R embrandt Harmenszoon van Rijn é um dos principais mestres holandeses, ao lado de outros como Jan Vermeer. Ao longo da sua carreira artística, Rembrandt experimentou muitos temas. Desde os retratos dos seus primeiros anos até às cenas bíblicas, Rembrandt destacou-se. Neste artigo, analisamos mais de perto a vida e as obras deste grande artista holandês.
Biografia de Rembrandt: Quem é Rembrandt?
Talvez já tenha ouvido o seu nome, mas quem é exactamente Rembrandt? Rembrandt van Rijn teve uma vida cheia de variedade e tragédia. Depois de uma juventude brilhante de sucesso exponencial, a vida de Rembrandt deu uma volta descendente. Apesar do seu sucesso esmagador, as dificuldades financeiras marcaram grande parte da sua vida. Talvez lutar seja a maldição de todos os grandes artistas, e Rembrandt foi certamente um grande artista. Há aproximadamentecinco períodos de Rembrandt, e cada um difere distintamente no seu estilo e temas.
| Nacionalidade | holandês |
| Data de nascimento | 15 de Julho de 1606 |
| Data do óbito | 4 de Outubro de 1669 |
| Local de nascimento | Leiden, República dos Países Baixos |
O início da vida de Rembrandt: Onde nasceu Rembrandt?
Ao contrário de muitos outros artistas do seu tempo, Rembrandt não provinha de uma família artística. Então, onde nasceu Rembrandt? Em 1606, em Leiden, Rembrandt nasceu de um pai moleiro e de uma mãe padeira, na República Holandesa. Os pais de Rembrandt tiveram um total de dez filhos, mas apenas seis sobreviveram. Ambos os pais de Rembrandt eram religiosos, sendo que o seu pai pertencia à Igreja Reformista Holandesa eEmbora grande parte da obra de Rembrandt tenha uma profunda iconografia religiosa, não existem provas das suas próprias crenças religiosas.
Como era habitual na época, Rembrandt frequentou uma escola primária e depois estudou na Escola Latina de Leiden. A Escola Latina centrava-se principalmente nos estudos clássicos e bíblicos, e a sua passagem por esta escola terá provavelmente preparado o caminho para as suas futuras pinturas e gravuras. Muitos historiadores de arte acreditam que a sua capacidade única de encenar figuras nas suas pinturas se deveu à ênfase que aNão sabemos se Rembrandt terminou o seu tempo na Escola Latina, mas muitos acreditam que ele deixou a escola mais cedo para prosseguir a sua formação em pintura.
Auto-retrato num Gorget (1629), pintada por Rembrandt com cerca de 23 anos de idade; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
Formação artística
Entre 1620 e 1625, Rembrandt fez a sua formação artística e, como era costume na época, teve dois mestres. O primeiro mestre de Rembrandt foi Jacob van Swanenburgh, também natural de Leiden, que ensinou a Rembrandt os conhecimentos e as técnicas fundamentais da pintura durante cerca de três anos.
O primeiro mestre de Rembrandt especializou-se em cenas do mundo subterrâneo e do inferno, bem como em peças arquitectónicas. A necessidade de pintar o fogo e os seus reflexos deve estar subjacente ao seu fascínio duradouro pela luz.
Depois de ter trabalhado com van Swaneburgh, Rembrandt passou seis meses a estudar com um segundo mestre, Pieter Lastman, um pintor de história, e foi com ele que Rembrandt conseguiu dominar este género de pintura em particular. O género de pintura de história centrava-se em figuras históricas, bíblicas, alegóricas e mitológicas em cenários complexos.
A pintura de história ocupava o lugar cimeiro na hierarquia da pintura da época, pois exigia o domínio de quase todos os temas, incluindo paisagens, naturezas-mortas, trajes, animais, arquitectura, figura humana, trajes, panejamentos e expressões diversas.
