P ablo Picasso é indiscutivelmente o artista mais importante da história da arte do século XX. A arte de Picasso exibiu uma gama diversificada que foi o resultado da sua determinação em avaliar criticamente a forma e a metodologia mais adequadas para alcançar o seu maior efeito em cada obra artística, em vez de alterações substanciais no seu estilo ao longo da sua carreira.Último quadro de Picasso, as suas criações destinavam-se a ser tecidas na manta de retalhos da humanidade como algumas das maiores obras de arte jamais criadas.
Uma introdução a Pablo Picasso
| Nacionalidade | espanhol |
| Data de nascimento | 25 de Outubro de 1881 |
| Data do óbito | 8 de Abril de 1973 |
| Local de nascimento | Málaga, Espanha |
Pablo Picasso Picasso produziu cerca de 20.000 esboços, pinturas e esculturas ao longo da sua longa carreira, bem como figurinos e cenários de teatro. Devido às famosas pinturas de Picasso, o lendário pintor distinguiu-se como a pessoa mais conhecida da arte moderna, com o estilo e o gosto mais identificáveis pela criatividade artística, antes de atingir os 50 anos de idade.
Poucos pintores tiveram uma influência tão grande no mundo da arte ou uma reputação tão forte, tanto entre os entusiastas como entre os detractores, como Picasso.
Fotografia de retrato de Pablo Picasso em frente ao seu quadro O Aficionado (Kunstmuseum Basel) na Villa les Clochettes, Sorgues, França, Verão de 1912; Anónimo Autor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons
Mas antes de nos debruçarmos sobre os desenhos e pinturas de Pablo Picasso, apresentemos-lhe primeiro o artista, que é frequentemente citado como um dos mais proeminentes e pintores famosos É reconhecido como co-fundador do movimento cubista, ao lado de Georges Braque O cubismo foi um movimento popular que mudou para melhor a pintura e a escultura europeias, bem como os projectos arquitectónicos, a música e a escrita. Os motivos e objectos cubistas são abstractamente desmontados e reconstruídos.
Paul Cézanne e Vincent van Gogh, bem como a arte antiga e indígena, estão entre as inspirações que levaram Picasso a dar mais gravidade e forma às suas figuras, por volta de 1907.
Acabaram por conduzi-lo ao cubismo, no qual minou A pintura renascentista regras de perspectiva. Picasso e Braques produziram um estilo que utilizava maioritariamente tons neutros e se concentrava em "desmontar" objectos e "avaliá-los" em termos das suas formas durante este período. O cubismo teve um efeito tremendo no crescimento da arte ocidental, nomeadamente na segunda versão conhecida como Cubismo Sintético.
Visitantes que admiram a obra de Picasso Mulher nua no jardim ("Mulher nua em frente ao jardim", 1956) no Museu Stedelijk, 1981; Hans van Dijk para Anefo, CC0, via Wikimedia Commons
Entre 1910 e 1920, quando Picasso e Braque lançaram as bases do cubismo em França, o seu impacto foi tão generalizado que deu origem a ramificações como o Dadaísmo, Construtivismo e o Futurismo, noutros países.
Picasso é também conhecido por ter co-inventado o género de arte da colagem e por ter inventado a escultura construída.
Este estilo de arte revolucionário fez com que a civilização avançasse para avanços sociais na impressão, pintura, escultura e cerâmica, manipulando activamente coisas que nunca tinham sido cortadas ou moldadas antes. Não se tratava simplesmente de plásticos; podiam ser moldados de várias formas. O gesso, os metais e a madeira foram utilizados pelos artistas para produzir peças escultóricas únicas que nunca tinham sido vistas anteriormente.
