- História tradicional dos índios
- Estilos de arte tradicional indiana
- Artistas indianos importantes e as suas obras famosas
- Perguntas frequentes
Das antigas obras de arte indianas à próspera arte moderna da Índia, a vívida tradição visual do país é o produto de uma gama diversificada de influências culturais. Os desenhos brilhantes, diversificados e cativantes que retratam muitas civilizações diferentes demonstram a variedade de estilos de arte indiana desta região. Porque várias das principais religiões do mundo, incluindo o hinduísmo, o islamismo e o budismo,A maioria das obras de arte tradicionais indianas é de natureza política ou religiosa. As obras de arte indianas abordadas neste artigo incluem pinturas e esculturas indianas.
História tradicional dos índios
A arte indiana tem um grande sentido de design que pode ser visto tanto na arte indiana moderna como na antiga. Estas obras de arte indianas antigas podem ser rastreadas até às comunidades antigas por volta do terceiro milénio a.C. A arte tradicional indiana inclui várias formas criativas, tais como esculturas, cerâmicas, artes têxteis e pinturas de artistas indianos.
História da arte tradicional indígena
Os arqueólogos descobriram obras de arte rupestre pré-históricas que remontam a, pelo menos, 290 000 anos neste local. Os petróglifos de Bhimbetka, no centro da Índia, são os espécimes mais antigos. Este era o tipo dominante de pintura rupestre do Paleolítico ao Neolítico, apresentando frequentemente figuras humanas e animais.
A Civilização do Vale do Indo produziu as primeiras esculturas indianas conhecidas entre 2.500 e 1.800 a.C. Fabricavam miniaturas em terracota e bronze de animais e seres humanos, como gado e primatas.
O desenvolvimento do budismo, no século VI a.C., abriu a porta à arte religiosa, geralmente sob a forma de estátuas de bronze e de pedra. Durante este período, os pintores religiosos também experimentaram a construção de templos de pedra maciça adornados com colunas de estilo grego. A escultura tradicional indiana era popular entre os hindus e os budistas. O hinduísmo continuou a ser uma das principais prioridades da arte indiana durantegerações, sendo populares as estátuas de divindades como Shiva.
Sarnath Capital do Leão de Ashoka (cerca de 250 a.C.), situada no Museu de Sarnath, perto de Varanasi, Índia; Chrisi1964, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
No século XVI, o Islão tinha crescido em proeminência sob o Império Mughal e a criação de obras de arte indianas tinha aumentado sob os monarcas islâmicos. As artes floresceram durante este período e a construção do Taj Mahal começou em 1631. O envolvimento britânico na Índia começou no século XVIII, quando foram fundadas escolas de arte para promover as formas europeias.
Consequentemente, os estilos artísticos indígenas misturaram-se com culturas externas e as formas de arte antigas foram por vezes glorificadas ou exageradas para atrair clientes europeus.
A Índia conquistou a soberania do império britânico em 1947, o que levou os pintores indígenas a procurar um novo estilo, incorporando componentes tradicionais e inspirações do rico passado do país nas obras de arte indianas modernas.
Estilos de arte tradicional indiana
Cada região da Índia tem o seu estilo de arte particular. Os motivos religiosos estão entre os mais populares, com figuras lendárias de animais e de seres humanos, bem como uma decoração rica. A escultura e as pinturas de artistas indianos têm sido as formas de arte mais proeminentes ao longo da história da Índia, bem como a sua magnífica arquitectura.
Pinturas indianas
Cada estilo de pintura que surgiu na Índia simbolizava tradições, práticas e ideias que tinham sido transmitidas pelas gerações passadas. Embora as primeiras pinturas indianas fossem criadas em paredes, a forma de arte foi mais tarde adaptada a materiais mais contemporâneos, como papel, tecido, tela e outros materiais.
Alguns dos estilos de arte popular indiana mais proeminentes são aqui enumerados.
Krishna a tocar flauta (ca. 1790 - 1800), da região de Guler/Kangra, aguarela opaca e ouro sobre papel; Galeria de Arte Freer CC0, via Wikimedia Commons
Pinturas de Madhubani
As pinturas Madhubani estão entre as mais conhecidas da Índia. Este estilo começou como um tipo de pintura mural na área de Mithila, em Bihar, mas não era geralmente reconhecido no mundo ocidental até o funcionário do governo britânico e historiador de arte W.G. Archer o ter descoberto em 1934, enquanto inspeccionava os danos de um terramoto na fronteira entre o Nepal e a Índia.
