- Uma breve introdução ao estilo rococó
- A história do estilo rococó
- A arte e o design do período rococó
- O declínio gradual do estilo rococó
- Artistas famosos do Rococó
O estilo rococó de arte decorativa, arquitectura, decoração de interiores, escultura e pintura teve origem na Paris do início do século XVIII. Este movimento exuberante e elegante espalhou-se por toda a França e outros países europeus, como a Áustria e a Alemanha. O estilo rococó é luxuoso, extravagante e alegre.
Uma breve introdução ao estilo rococó
Os desenhos rococós eram incrivelmente teatrais e ornamentais, concebidos para impressionar e comunicar riqueza. Caracterizado pela leveza, formas curvas, valores assimétricos, motivos inspirados na natureza e temas lúdicos, o estilo rococó é verdadeiramente único.
O estilo do período rococó tem um forte sentido de capricho. Em comparação com o estilo barroco que o precedeu, o estilo rococó tinha uma paleta de cores muito mais clara. A leveza e a elegância permeiam o design rococó com cores pastel, muito dourado e branco marfim. Muitos designers de interiores rococós usavam espelhos para criar uma sensação de leveza e espaço.
As formas curvas eram uma característica proeminente do design rococó, com volutas e mobiliário curvilíneo. As contracurvas e as ondulações reflectiam formas naturais, como plantas e conchas. Os designs curvilíneos incorporavam linhas serpentinas ou linhas sinuosas que se curvavam em diferentes direcções, tal como as vinhas das plantas.
Um dos elementos distintivos do período rococó é a ausência de um equilíbrio preciso nos elementos ornamentais. A assimetria está presente tanto na decoração como no conjunto de uma peça de mobiliário ou de arquitectura. Os móveis e os projectos arquitectónicos incorporavam frequentemente volutas assimétricas em forma de C. Os valores assimétricos incluíam também a representação de conchas e outras formas inspiradas na natureza.As peças de mobiliário rococó, como armários e sofás, tinham frequentemente elementos decorativos desequilibrados. Apesar da falta de equilíbrio na decoração, a sensação geral de equilíbrio mantém-se.
Um motivo decorativo particularmente proeminente utilizado em toda a pintura, escultura e design de interiores rococó é de inspiração natural. Muitas das formas curvas baseavam-se em formas orgânicas como ondas, conchas e outros motivos com temática marítima. Os motivos foliares também eram comuns, com folhas de videira ondulantes como frondes de acanto estilizadas. Embora de inspiração orgânica, estas formas eram frequentemente exageradas e douradas.
Os temas lúdicos e alegres são características proeminentes da pintura e escultura rococó. Muitas vezes, as pinturas rococó baseavam-se em temas de amor, diversão e natureza. Os mitos clássicos também eram temas populares entre os artistas rococós. Os temas populares rococós são outro exemplo de como o design rococó rejeitou as tradições do estilo barroco.
Três motivos ornamentais em estilo rococó, 1889; Jules Lachaise, CC0, via Wikimedia Commons
Origens do termo rococó
A definição de rococó foi inicialmente utilizada de forma humorística como uma variação da palavra francesa rocaille, método de decorar grutas e fontes com conchas, seixos e cimento. No final do século XVII, começou-se a utilizar este termo para descrever um motivo decorativo que surgiu no final do estilo Luís XIV. Este motivo ornamental apresentava uma concha entrelaçada com as folhas da planta acanto.
A primeira vez que o termo rocaille A primeira vez que a palavra "rocaille" foi usada para designar um determinado estilo foi em 1736, pelo joalheiro e designer Jean Mondon, que publicou um catálogo de desenhos para mobiliário e outros ornamentos decorativos no estilo rocaille. Estes desenhos para mobiliário, portas decorativas e painéis de parede apresentavam conchas curvas combinadas com trepadeiras ou folhas de palmeira.