Homem com um cordeiro (1943-1944) de Pablo Picasso, Museu de Arte de Filadélfia; Regan Vercruysse de Stewartsville, Nova Jérsia, EUA, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Quadros famosos de Picasso
O envolvimento de Pablo Picasso com o cubismo resultou na invenção da assemblage, na qual ele abandonou a ideia do visível como uma janela para as coisas do mundo em favor de considerá-lo como uma organização de símbolos que empregavam várias técnicas, muitas vezes alegóricas, para se relacionar com esses itens.
Picasso tinha uma abordagem multifacetada da forma e, embora os quadros famosos de Picasso fossem identificados por uma única técnica dominante em qualquer altura, alternava regularmente entre várias abordagens, por vezes até dentro da mesma peça.
O surrealismo afectou não só os contornos delicados e a sensualidade subtil das fotografias da sua namorada, mas também a iconografia agressivamente fragmentada das suas obras de arte do tempo da guerra. Picasso estava sempre ansioso por se distinguir no tempo, e algumas das suas obras mais famosas sugerem uma variedade de precursores do passado - mesmo quando são subvertidos.O seu legado e, mais tarde, os famosos quadros de Picasso foram marcados por um diálogo aberto com os Velhos Mestres.
Pablo Picasso, 1962; Argentina, Revista Vea y Lea, Domínio público, via Wikimedia Commons
A sopa (1903)
| Data de conclusão | 1903 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 38 cm x 46 cm |
| Localização | Instituto de Arte de Chicago |
Esta é uma das primeiras obras de Picasso na nossa lista. Esta pintura exibe o profundo desespero de Picasso durante o seu Período Azul e foi pintada ao mesmo tempo que uma série de outras obras sobre temas de privação, idade e deficiência. A obra de arte de Picasso transmite a sua preocupação com os terríveis acontecimentos que testemunhou quando era criança em Espanha e foi claramente influenciada pela arte religiosa com que cresceu,nomeadamente A obra de El Greco No entanto, o quadro é representativo da maior parte da Movimento de simbolismo do tempo.
Apesar de muitos destes quadros serem famosos e, naturalmente, muito caros, Picasso acabou por descrever as suas obras do Período Azul como "nada mais do que sentimentos".
Retrato de Gertrude Stein (1905)
| Data de conclusão | 1905 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 100 cm x 83 cm |
| Localização | Museu Metropolitano de Arte |
A autora, colaboradora próxima e até benfeitora de Picasso, Gertrude Stein, foi importante no seu crescimento artístico. Este quadro, em que Stein veste o seu casaco de veludo acastanhado preferido, marca um ponto de viragem na sua técnica. Os contornos desta imagem parecem praticamente cinzelados em comparação com o aspecto plano de outros quadros do período Azul e Rosa, e foram influenciados pelaestudo da escultura ibérica antiga.
O fascínio crescente de Picasso pelo rosto de uma pessoa mostrado como uma sucessão de superfícies planas é evidente.
Stein afirmou ter-se sentado para Picasso 90 vezes e, embora este número possa ser exagerado, Picasso debateu-se claramente com a representação da sua cabeça durante um longo período. Um dia, produziu-a completamente, declarando: "Não consigo discernir-te mais quando olho" e, finalmente, abandonou o quadro depois de o ter tentado várias vezes e falhado.pessoa à sua frente.
As Demoiselles d'Avignon (1907)
| Data de conclusão | 1907 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 243 cm x 233 cm |
| Localização | Museu de Arte Moderna |
Mesmo os contemporâneos mais próximos de Picasso ficaram chocados com esta obra, tanto em termos de tema como de técnica. O conceito de mulheres nuas não era invulgar, mas a representação de Picasso das raparigas como prostitutas em poses abertamente sexuais era única. Os rostos em forma de máscara de três das personagens revelam o amor de Picasso pela arte ibérica e indígena, implicando que a sua sensualidade não é apenasagressivo, mas também primitivo.
Pablo Picasso foi ainda mais longe com os seus estudos espaciais, abandonando a ilusão renascentista de tridimensionalidade em favor da apresentação de um plano de imagem severamente achatado, dividido em pedaços geométricos, uma técnica que Picasso tomou emprestado das pinceladas de Paul Cézanne.