O estilo Madhubani distingue-se por uma representação directa e viva da tradição e da cultura, geralmente representando temas míticos.
Pintura Madhubani com Deus Shiva-Parvati e os Mahavidyas ; toyin adepoju, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Neste estilo, os artistas combinam imagens coloridas com padrões simples, que frequentemente apresentam desenhos de flores, animais ou pássaros. A forma de arte é praticada numa variedade de géneros, como Katchni, Bharni, Tântrico e Godna.
Pinturas em miniatura
Encontradas pela primeira vez em folhas de palmeira, criadas para os mercadores que as transportavam por todo o país nos séculos X e XII, estas pequenas obras eram sobretudo criadas como imagens para manuscritos. Ao longo das cortes Mughal e Rajput, a forma de arte cresceu em importância.
As pinturas em miniatura eram elaboradas e pormenorizadas, com base em métodos persas, e os temas variavam entre situações históricas e religiosas e situações comuns.
Akbar montado no elefante Hawa'I a perseguir outro elefante; Victoria and Albert Museum, domínio público, via Wikimedia Commons
Pinturas de Pattachitra
Este estilo, que remonta ao século XII a.C. em Orissa, é um outro tipo de pintura primitiva, que ainda hoje é produzida nas pequenas povoações da região. Pattachitra significa literalmente "imagem de pano", o que descreve com exactidão este tipo clássico de pintura em pergaminho, baseada em tecido.
As pinturas, conhecidas pelas suas complexidades pormenorizadas e temas lendários, utilizam linhas angulares e agressivas e são fortemente influenciadas pelas influências da era Mughal.
Odisha Pattachitra com a representação de Radha Krishna; Shakti, CC BY-SA 1.0, via Wikimedia Commons
Pinturas Warli
As pinturas populares Warli, um tipo de arte tradicional indiana, existem há 2500 anos. O estilo desenvolveu-se em Maharashtra, um estado no centro-oeste da Índia, e ainda hoje é comummente executado. As pinturas Warli, que são frequentemente pintadas nas paredes das cabanas, utilizam cores lineares e monocromáticas e uma forma básica de execução que imita a pintura rupestre.
Em contraste com outros estilos de arte tribal, que utilizam uma infinidade de cores, este estilo utiliza tons de terra e tons neutros para mostrar as rotinas quotidianas dos povos indígenas, como a caça, a agricultura e a dança.
Pintura Warli de Maharastra; [//www.flickr.com/people/ [email protected] Jean-Pierre Dalb�ra] de Paris, França, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Embora Pattachitra, Warli, Madhubani e as pinturas em miniatura sejam algumas das formas mais conhecidas, existem numerosas variedades adicionais de arte popular indiana provenientes de várias épocas e locais do subcontinente, incluindo:
- Quadros de Thanjavur Pinturas de painéis de cores vivas, feitas sobre uma prancha de madeira, com um deus como tema predominante.
- Pinturas Kalamkari Pinturas em tecido de algodão estampado em blocos, fabricado nas regiões indianas de Telangana e Andhra Pradesh, que tem uma forte relação com temas persas e foi originalmente empregue na confecção de pergaminhos e painéis narrativos.
- Pinturas Gond Estilo artístico: Este estilo de arte glorifica a natureza, representando desde a folhagem exuberante até aos animais. As obras de arte são compostas por pontos e traços finamente organizados.
Escultura indiana
A escultura indiana continua a ser uma forma popular de expressão criativa, particularmente como um tipo de arte religiosa. Os edifícios eram ricamente decorados e o tema era maioritariamente formas humanas abstractas destinadas a expressar conceitos budistas, hindus e jainistas. Na escultura indiana, as deusas femininas como Kali, Shakti e Brahma eram frequentemente representadas.
As esculturas indianas remontam ao Vale do Indo, quando as figuras de terracota foram das primeiras a ser fabricadas.