Há também argumentos de que Rembrandt pode ter tido alguma formação estilística com Jan Lievens. Lievens era uma espécie de criança prodígio e, embora fosse um ano mais novo do que Rembrandt, já era um artista plenamente desenvolvido na altura em que Rembrandt estava a treinar. Os estudiosos sabem que, depois de Rembrandt ter regressado a Leiden por volta de 1625, ele e Lievens trabalharam juntos durante vários anos.
O período de Leiden: 1625 - 1631
Este é o primeiro dos cinco períodos de Rembrandt. Após o seu regresso a Leiden em 1625, Rembrandt estabeleceu-se como um mestre independente. Foi durante os seis anos seguintes que Rembrandt preparou o terreno para as obras que se seguiriam. Podemos ver claramente a influência do estilo de Lastman nestas primeiras pinturas de Rembrandt.
Este método de desmontar a composição do seu mestre e voltar a montar os elementos era típico da época, e muitos dos alunos de Rembrandt faziam o mesmo.
A maioria das pinturas de Rembrandt do seu período de Leiden eram pinturas históricas mais pequenas.
Rembrandt também pintou vários tronies , que são pinturas de trajes do Médio Oriente e de outros países asiáticos, que representam a bravura e a piedade. tronies não eram retratos, mas deve ter havido pessoas que posaram para eles.
Durante o seu período em Leiden, muitos acreditam que Rembrandt poderá ter partilhado o seu estúdio com Lievens. Juntos, os jovens artistas fizeram experiências com a consistência da tinta. A dupla utilizou variações na superfície da tinta para executar diferentes superfícies. De facto, houve algumas sugestões de que os dois poderão ter estado em competição, pois ambos produziram pinturas do mesmo tema em várias ocasiões.
Pinturas da época de Leiden: evolução da iluminação
Entre 1627 e 1629, Rembrandt sofreu uma rápida transformação no seu estilo. As pinturas que produziu pouco depois de regressar a Leiden têm uma qualidade que se assemelha a trabalhos de cera. As figuras estão dispostas claramente num espaço organizado, como actores, iluminados por uma luz uniforme. Pode ver-se o desenvolvimento das suas técnicas em O artista no seu estúdio (1628) e Judas arrependido (1628/9).
O artista no seu estúdio (1628) de Rembrandt durante o seu período de Leiden; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
Foi a iluminação que evoluiu nas suas obras durante este período. Rembrandt começou a exagerar o decrescimento à medida que a composição se afastava da fonte de luz. Também concentrou a força da luz no centro, fazendo com que a luz parecesse um holofote.
Rembrandt apercebeu-se de que, para tornar a fonte de luz mais realista nas suas pinturas, precisava de deixar áreas significativas da tela banhadas pela sombra.
No seu Dois velhos a discutir (1628), Rembrandt apresenta um novo método de iluminação, agrupando todos os objectos iluminados da pintura numa única área. Como resultado, Rembrandt não precisou de uma grande quantidade de sombras para separar estas formas. Aglomerados de tons mais escuros coerentes no fundo e no primeiro plano rodeiam esta área de luz.
Dois velhos a discutir (1628) de Rembrandt durante o seu período de Leiden; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
Rembrandt não só conseguiu criar um centro de luz intenso, quase como uma fornalha, como também criou um forte sentido de unidade dentro da composição, sendo possível a um observador apreender rapidamente todo o quadro com um único olhar, graças a esta unidade.
Para criar este efeito, Rembrandt teve de fazer alguns sacrifícios. Em primeiro lugar, para manter a unidade tonal, teve de sacrificar uma grande quantidade de pormenores. Outra coisa que Rembrandt teve de sacrificar foi a utilização de cores brilhantes e saturadas. As cores fortes diminuiriam o efeito que Rembrandt desejava.