A coxa da mulher à esquerda, por exemplo, é retratada como se fosse vista de vários pontos de vista ao mesmo tempo; é impossível distinguir a perna do espaço vazio à sua volta, criando a sensação de que estão ambas em primeiro plano. Quando a fotografia foi finalmente exposta ao público, em 1916, foi amplamente considerada imoral. Braque é um dos poucos pintores que a estudou minuciosamente em 1907,que resultou nas suas obras cubistas com Picasso.
É reconhecido como proto- ou pré-cubismo, uma vez que previu algumas das características do cubismo.
Natureza morta com cana de cadeira (1912)
| Data de conclusão | 1912 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 29 cm x 37 cm |
| Localização | Galeria Nacional, Londres |
Esta peça bem conhecida é frequentemente reconhecida como a primeira colagem em arte moderna Picasso já tinha incluído objectos pré-existentes nas suas obras, mas esta é a primeira vez que o faz com uma intenção tão cómica e dramática. Tal como o nome da obra indica, a cadeira na obra é, na realidade, um tecido estampado e não uma verdadeira cana de cadeira. A corda que envolve a pintura, por outro lado, é bastante real e serve para imitar o rebordo esculpido de uma mesa de café. A pinturapode também ser considerado como um vidro e a cadeira como o lugar do objecto que pode ser visto através da mesa.
Como resultado, a obra de arte não só distorce radicalmente o espaço visual, como é característico da experimentação de Picasso, mas também confunde a nossa compreensão daquilo para que estamos a olhar.
Taça de fruta, violino e garrafa (1914)
| Data de conclusão | 1914 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 92 cm x 73 cm |
| Localização | Galeria Nacional, Londres |
Esta pintura é um exemplo de cubismo sintético, no qual Picasso utiliza uma variedade de métodos para aludir aos objectos apresentados, tais como pontos pintados, sombras e grãos de areia. Picasso "sintetizou" texturas nesta peça de pintura e meios mistos, criando inteiros depois de desconstruir mentalmente os materiais disponíveis.
Picasso restringiu a cor durante o seu período cubista analítico, a fim de se concentrar mais nas formas e dimensões das coisas, o que afectou a sua escolha de naturezas mortas durante todo o período.
A vida do café resumia claramente a vida parisiense actual dos pintores - ele passava muito tempo a falar com pintores - mas a variedade básica de objectos também permitia evitar preocupações metafóricas.
Ma Jolie (1912)
| Data de conclusão | 1912 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 100 cm x 64 cm |
| Localização | Museu de Arte Moderna |
Outro dos quadros mais famosos de Picasso, Ma Jolie Ao reduzir a cor e aumentar a aparência da escultura em baixo-relevo, Picasso aproxima-se da abstracção, baseando-se nos contornos geométricos de obras anteriores. Por outro lado, Picasso utilizou palavras pintadas como parte da sua tela. Devido à escolha de um tipo de letra publicitário, a palavraA inscrição "ma Jolie" na frente não só consolida o campo, como também relaciona a obra de arte com um cartaz publicitário.
É a primeira vez que um pintor incorpora abertamente aspectos da cultura popular na arte.
Foi também utilizado como nome de uma canção de renome na época e também como pseudónimo da noiva de Picasso, ligando ainda mais o quadro à cultura popular. A figura de Ma Jolie O cubismo analítico caracteriza-se por esta característica.
Picasso e Georges Braque têm assinaturas artísticas semelhantes. Ambos os artistas utilizaram uma variedade de técnicas de representação ao mesmo tempo.
Uma massa triangular proeminente na obra de arte denota a sua cabeça e o seu corpo. Picasso retratou as cordas de uma guitarra agrupando linhas verticais na parte inferior central. A senhora a dedilhar este instrumento cria uma imagem com a qual muitas pessoas se podem identificar.