Bronze Chola de Shiva como Nataraja ("Senhor da Dança"), Tamil Nadu, (século X ou XI); Instituto de Arte de Chicago, CC0, via Wikimedia Commons
Durante a dinastia Mauryan, que durou entre os séculos IV e II a.C., surgiram grandes pilares de pedra em cruzamentos e locais-chave, frequentemente com topos em forma de lótus e motivos de leões, que eram insígnias imperiais. Durante este período, foram criadas várias imagens de divindades em pedra maciça, seguidas de cópias mais pequenas que foram colocadas em monumentos budistas.portões adornados com uma variedade de emblemas religiosos.
Nos séculos II e I a.C., começaram a aparecer esculturas figurativas indianas mais desenvolvidas e, nas décadas seguintes, desenvolveu-se uma gama diversificada de estilos e costumes em vários locais.
Medalhão de barra transversal com elefante e cavaleiros, arte Mathura (cerca de 150 a.C.); Rabe!, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
As Grutas de Elephanta, uma série de templos em grutas dedicados sobretudo à divindade hindu Shiva e construídos em meados dos séculos V e VI d.C., são um dos edifícios mais notáveis. Nos séculos IX e X, a escultura indiana tinha evoluído para uma forma que pouco diferia da actual e era sobretudo utilizada como adorno de edifícios.
Nos primeiros anos do século XX, a escultura indiana seguiu as práticas da arte académica ocidental e os estilos foram significativamente influenciados por artistas do realismo Ramkinkar Bai, que trabalhou nas décadas de 1940 e 1950 para combinar a arte ocidental com a arte tradicional indiana, explorando materiais invulgares como o cascalho, o betão e o cimento.
Esta inovação continua na escultura indiana moderna, que se baseia em métodos e temas tradicionais, ao mesmo tempo que experimenta novas abordagens.
Artistas indianos importantes e as suas obras famosas
Agora que já analisámos a história da arte da Índia, bem como os vários estilos de arte indiana, podemos passar a analisar algumas das esculturas e pinturas mais conhecidas de artistas indianos. Começaremos com uma introdução a cada artista e, em seguida, exploraremos as suas pinturas indianas e outras obras de arte.
Raja Ravi Varma (1848 - 1906)
| Nacionalidade | Indiano |
| Data de nascimento | 29 de Abril de 1848 |
| Data do óbito | 2 de Outubro de 1906 |
| Local de nascimento | Kilimanoor, Travancore |
Ravi Varma, nascido na cidade de Kilimanoor, em Kerala, em 1848, era de ascendência real. Segundo a lenda, o seu tio descobriu-o a desenhar imagens nas paredes da sua residência e levou-o para o palácio real de Thiruvananthapuram, onde o ensinou a pintar.
No palácio, foi exposto a numerosos estilos ocidentais e indianos da época, e o óleo como meio estava apenas a ser introduzido e havia poucos conhecedores da técnica.
Ravi Varma aprendeu a pintar com Theodor Janson, um artista holandês que visitava o palácio. Tornou-se famoso como Raja Ravi Varma, considerado o fundador da pintura indiana contemporânea por duas razões principais: foi o primeiro a combinar as metodologias académicas europeias com os gostos indianos. Ravi Varma deu ênfase ao realismo nas suas pinturas, concentrando-se nos pormenores, no jogo de luz e sombras eAs dobras de um saree esvoaçavam, o cabelo ondulava e os olhos brilhavam de necessidade.
O artista Raja Ravi Varma na década de 1890; Bhawani Ram Domínio público, via Wikimedia Commons
As pedras preciosas que ornamentavam as suas figuras brilhavam com a luz que se percebia com as pinceladas mais pesadas. As suas pinturas estão cheias de vida, com árvores carregadas de frutos e flores, cursos de água que brilham com as suas várias cores e indivíduos aparentemente prontos a piscar os olhos e a retomar a sua actividade.tempo.
A extensa colecção de trabalhos de Ravi Varma reflecte as suas viagens através da geografia em constante mudança do país. Poucas pessoas viajavam naquela idade, mas a sua busca foi ajudada pelos caminhos-de-ferro do país, que estavam a ser construídos na altura.