Gravuras do período de Leiden
Rembrandt fez as suas primeiras gravuras durante o seu primeiro período em Leiden, por volta de 1628. A decisão de começar a experimentar a gravura foi um momento significativo na carreira de Rembrandt. Enquanto o desenho é uma contrapartida natural da pintura, a gravura não o é. Como se veio a verificar, começar a criar gravuras impulsionou-o para a fama internacional. Ao longo da sua carreira, Rembrandt divulgou amplamente as gravurasdas suas cerca de 300 gravuras.
Ao analisar as suas primeiras gravuras do período de Leiden, os historiadores determinaram que Rembrandt era provavelmente autodidacta. Em contraste com muitos dos seus contemporâneos que utilizavam as técnicas de hachura regulares e altamente estilizadas, Rembrandt utilizava uma técnica de gravura muito mais solta e livre, que parece, à primeira vista, um pouco nervosa.
No entanto, esta nova técnica foi benéfica para Rembrandt, que conseguiu criar gravuras que pareciam mais esboços e pinturas.
Mais uma vez, podemos ver o domínio de Rembrandt sobre a luz em suas gravuras pictóricas. Ele consegue alcançar um jogo incrivelmente sugestivo de sombra e luz, usando diferentes métodos de hachura para criar um espaço atmosférico convincente. Ao longo de sua carreira, Rembrandt passou por muitas etapas em sua prática de gravura. Novos desenvolvimentos tecnológicos permitiram que os historiadores investigassem seu trabalhoe determinaram que provavelmente imprimiu as suas próprias gravuras.
A Mãe do Artista: Só a cabeça, rosto inteiro (1628), gravura em água-forte sobre papel, estado ii/ii; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
O primeiro período de Amesterdão: 1631 - 1635/36
Ao contrário de muitos artistas do seu tempo, que viajaram extensivamente por toda a Europa, Rembrandt nunca deixou a República Holandesa, mas deslocou-se dentro do seu país e, após pouco menos de uma década em Leiden, Rembrandt mudou-se para Amesterdão. Enquanto Leiden estava em declínio, Amesterdão era um centro de arte próspero e em crescimento.
Em 1631, Rembrandt estabelece uma relação comercial com um empresário de pintura de Amesterdão, Hendrick Uylenburgh, que possuía uma extensa oficina que, entre outras coisas, realizava restauros, pintava retratos e produzia cópias.
Ao mudar-se para uma nova cidade, era essencial para um artista tornar-se mestre da guilda. Este estatuto, e só ele, permitia ao artista vender as suas obras nessa cidade. Para Rembrandt, no entanto, este processo não foi tão simples como deveria ter sido.
Antes de um artista se tornar mestre da guilda de uma cidade, tinha de trabalhar na oficina de um mestre local durante um ou dois anos. Este processo é provavelmente a razão pela qual Rembrandt se mudou para a oficina de Uylenburgh. Enquanto trabalhava na oficina de Uylenburgh durante quatro anos, Rembrandt casou com Saskia van Uylenburgh, sobrinha de Uylenburgh.
Retratos de Rembrandt no primeiro período de Amesterdão
Entre 1631 e 1635, Rembrandt produziu um número significativo de retratos no atelier de Uylenburgh, que eram frequentemente pares de pingentes e, por vezes, retratos de grupo, como A lição de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp, que Rembrandt pintou em 1632.
Aula de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp (1632) de Rembrandt durante o seu primeiro período em Amesterdão; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
O sucesso de Rembrandt deveu-se à sua capacidade de dar muito mais vida aos seus retratos do que os retratistas que dominavam a cena de Amesterdão.
Os retratos de Rembrandt têm contornos dinâmicos mas simples e uma quantidade limitada de pormenores.
Como resultado, conduziu o olhar do observador directamente para o rosto e para a vitalidade da figura, evitando qualquer distracção. A experimentação de Rembrandt com diferentes consistências de tinta em Leiden também o colocou em boa posição para representar a pele humana com um detalhe excepcional.