Em 1825, quase um século depois, o termo rococó foi impresso pela primeira vez. Neste contexto, o termo rococó descrevia o estilo antiquado do século anterior. O termo foi utilizado ao longo do século XIX para descrever a arquitectura, a música, a escultura e o design excessivamente ornamental. Desde então, os historiadores da arte têm aceitado o termo rococó como o estilo da Europa do século XVIIIarte.
Apesar do debate em torno do significado histórico do estilo rococó, este é reconhecido como um estilo distinto do design europeu.
A história do estilo rococó
O estilo rococó começou com o design de interiores e o mobiliário. Como reacção à rigidez estrita da era barroca, o design rococó era excessivamente ornamental. Por vezes, os historiadores de arte referem-se ao período rococó como Barroco tardio, que começou em França como uma reacção ao estilo formal de Luís XIV. Quando o reinado de Luís XIV terminou, os aristocratas e os ricos regressaram a Paris. Aí, começaram aOs decoradores de interiores, gravadores e pintores, entre os quais Juste-Aurele Meissonier, Nicolas Pineau, Pierre Le Pautre e Jean Berain, desenvolveram um estilo de decoração mais intimista para as casas dos nobres.
Rococó francês
O rococó floresceu em França entre 1723 e 1759. O design rococó francês era mais proeminente nos salões. O salão era um novo estilo de sala concebido para entreter e impressionar os convidados. No Hotel de Soubise, em Paris, o salão Princess é um exemplo perfeito dos salões rococó.
Interior do salão da princesa no Hôtel de Soubise, Paris; NonOmnisMoriar, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
O estilo rococó francês caracterizava-se por uma arte excepcional, em particular nas molduras de quadros e espelhos, com formas vegetais entrelaçadas, esculpidas em gesso e douradas. Estas curvas sinuosas e os desenhos inspirados na natureza eram também populares no design de mobiliário.
O estilo rococó dominou a arte e o design franceses até meados do século XVIII, altura em que as descobertas de antiguidades romanas orientaram a arquitectura francesa para os designs neoclássicos.
Rococó italiano
O estilo rococó foi particularmente exuberante em Itália, tendo Veneza sido o epicentro do rococó italiano. Os designs rococós italianos, como as cómodas venezianas, utilizavam a mesma decoração ornamental e linhas curvas que os designs franceses rocaille Muitas peças venezianas eram pintado com flores A chinoiserie, ou seja, a imitação europeia das tradições artísticas chinesas e de outras tradições artísticas do Leste Asiático, também era popular no rococó italiano.
Giovanni Battista Tiepolo foi um notável pintor decorativo do período rococó italiano. Tiepolo pintou tectos e murais de palácios e igrejas. Durante a década de 1750, Tiepolo viajou para a Alemanha com o seu filho e decoraram os tectos da Residência de Wurzburgo. Outro famoso pintor rococó italiano foi Giovanni Battista Crosato. Crosato é mais conhecido pela pintura em estilo quadratura do CaTecto do salão de baile Rezzonico.
O fresco do tecto de Tiepolo na residência de Wurzburg; Myriam Thyes, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
A vidraria veneziana foi uma parte importante do período rococó italiano. Foi durante esta época que floresceu o vidro de Murano, colorido e muitas vezes gravado, e que peças de vidro como espelhos com molduras ornamentadas e candelabros multicoloridos foram exportados para toda a Europa.
Rococó do Sul da Alemanha
Foi no Sul da Alemanha e na Áustria que o estilo rococó atingiu o seu apogeu. As obras publicadas de arquitectos e designers franceses introduziram o estilo rococó na Alemanha, que passou a dominar a arte e o design alemães entre as décadas de 1730 e 1770. Embora os designers e arquitectos alemães tenham encontrado inspiração em arquitectos franceses como Germain Boffrand e em designers de interiores como Giles-MarieOppenordt, a arquitectura e o design rococó alemão atingiram novos patamares.