O seu irmão Raja Raja Varma, um artista soberbo por direito próprio, estava frequentemente ao seu lado, ajudando Ravi Varma na pintura e gerindo as suas empresas. Ravi Varma estava ciente dos seus clientes - os príncipes e os dewans que pintava - uma mistura ambiciosa que o tornou um dos pintores mais procurados, de acordo com Rupika Chawla. Raja Ravi Varma, amplamente considerado como o criador do calendário indianoA pintura, brilhantemente, deu vida a personagens lendárias hindus.
Sri Shanmukha Subramania Swami (data desconhecida) por Raja Ravi Varma; Raja Ravi Varma Domínio público, via Wikimedia Commons
Até então, a maior parte das figuras pintadas eram planas e os deuses só eram reconhecíveis pelos seus objectos pessoais. A sua produção de pintura foi crucial para a formação da consciência nacional, bem como durante um período da história da Índia em que as sensibilidades nacionais se estavam a desenvolver. O seu trabalho de reflexão sobre os Veda teve uma rápida aceitação, ganhando popularidade e alimentando a consciência.A sua obra é uma das razões pelas quais o seu irmão, igualmente bem sucedido, o paisagista Raja Raja Varma, não recebeu a mesma aclamação que o seu irmão.
Durante décadas após a sua morte, as suas obras adornaram as paredes das casas da classe média; no entanto, acabaram por surgir novas escolas de pintura. A Escola de Arte de Bengala reagiu com raiva à abordagem artística académica europeia de Raja Ravi Varma.
Na mesma linha, alguns historiadores de arte criticaram as suas obras pelos mesmos factores que o tornaram famoso - a combinação de abordagens académicas ocidentais com temas indianos.
Shakuntala (1898)
| Data de conclusão | 1898 |
| Dimensões | 110 cm x 181 cm |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Localização actual | Galeria de arte Sree Chitra |
Ravi Varma retrata Shakuntala, uma figura proeminente do Mahabharata, que afirma tirar um espinho do calcanhar enquanto procura o seu amante, Dushyantha, enquanto os seus companheiros zombam dela. Este mero movimento - a inclinação e a viragem da cabeça e do tronco - convida o espectador a entrar na história, encorajando-o a colocar este momento dentro de uma série imaginada de imagens e ocorrências.
A imagem é, por si só, uma cena congelada (como um fotograma de um filme), retirada de uma série contínua de incidentes.
Shakuntala olha para trás para ver Dushyanta (1898) de Raja Ravi Varma, situada na Galeria de Arte Sree Chitra, na Índia; Raja Ravi Varma, Domínio público, via Wikimedia Commons
Estas obras sublinham também a importância do "olhar masculino" no estabelecimento da imagem feminina. Apesar de estar ausente do quadro, o amante masculino serve como um ponto de referência vital; o seu olhar transfixa Shakuntala, bem como Damayanti, em imagens "desejadas", apresentando-as como ideais poéticos e sensuais.
Abanindranath Tagore (1871 - 1951)
| Nacionalidade | Indiano |
| Data de nascimento | 7 de Agosto de 1871 |
| Data do óbito | 5 de Dezembro de 1951 |
| Local de nascimento | Jorasanko, Calcutá |
Abanindranath Tagore nasceu na cidade de Jorasanko, em Bengala, e desde muito cedo teve contacto com a arte. Foi um dos artistas mais importantes com que a nossa nação foi abençoada, uma vez que a família Tagore tem uma história de cultura e literatura. Defensor dos princípios do Swadeshi, fundou a Escola de Arte de Bengala. A sua história é suficiente para o informar sobre a sua extraordinária obra, que abriu caminho para apara a criação da arte contemporânea indiana.
A imagem é, por si só, uma cena congelada (como um fotograma de um filme), retirada de uma série de incidentes em curso.
Ganesh-janani (1908) de Abanindranath Tagore, localizado no Museu Indiano na Índia; Abanindranath Tagore, Domínio público, via Wikimedia Commons
Este conceito, no entanto, não surgiu de um dia para o outro. Quando se inscreveu na Escola de Arte de Calcutá, em 1890, tomou consciência do domínio inglês sobre o panorama artístico da Índia, o que o perturbou profundamente, uma vez que era um grande crente nos antigos costumes indianos. Como verdadeiro artista, fundou a 'Sociedade Indiana de Arte Oriental' com o seu irmão Gaganendranath Tagore. Combinou o estilo indiano emNão hesitou sequer em condenar a arte "materialista" ocidental.