Rembrandt continua a jogar com a luz ao longo dos seus retratos. Quase sempre, Rembrandt posiciona a pessoa de modo a que o seu rosto fique em ângulo. Este ângulo cria uma linha de demarcação ao longo do nariz entre as áreas de iluminação e de sombra. O posicionamento dos rostos de Rembrandt produz uma divisão dramática entre o fluxo de luz que ilumina a parte da frente do rosto e os recessos sombriosem segundo plano.
Outra característica significativa do retrato de Rembrandt é o posicionamento fluido dos seus retratados. As suas pinturas de retrato distinguem-se da formalidade rígida de muitos outros retratistas Em vez disso, as representações de Rembrandt comunicam a sua profunda compaixão por toda a humanidade, independentemente da idade, riqueza ou estatuto.
Embora fosse hábil a captar o olhar do espectador, a sua capacidade de captar a semelhança dos seus assistentes não era superior. Basta comparar os seus auto-retratos autênticos para ver as diferenças fisionómicas consideráveis entre eles. Em comparação com outros artistas, Rembrandt produziu os retratos menos exactos.
O retrato de Johannes Wtenbogaert, o famoso pregador Remonstrante banido, é o melhor exemplo desta discrepância. Comparando a pintura de Rembrandt com as de Jacob Adriaenszoon e Michiel Janszoon van Mierevelt, é evidente qual delas peca por falta de semelhança.
De acordo com as análises estilísticas, parece que Rembrandt pode ter tido a ajuda ocasional de outros para os seus retratos. Esta ajuda não se deveu à sua falta de habilidade, mas era o costume nos ateliers de retratos. Por exemplo, na obra de Rembrandt Retrato de Johannes Wtenbogaert (1633), as mãos são estilisticamente diferentes e foram claramente pintadas por um assistente de estúdio.
Retrato de Johannes Wtenbogaert (1633) de Rembrandt durante o seu primeiro período em Amesterdão; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
A religião no primeiro período de Amesterdão
Não existe consenso entre os historiadores sobre a extensão das crenças religiosas de Rembrandt, mas a religião foi um tema proeminente nas suas obras ao longo da sua carreira. Durante o seu primeiro período em Amesterdão, Rembrandt criou muitas pinturas de história, muitas vezes cenas bíblicas.
Muitos destes quadros bíblicos apresentavam-se sob a forma de grisailles ou de obras em tons de cinzento. Os historiadores acreditam que Rembrandt pintou estas obras como precursoras de uma ambiciosa série de gravuras, destinadas a constituir uma série da Paixão, que infelizmente permanece inacabada.
Não era raro Rembrandt pintar-se a si próprio, aos amigos e à família nas suas cenas bíblicas. Há quem sugira que, apesar de não ter uma filiação religiosa clara, Rembrandt via a Bíblia como um diário pessoal. Em 1661, pintou São Paulo como ele próprio. Talvez este auto-retrato fosse um comentário às suas crenças pessoais. São Paulo tinha avisado contra a tendência dos primeiros cristãos paraseparam-se em seitas.
Auto-retrato do apóstolo Paulo (1661) de Rembrandt durante o seu primeiro período em Amesterdão; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
O segundo período de Amesterdão: 1635 - 1642
O segundo período de Rembrandt em Amesterdão começou depois de ter deixado o atelier de Uylenburgh em 1635. Rembrandt começou a estabelecer-se como artista por direito próprio, acabando por comprar uma casa. No entanto, Rembrandt não a pagou na totalidade e, como resultado, teve problemas financeiros significativos nos anos posteriores.
Os anos em torno de 1640 foram, sem dúvida, o ponto mais alto da carreira de Rembrandt. Nesses anos, a fama de Rembrandt cresceu exponencialmente, de tal forma que foi apelidado de "um dos pintores mais estimados" do século. Na Europa, durante esse período, havia uma população crescente de amantes da arte. O objectivo do amante da arte era compreender as pinturas para poder discutir comoutros amantes e até os próprios artistas.