O estilo de arquitectura rococó foi adoptado pelos arquitectos alemães, que o carregaram com uma decoração ainda mais ornamentada e o tornaram muito mais assimétrico. O estilo decorativo rococó ainda hoje domina as igrejas alemãs. Os arquitectos construíram curvas e contracurvas a partir de moldes, criando padrões que se torciam e viravam e paredes e tectos sem ângulos rectos. Um motivo particularmente popular era o estuqueEsta decoração ornamentada era muitas vezes prateada ou dourada, criando um contraste impressionante com as paredes brancas ou em tons pastel.
O primeiro edifício construído em estilo rococó foi o pavilhão de Amalienburg, em Munique. O designer e arquitecto belga François de Cuvilies foi o responsável pela concepção deste edifício e inspirou-se nos pavilhões franceses Marly e Trianon. O pavilhão de Amalienburg foi inicialmente construído como pavilhão de caça e dispunha de uma plataforma no telhado para caçar faisões. O interiorA extravagância deste edifício ultrapassava em muito a arquitectura do rococó francês.
Vista leste do pavilhão de Amalienburg, em Munique; Gato digital, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Outro exemplo excepcional da arquitectura rococó alemã é a Residência de Wurzburg. Este impressionante palácio tinha um exterior mais barroco, mas o interior reflectia o estilo rococó claro. A residência foi concebida em consulta com os artistas franceses Robert de Cotte e Germain Boffrand e com Tiepolo, o pintor rococó italiano, que criou um mural por cima da escadaria de três andares. A escadaria era umNo Palácio de Augustusburg, a grande escadaria transportava os visitantes para cima através de uma visão de esculturas, pinturas, decoração e ferragens.
Embora o estilo rococó tenha sido um estilo secular no seu início, o período alemão viu muitas igrejas de estilo rococó. Ao longo das décadas de 1740 e 1750, os arquitectos rococós projectaram várias igrejas de peregrinação em toda a Baviera. Os interiores destas igrejas têm um estilo nitidamente rococó. Exemplos notáveis são a Wierskirche de Dominikus Zimmermann, que tinha um exterior simples com poucos ornamentos eAo entrar na igreja, no entanto, é-se recebido por um deambulatório oval que inunda a igreja de luz. Colunas de estuque azul e rosa no coro contrastam com as paredes brancas e anjos de gesso rodeiam o tecto em cúpula.
Rococó britânico
Embora a influência do rococó não se tenha feito sentir tão fortemente na Grã-Bretanha como noutras partes da Europa, as sedas, porcelanas e pratas britânicas inspiraram-se no rococó. A base teórica da beleza rococó foi lançada, em parte, por William Hogarth, que defendia que as curvas em S e as linhas ondulantes do rococó eram os fundamentos da beleza e da graça na natureza e na arte.
O estilo rococó demorou a chegar a Inglaterra. O mobiliário britânico tinha seguido durante muito tempo o modelo neoclássico palladiano, sob a direcção do designer William Kent. Kent era uma figura influente que desenhava mobiliário para Lord Burlington. Foi com Lord Burlington que Kent viajou para Itália entre 1712 e 1720. Kent trouxe de volta ideias e modelos de Palladio e desenhou o mobiliário paraChiswick House, Hampton Court Palace e Holkham Hall, entre outros.
O aparecimento do mogno em Inglaterra, por volta de 1720, foi o desenvolvimento rococó mais significativo da época. Juntamente com a madeira de nogueira, o mogno tornou-se popular para mobiliário. Foi o designer de mobiliário Thomas Chippendale cujo trabalho mais se aproximou do estilo rococó. O catálogo de desenhos de mobiliário chinoiserie, rococó e gótico chamado Directório de Cavalheiros e Marceneiros, Embora o mobiliário de Chippendale fosse certamente inspirado no Rococó, não utilizava incrustações ou marchetaria nos seus móveis, ao contrário dos designers franceses.
Thomas Johnson foi outra figura importante do mobiliário rococó britânico. Em 1761, Johnson publicou o seu próprio catálogo de designs de mobiliário rococó, incluindo mobiliário baseado em motivos indianos e chineses.