Verdadeiramente um indivíduo versátil, várias das suas obras reflectiam a Índia e mereceram uma aclamação generalizada. Quando o seu trabalho foi finalmente reconhecido e comercializado como um estilo indiano nacional dentro das organizações de arte britânicas sob a designação de Sociedade Indiana de Arte Oriental, ele fez história.
No entanto, uma das suas obras mais notáveis foi a série Noites da Arábia, concluída em 1930, na qual utilizou os contos das Noites da Arábia como metáfora para representar o cosmopolitismo emergente da Calcutá colonial.
Bharat Mata (1905)
| Data de conclusão | 1905 |
| Dimensões | 26 cm x 15 cm |
| Médio | Pintura a aguarela |
| Localização actual | Victoria Memorial Hall, Calcutá, Índia |
A pintura foi criada durante o movimento Swadeshi, que surgiu como reacção à política de Lord Curzon Partição de Bengala (Os nacionalistas indianos envolvidos no movimento Swadeshi reagiram rejeitando os produtos e as organizações britânicas, organizando comícios e desfiles, criando comités e exercendo pressão política.
A pessoa no centro da obra de arte transporta um livro, feixes de arroz, uma tira de tecido branco e uma coroa de flores, todos eles ligados à tradição indiana e à economia da Índia no início do século XX.
Bharat Mata (1905) de Abanindranath Tagore, localizado no Victoria Memorial em Calcutá, Índia; Abanindranath Tagore, Domínio público, via Wikimedia Commons
Além disso, a figura principal da obra de arte tem quatro mãos, evocando a iconografia hindu que associa muitas mãos a uma enorme força. A imagem é historicamente significativa, uma vez que é uma das primeiras representações da Mãe Índia. Muitas variações da Bharat Mata foram criadas em pinturas e outros tipos de arte desde 1905.
O valor da obra original de Tagore, no entanto, continua a ser reconhecido. Do princípio ao fim, a imagem é um apelo ao coração indiano na língua indiana. É a primeira obra notável num novo estilo.
Se fosse possível, seria produzido em série aos milhares e espalhado por toda a região até que não houvesse uma cabana de agricultor ou uma casa de artesão entre o Cabo Comorin e Kedar Nath que não tivesse esta exposição de Bharat-Mata numa das suas paredes. Ao examinar os seus atributos, ficamos sempre impressionados com a clareza e a subtileza da personalidade representada.
Amrita Sher-Gil (1913 - 1941)
| Nacionalidade | indiano-húngaro |
| Data de nascimento | 30 de Janeiro de 1913 |
| Data do óbito | 5 de Dezembro de 1941 |
| Local de nascimento | Budapeste, Hungria |
Amrita Sher-Gil, uma pioneira da arte contemporânea indiana, utilizou o seu pincel para reflectir a vida quotidiana das mulheres indianas na década de 1930, exprimindo frequentemente um sentimento de solidão e desolação. Pintou indivíduos enquanto viajavam para o mercado, em casa e num casamento.
As peças pareciam transmitir uma sensação de resolução calma em alguns momentos, uma representação única das mulheres da Índia numa época em que as imagens tendiam a retratá-las como alegres e dóceis.
Por exemplo, o quadro melancólico Três raparigas O tom é sombrio, como se estivessem à espera de alguém ou de alguma coisa que suspeitam que nunca chegará. Sher-Gil tornou-se reconhecido como o "indiano Frida Kahlo "A solidão das suas personagens era facilmente compreensível, porque os seus sentimentos reflectiam os seus próprios sentimentos. Ela vivia entre mundos devido à sua educação, ansiando frequentemente por um sentimento de pertença.
Fotografia de Amrita Sher-Gil, tirada em 1936; Autor desconhecidoAutor desconhecido, provavelmente Umrao Singh Sher-Gil (1870-1954) Domínio público, via Wikimedia Commons
Sher-Gil estava igualmente dividida quanto à sua sexualidade. "Em parte como resultado da sua maior perspectiva da mulher como um indivíduo poderoso, emancipado do artifício da tradição", disse Dalmia, ela foi cativada pelo conceito de um caso lésbico. Ela tinha uma relação próxima com a pintora Marie Louise Chassany, e vários especialistas em arte, incluindo o seu sobrinho, pensaram que a sua pintura Duas mulheres retratavam o desejo que sentiam um pelo outro.