Os três músicos (1921)
| Data de conclusão | 1921 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 204 cm x 188 cm |
| Localização | Museu de Arte de Filadélfia |
As pinturas dos músicos de Pablo Picasso apresentam-se em duas variantes. Esta versão mais pequena pode ser vista no Museu de Arte de Filadélfia, embora ambas sejam gigantescas para a fase cubista de Picasso, que terá optado por criar em tão grande escala para comemorar o fim do seu Cubismo Sintético, que o preocupou durante mais de dez anos. Foi criada na mesma época que a obra clássica Três mulheres na Primavera (1921), que é bastante diferente.
Picasso está sentado no meio, como sempre o Arlequim, com Max Jacob e Guillaume Apollinaire de cada lado, de quem se tinha afastado.
Numa pequena câmara em forma de caixa, Picasso retrata três músicos formados por formas abstractas planas e de cores vivas. Um clarinetista está à esquerda, um guitarrista está no meio e um cantor agarrado a partituras está à direita. Estão vestidos como personagens bem conhecidas, incluindo o Pierrot num fato azul e branco, o Arlequim num fato com padrões amarelos e laranja e um monge à direita.Uma mesa com um cachimbo e outros objectos está à frente de Pierrot, e por baixo dele está um cão cujo estômago, pernas e traseiro espreitam por baixo das pernas do artista.
Tudo nesta imagem é composto por formas planas, tal como o palco em que os três artistas actuam.
O chão castanho por detrás destes músicos está num local distinto, estendendo-se consideravelmente mais para a esquerda do que para a direita. O espaço desequilibrado é criado pelo chão e pelas paredes planas que enquadram o plano, mas os músicos parecem estar estáveis. Como as formas que os compõem se cruzam e sobrepõem, como se fossem recortes de papel, é difícil determinar onde começa um músico e onde começa outrotermina.
Três mulheres na Primavera (1921)
| Data de conclusão | 1921 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 204 cm x 174 cm |
| Localização | Museu de Arte Moderna |
Para pintar este que é o seu mais complexo retrato de um tema clássico antigo, Picasso efectuou um estudo significativo. Respeita as obras anteriores de Poussin e Ingres, dois titãs da pintura tradicional, mas também toma elementos de Esculturas gregas Segundo os críticos, o tema atraiu-o por causa do nascimento do seu primeiro filho, e a melancolia das figuras pode ser explicada pelo actual fascínio da França pela comemoração dos mortos na Primeira Guerra Mundial.
A vibração primordial e mediterrânica desta bela pintura é mais um exemplo colorido das gigantescas figuras neo-clássicas de Picasso.
As três senhoras surgem da paisagem rochosa como esculturas em relevo maciço, com as suas feições cinzeladas e os seus contornos exageradamente escultóricos, evocando formas helenísticas tardias ou provinciais. As feições altamente talhadas, bem como as linhas profundas escavadas para significar as dobras dos vestidos, contrastam com a invulgar rotundidade dos corpos.
O relevo acentuado criado pela largura alargada destas dobras e a aplicação dramática da cor para as produzir - de qualidade prateada contra o azul brilhante - contrasta com o fundo castanho-alaranjado das rochas.
Guernica (1937)
| Data de conclusão | 1937 |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Dimensões | 250 cm x 777 cm |
| Localização | Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia |
Picasso criou esta pintura em protesto contra o bombardeamento de Guernica, uma cidade basca, em 26 de Abril de 1937, durante a Guerra Civil Espanhola. Demorou menos de um mês a produzir e funcionou como ponto central da exposição de Espanha durante a Feira Mundial de Paris de 1937, tendo sido posteriormente proibida de ser exibida em Espanha até ao derrube do tirano militar Francisco Franco, em 1975,Muitas horas foram gastas a compreender o significado do quadro, e alguns acreditam que o cavalo sofredor no centro do quadro representa os espanhóis.