A arte e o design do período rococó
Como se viu, o design variava muito na Europa. Enquanto o Sul da Alemanha se apaixonava pela arquitectura rococó, os ingleses preferiam o mobiliário rococó. Quer se trate de pintura, escultura, mobiliário ou design arquitectónico, podemos ver o estilo rococó distinto.
Design de interiores rococó
O design de interiores foi a faísca do período rococó. Embora o estilo rococó tenha crescido e dominado a pintura, a escultura e até a música, começou como um estilo de design de interiores. Enquanto o foco da arquitectura é tipicamente o design exterior, os designers rococós trouxeram-no para o interior. O auge do design de interiores rococó reside no salão.
Paris, Hôtel de Soubise, Câmara de Música; Parsifall, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
O que é um salão rococó?
O salão, tal como um salão ou uma sala de estar, é uma sala concebida para entreter e impressionar os convidados. Inicialmente concebido para a aristocracia rica, o salão era um local para mostrar a sua incrível riqueza e manter conversas intelectuais. Na altura, a filosofia iluminista acreditava que os ambientes arquitectónicos externos encorajavam um determinado modo de vida.
Os salões rococós eram salas centrais decoradas no estilo rococó, tipicamente extravagante e luxuoso.
Os salões apresentavam as típicas decorações rococó elaboradas, linhas serpentinas, cores pastel claras, padrões intrincados, assimetria e muito ouro. A disposição das salas dos salões era frequentemente assimétrica, um tipo de design conhecido como contraste As formas esculpidas nas paredes e nos tectos com texturas abstractas, folhosas e semelhantes a conchas eram ornamentos interiores.
O Salon de Monsieur le Prince é um exemplo particularmente famoso. Outro exemplo notável do salão rococó é o de Germain Boffrand no Hotel Soubise de Paris. Todos estes salões têm tectos, paredes e molduras com decorações intrincadas de curvas em S, formas naturais e formas de conchas.
Mobiliário rococó
O salão era uma forma de reflectir o estatuto social, e o mobiliário dentro do salão era outra. Durante o período Rococó, houve uma explosão no fabrico de mobiliário. Os designs de mobiliário enfatizaram a leveza do período Rococó. As peças de mobiliário foram feitas para serem fisicamente mais leves, de modo a poderem ser deslocadas facilmente. O mobiliário também se tornou mais delicado e refinado, com mesas finas e curvaspernas.
O mobiliário rococó era independente e não encostado à parede, o que também contribuía para dar leveza e versatilidade a uma divisão desejada pela aristocracia.
A madeira de mogno tornou-se uma madeira popular para o mobiliário rococó porque era forte. A força do mogno significava que os fabricantes de mobiliário podiam esculpir móveis delicados que não se partiam. Muitos móveis especializados surgiram durante o período rococó, incluindo o voyeuse Os espelhos com molduras ornamentadas e decoradas também se tornaram cada vez mais populares durante a era rococó. Os designers de interiores utilizavam espelhos para aumentar a sensação de luz e de espaço numa divisão.
Pequenas poltronas da oficina lombarda, c. 1750, do salão de baile do palácio Sormani; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Arquitectura Rococó: Barroco vs. Rococó
O século XVIII Arquitectura rococó A arquitectura rococó era mais graciosa, mais leve e mais elaborada do que os estilos barrocos. Embora a arquitectura rococó fosse semelhante aos desenhos barrocos em alguns aspectos, diferiam significativamente noutros.
Estilo arquitectónico barroco vs. rococó
Tal como acontece com o design de interiores e o mobiliário, a arquitectura rococó enfatizava a assimetria do design e da forma, enquanto o oposto era verdadeiro para o estilo barroco. A arquitectura barroca era mais séria, utilizando temas religiosos da reforma protestante, enquanto a arquitectura rococó era mais alegre, jocosa e secular. Edifícios barrocos foram concebidos para uma grande majestade pública, a arquitectura rococó privilegiava a privacidade.
As curvas rococó e os elementos decorativos que vemos no mobiliário e na decoração de interiores também se transferiram para o design arquitectónico. A paleta de cores rococó de ouro, branco e pastel foi também uma característica significativa da arquitectura rococó.
