira |
| Dimensões | 66 cm x 63 cm |
| Actualmente alojado | Museu de Arte Swope, Terre Haute, Indiana |
Um jovem sem camisa prepara a horta para a sementeira primaveril numa pequena aldeia com numerosos edifícios nas proximidades. Uma senhora estende cobertores para arejar numa linha, enquanto uma criança pequena puxa os ramos de uma árvore em flor. Um homem apara o seu quintal, um homem sobe uma escada para o seu telhado, um par bate um tapete e um jovem puxa um carrinho ao longo do passeio ao longe.imagem com linhas limpas e precisas, dando ao observador uma visão a partir do topo da acção.
O artista disse sobre esta obra de arte, bem como sobre uma outra criada como peça de acompanhamento: "Ao criar estas obras de arte, eu tinha em mente algo que espero expressar a um público razoavelmente grande na América - a imagem de uma região rica em formas de arte de tranquilidade, um ambiente acolhedor,país cativante, que merece toda a abnegação necessária à sua sobrevivência".
Embora as motivações de Wood sejam claras nesta e em muitas outras pinturas, existe ainda um outro nível de significado logo abaixo da superfície.
Primavera na cidade (1941) de Grant Wood; Grant Wood, Domínio público, via Wikimedia Commons
Os ombros e as costas musculadas são imediatamente visíveis, acentuados por um bronzeado, e o seu fato-macaco de trabalho cobre bem as suas costas, o que deixa muito pouco à imaginação, uma vez que pode ser visto a inclinar-se para trabalhar com a pá no jardim.no final da sua vida.
Devido ao facto de a homossexualidade ser um crime nessa época, preferiu guardar as suas preferências para si próprio e, no entanto, as suas obras de arte são tanto o retrato das belezas das pequenas cidades do Midwest americano como a revelação das suas fantasias interiores.
Wood baseou-se nas suas próprias recordações de infância da vida rural, mas misturou-as com partes da sua vida actual, tais como pessoas que conhecia, casas que observava na zona e os seus sentimentos em relação aos amigos e à família. Outra das obras de arte de Grant Wood Banho de sábado à noite foi rejeitado pelos Correios dos Estados Unidos em 1939, por ser sexual.
Wood pode argumentar ingenuamente que estava a mostrar dois homens nus encharcados depois de um longo dia de trabalho entre as colheitas, mas o homoerotismo é evidente. Richard Meyer, um historiador de arte, adverte contra a identificação de Wood como um pintor gay, mas não contesta a sua estética homossexual, que parece sexualizar não só o trabalho manual mas também o próprio ambiente, confundindo a imagem de Wood como defensor daideais tradicionais.
As obras de Grant Wood conquistaram o seu lugar na história da arte pelas suas representações únicas da vida rural americana. Desde o seu sucesso inicial com o gótico americano até às suas obras posteriores, a sua arte é recordada pelas suas representações por vezes humorísticas de personagens e locais exclusivamente americanos.
Perguntas mais frequentes
Qual é o mais famoso de todos os quadros de Grant Wood?
Grant Wood gostava de retratar personagens da vida rural americana. O seu famoso quadro Gótico americano A sua obra de arte mais famosa é um homem e uma mulher em frente a uma quinta com um Arquitectura gótica daí o nome.
Grant Wood era homossexual?
Apesar de ter vivido numa época em que a homossexualidade era um crime, acredita-se que era homossexual. No entanto, casou com uma mulher chamada Sara Maxon em 1935, mas divorciaram-se quatro anos depois. Diz-se que as suas preferências sexuais podem ser observadas nos seus quadros.