Os amantes da arte inspiraram-se nas extraordinárias relações entre artistas e mecenas da antiguidade, como Alexandre, o Grande, e Apeles, o pintor da sua corte.
Durante os finais da década de 1630, Rembrandt preocupou-se cada vez mais com Leonardo da Vinci. pintura Última Ceia (Rembrandt produziu várias variantes esboçadas desta composição e, a partir destes esboços, podemos ver que Rembrandt estava interessado no problema da simetria no agrupamento das figuras.
O casamento de Sansão (1638) de Rembrandt durante o seu segundo período em Amesterdão; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
Rembrandt tentou ultrapassar Da Vinci na sua composição de O casamento de Sansão (1638), Rembrandt conseguiu criar uma composição muito mais viva do que a de Da Vinci. O casamento de Sansão foi um dos muitos retratos de grupo produzidos por Rembrandt no início da década de 1640.
De 1640 a 1642, Rembrandt parece ter-se ocupado principalmente com a criação de um grande retrato de grupo da companhia da milícia cívica de Amesterdão, pintura que é actualmente uma das obras mais famosas de Rembrandt, A vigília nocturna (1642), a pintura apresenta 34 figuras, incluindo 18 homens da milícia e 16 figuras aleatórias para dar corpo à cena.
A vigília nocturna (1642)
Ao longo da sua carreira, Rembrandt produziu inúmeras obras famosas, e A vigília nocturna Hoje em dia, todos os lados do quadro estão recortados, o que faz com que o capitão e o seu tenente sejam empurrados para o centro da moldura. Esta alteração da composição prejudica a intenção de Rembrandt para esta peça - criar uma obra de unidade. Podemos ver a composição original, muito mais coerente e dinâmica, numa cópia de Gerrit Lundens.
O actual estado de recorte desta pintura permite também iluminar o problema mais crucial desta obra. O problema é simultaneamente o aspecto mais interessante, que é o uso da iluminação. Há duas figuras com iluminação intensa, que dominam a composição. A primeira é o tenente. A segunda figura é a rapariga no meio do fundo. Ambas as figuras estão vestidas de amarelo.Esta escolha de vestuário reforça o efeito da luz e provoca um efeito de duplo foco.
A vigília nocturna (1642) de Rembrandt durante o seu segundo período em Amesterdão; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
Como resultado deste efeito, a pintura parece ter valores tonais muito suaves. Esta escuridão contribuiu certamente para a atribuição do nome à pintura. Van Hoogstraten, um antigo aluno de Rembrandt, queixou-se da falta de luz nesta pintura, apesar de elogiar a unidade da composição. Pensa-se que estes comentários podem ter contribuído para o mito da rejeição de Vigilância nocturna e a queda de Rembrandt.
Pode encontrar Relógio Nocturno e muitas outras obras de Rembrandt e Quadros de Vincent van Gogh Os museus estão situados muito perto um do outro, em Amesterdão, onde Rembrandt morreu, apesar de estarem muito longe do local onde van Gogh morreu, em Auvers-sur-Oise.
O Terceiro Período de Amesterdão: 1643 - 1658
A sua produção alterou-se drasticamente na década seguinte. Não produziu um único retrato pintado, possivelmente por não ter recebido encomendas ou por ter rejeitado as que recebeu. Rembrandt também abrandou muito a sua produção. A sua produção de pinturas diminuiu drasticamente e as poucas que criou variavam significativamente em estilo, tamanho e tema. Esta escassez deA produção da pintura continua a ser um mistério, mas os rumores em torno da Vigilância nocturna contribuíram para o desenvolvimento do "mito Rembrandt".
De acordo com este mito, Rembrandt tornou-se cada vez mais incompreendido e ignorado após Vigilância nocturna Como resultado desta falta de atenção, Rembrandt ficou cada vez mais apertado financeiramente, acabando por falecer na pobreza. Muitos defensores deste mito acreditam que a sua arte se tornou mais profunda durante este período.