Esta obra é considerada um híbrido dos géneros pastoril e épico. A ausência de cor acentua o dramatismo, conferindo à imagem um carácter jornalístico semelhante ao de uma fotografia.
Guernica Patricia Failing, historiadora de arte, declarou: "Na cultura espanhola, o touro e o cavalo são figuras proeminentes. Picasso certamente empregou essas figuras para desempenhar uma série de papéis durante sua vida.significados extremamente difíceis.
A sua ligação é um ballet que Picasso imaginou sob várias formas ao longo da sua carreira." Alguns opositores desaconselham a crença Guernica Por exemplo, o touro furioso, um símbolo significativo de devastação nesta obra, já apareceu anteriormente como alter ego de Picasso, quer como touro quer como Minotauro. No entanto, neste caso, o touro significa provavelmente o ataque do Fascismo.
Picasso explicou que simbolizava a crueldade e a escuridão, o que aparentemente é uma referência à sua obra profética.
Disse também que o cavalo simbolizava o povo de Guernica. O espírito de patriotismo e justiça de Picasso triunfou sobre a sua localização actual. Quando os nazis atacaram a aldeia espanhola de Guernica, em 1937, Picasso não visitava o seu país há vários anos. Nessa altura, residia em Paris e nunca mais voltou a viver na sua terra natal. Apesar disso, o ataque, quemulheres e crianças assassinadas, abalou o artista até ao seu âmago.
Auto-retrato perante a morte (1972)
| Data de conclusão | 1972 |
| Médio | Giz de cera |
| Dimensões | 65 cm x 50 cm |
| Localização | Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia |
Este não é apenas um dos retratos de Picasso, mas é também um dos seus últimos quadros. Picasso pintou até à sua morte, aos 91 anos, e os anos que o precederam foram definidos pela sua prodigiosa produção. O último quadro de Pablo Picasso foi uma pintura a lápis de cera sobre papel que demorou vários meses a realizar e é uma das suas mais famosas obras de fim de carreira.
Picasso "segurou o desenho junto ao rosto para enfatizar que a expressão de terror era uma invenção", de acordo com o companheiro de Picasso, Pierre Daix, que acrescentou que, quando regressou ao atelier de Picasso meses mais tarde, o desenho tinha linhas ainda mais grosseiras.
Daix escreveu: "Não pestanejou. Tive a sensação surpreendente de que, como um bom espanhol, estava a encarar a sua própria mortalidade." A derradeira interpretação dos retratos de Picasso, feita em verde enjoativo e rosa leitoso, é como uma máscara de puro medo. O olhar arregalado do indivíduo perfura o observador, implicando que ele não está a aceitar a sua morte iminente.
Por volta de 1907, uma enxurrada de influências, desde Van Gogh à arte tribal, levou Picasso a dar mais peso e estrutura às suas figuras, o que acabou por conduzi-lo ao cubismo, com o qual desafiou as convenções da perspectiva renascentista na arte.
Veja a nossa história na Web "Os quadros mais famosos de Picasso" aqui!
Perguntas mais frequentes
Quem é Pablo Picasso?
Pablo Picasso é geralmente considerado um dos artistas mais significativos e conhecidos do século XX. É considerado um criador de tendências criativas e um co-fundador da estética cubista. O cubismo foi um movimento proeminente na Europa que melhorou a face da pintura e da escultura, bem como os projectos arquitectónicos, a música e a poesia. As ideias e os objectos cubistas são dissecados e reconstruídos de forma abstracta.
O que é que a arte de Pablo Picasso tinha de significativo?
As pinturas mais famosas de Picasso exploravam uma técnica que utilizava maioritariamente tons neutros e se concentrava em separar as coisas e avaliá-las à luz das suas formas. O cubismo teve um efeito significativo na evolução da arte do mundo ocidental, nomeadamente na segunda versão definida como Cubismo Sintético. Quando Picasso fundou o cubismo em 1910, a sua influência foi tão extensa que produziuramificações como o movimento Dada.