Sher-Gil viajou muito durante a sua vida, visitando a Turquia, a França e a Índia, inspirando-se substancialmente nas formas de arte indianas pré-coloniais e na cultura indiana moderna. É considerada uma notável artista indiana do século XX, com um legado comparável ao dos inovadores do Renascimento de Bengala.
Apesar de ter sido pouco reconhecida durante a sua vida, as suas obras são actualmente das mais caras entre as artistas indianas.
Auto-retrato (1931)
| Data de conclusão | 1931 |
| Dimensões | 65 cm x 54 cm |
| Médio | Óleo sobre tela |
| Localização actual | Christie's |
Esta é a primeira obra de arte do criador a ser leiloada em Londres e uma de apenas oito pinturas de Sher-Gil a serem leiloadas internacionalmente. As pinturas do artista são designadas como "jóias de arte nacionais" pelo governo indiano e são consideradas de tal valor nacional para o património indiano que não podem ser vendidas se forem adquiridas na Índia e devem permanecer no país se forem compradas na Índia.Por conseguinte, as principais obras de arte de Sher-Gil raramente são postas à venda fora da Índia.
Esta obra de arte de 1931 é uma das suas obras inéditas e não expostas.
Permaneceu em França desde a sua criação e fará a sua primeira viagem transatlântica este Verão, primeiro em Nova Iorque, onde será exposta na Christie's, e depois em Londres para a sua pré-visualização e licitação. Sher-Gil esteve temporariamente noiva de Yusuf Ali Khan em 1931, e circularam rumores de que ela também estava a cometer adultério com o seu primo Victor Egan. Em 1931, Sher-Gilpintou quadros destes dois homens, cada um a olhar para dentro, para a distância, talvez a reflectir sobre a sua própria vida nas mãos desta sedutora.
Auto-retrato (1931) de Amrita Sher-Gil; Amrita Sher-Gil Domínio público, via Wikimedia Commons
Estas pinturas constroem um triângulo entre três pessoas, colocando-as em diálogo - cada uma delas desviando o olhar do observador, guardando um segredo de que apenas as três parecem ter conhecimento. Entre os seus 19 auto-retratos anteriormente relatados, este é o único conhecido de perfil. A artista está aqui de perfil, evitando o contacto directo com oA composição, por outro lado, atravessa a tela na diagonal, com o corpo praticamente a sair da tela para o observador.
A taça dourada vazia entre ela e o espectador representa o vazio emocional que ela pode ter sentido quando tinha 18 anos e estava dividida entre os seus diferentes amores.
A sua narrativa é intrigante - o seu pai, fotógrafo, documentou os seus primeiros anos de vida para a posteridade - e fornece informações sobre Amrita e a alta sociedade indiana e europeia da década de 1920.
A nossa análise dos artistas e da arte da Índia termina aqui. Foram encontrados vestígios de arte indiana que podem ser rastreados até ao terceiro milénio a.C. Cada época tem o seu próprio carácter, costumes, história e revoluções que a definem. As formas de arte da Índia também se desenvolveram ao longo dos séculos. A pintura, a arquitectura e a escultura apareceram pela primeira vez na Índia antiga.
Perguntas frequentes
Quais são os vários estilos de arte indiana?
Cada região da Índia tem o seu próprio estilo artístico distinto. Os temas religiosos, com personagens míticas animais e humanas e ornamentações, estão entre os mais populares. A escultura e as pinturas dos pintores indianos, bem como a sua arquitectura requintada, têm sido as formas de arte mais famosas ao longo da história da Índia.
O que são as pinturas indianas Madhubani?
As pinturas Madhubani são algumas das mais conhecidas da Índia. Este estilo começou por ser um tipo de pintura mural na região de Mithila, em Bihar, mas só foi amplamente reconhecido quando W.G. Archer o encontrou, em 1934, enquanto avaliava os danos causados por um terramoto na fronteira entre o Nepal e a Índia. O estilo Madhubani caracteriza-se por uma representação directa e viva da tradição e da cultura, que tipicamente retratatemas lendários.