O moinho (1648) de Rembrandt durante o seu terceiro período em Amesterdão; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
Rembrandt tornou-se cada vez mais honesto e fiel a si próprio; o génio classicamente incompreendido. Este mito deve muito da sua formulação ao modelo Saul-Paul de escrita biográfica. Segundo este modelo, uma conversão ou crise cria uma mudança súbita na direcção da vida do sujeito.
Segundo o mito, a rejeição de Vigilância nocturna Este mito é rejeitado por muitos historiadores de arte porque existe uma espantosa falta de apoio para o mesmo. Não existem provas suficientes para sugerir uma rejeição séria do mito de Rembrandt. Vigilância nocturna - Rembrandt foi pago pelo quadro e este permaneceu em exposição.
O que se pode dizer das pinturas esparsas e da variação no estilo do seu terceiro período de Amesterdão é que Rembrandt parecia estar à procura de algo. Foi durante este período que começou a desenvolver o seu estilo tardio.
O estilo tardio de Rembrandt
Há três elementos-chave no estilo tardio de Rembrandt: a utilização da luz passa por outra transformação e começa a utilizar pinceladas mais largas. Apesar desta pincelada mais larga, a terceira parte essencial do seu estilo tardio é o aumento do estilo pictórico da sua obra.
O uso crescente de pinceladas mais largas por parte de Rembrandt é provavelmente o aspecto mais óbvio do seu estilo tardio. Embora a diferenciação das suas pinceladas seja extraordinária, as pinceladas individuais permanecem muitas vezes visíveis. Em qualquer escala em que Rembrandt aplicasse a pincelada, parecia que o acaso estava mais do que nunca no controlo. Estas obras posteriores pareciam ter sido criadas quase acidentalmentecom uma liberdade desenfreada que Rembrandt nunca tinha demonstrado antes.
A conspiração de Claudius Civilis (1661) de Rembrandt, no seu estilo tardio, representa um juramento batavo a Gaius Julius Civilis, chefe da rebelião batava contra os romanos em 69 d.C; Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons
Apesar desta liberdade de pincelada, o trabalho tardio de Rembrandt não parece ser esboçado ou menos imaculado do que antes. Pelo contrário, a sua execução pictórica e intensidade de observação apenas aumentam. Enquanto a pincelada parece cheia de vida e movimento, as figuras nas suas pinturas parecem manter uma maior quietude do que antes. Desapareceu a vivacidade natural que era característica do seu trabalho anterior.Esta quietude não é o mesmo que rigidez, mas as suas figuras parecem estar num estado de dinamismo potencial.
Nos seus primeiros trabalhos, Rembrandt concentrou-se em criar uma hierarquia de intensidade de luz nas suas obras, mas esta lógica parece assumir uma qualidade mágica nas suas últimas obras.
Aristóteles com um busto de Homero (1653), que faz parte de uma série de sete pinturas de Rembrandt; Rembrandt, Domínio público, via Wikimedia Commons
Nas suas obras posteriores, o forte efeito de holofote é substituído por uma luz que parece irradiar da figura e permanecer à sua volta. Pode ver-se a forma como a luz parece irradiar de uma forma ilógica à volta do busto de Homero em Aristóteles (1653) O mesmo efeito pode ser observado em Conspiração dos Batavianos (1661) e A bênção de Jakob (1656).
Rembrandt é, sem dúvida, um dos mais célebres pintores europeus e a sua obra continua a ser uma das mais valiosas. Embora pouco se saiba sobre a sua vida pessoal, existe uma vasta informação que informa a biografia de Rembrandt. As suas pinturas distinguem-se pelo seu incrível domínio da luz, pela sua capacidade única de reproduzir texturas com um pormenor exacto e pela compaixão e vida quesoprou nas suas figuras.