Alguns edifícios rococó famosos incluem o Palácio Nacional de Queluz, o Palácio de Catarina na Rússia, a Casa Chinesa em Potsdam, os Palácios de Falkenlust e Augustusburg, partes do Chateau de Versailles e o Palácio de Charlottenburg na Alemanha. O arquitecto italiano Francesco Bartolomeo Rastrelli é conhecido pelos seus desenhos opulentos e luxuosos e trabalhou na Rússia. Philip de Lange trabalhouna arquitectura holandesa e dinamarquesa, e Matthaus Daniel Poppelmann foi um arquitecto do barroco tardio que ajudou na reconstrução da cidade alemã de Dresden.
Fachada do Palácio de Catarina em Pushkin, Rússia; W. Bulach, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Pintura rococó
A natureza delicada e alegre do design rococó é talvez mais visível nas pinturas da época. Utilizando a paleta rococó clara de tons pastel, dourado e branco, e outros elementos de design rococó como curvas assimétricas e linhas serpentinas, a pintura rococó é facilmente distinguível. A incrível atenção aos detalhes, os temas lúdicos e a paleta de cores pastel são elementos significativos da pintura rococócaracterísticas.
Atenção impecável aos pormenores
Inspirados nos artistas do Renascimento, os quadros rococós têm uma atenção incrível ao pormenor. O artista francês François Boucher é particularmente famoso pela sua abordagem orientada para o pormenor na pintura. Boucher consegue captar os meandros minuciosos dos trajes ornamentados e criar cenas com detalhes maravilhosos.
Assuntos lúdicos
Talvez os temas das pinturas rococó sejam os que melhor realçam a atmosfera jovial deste período artístico. Os temas da juventude, do amor, das brincadeiras, dos mitos clássicos, das paisagens idílicas e dos retratos são típicos da pintura rococó. Atribui-se ao pintor francês Antoine Watteau a popularização do tema lúdico do rococó. Watteau é conhecido como o pai do festa galante Watteau pintou cenas de paisagens pastorais e de pessoas extravagantes em convívio. As deusas gregas, os cupidos e outras criaturas mitológicas apareciam frequentemente, misturando a realidade com a fantasia de uma forma lúdica.
A parte carrée ("O quarteto", c. 1713) de Antoine Watteau; Antoine Watteau, Domínio público, via Wikimedia Commons
A paleta de cores rococó
Os pintores barrocos utilizavam cores profundas e emotivas, enquanto os artistas rococós, como Jean-Honore Fragonard, criavam cenas alegres com cores pastel claras. O Baloiço de Fragonard A pintura é um dos quadros mais famosos do período rococó. Redemoinhos de folhagem verde-clara rodeiam uma mulher com um vestido cor-de-rosa claro, que se balança e atira o sapato de forma sedutora.
O Baloiço (1767) de Jean-Honoré Fragonard; Jean-Honoré Fragonard, Domínio público, via Wikimedia Commons
Escultura rococó
As esculturas do período rococó eram dinâmicas, teatrais e coloridas, com uma sensação de movimento em todas as direcções. As esculturas estavam estreitamente integradas na arquitectura e na pintura e encontravam-se frequentemente no interior das igrejas.
A escultura rococó francesa primitiva é muito mais leve do que o estilo clássico de Luís XIV. Madame de Pompadour foi uma mecenas da escultura rococó, tendo encomendado várias obras para os seus jardins e castelos. Uma escultura de cupido a esculpir os seus dardos do amor na clava de Hércules é uma famosa escultura rococó de Edme Bouchardon. Pode encontrar outros exemplos de escultura rococó em torno das fontes de Versalhes, comoa Fonte de Neptuno, de Nicolas-Sebastien Adam e Lambert-Sigisbert Adam, realizada em 1740. Na sequência do seu sucesso, Frederico, o Grande, convidou estes escultores a realizar uma escultura para a fonte do seu palácio na Prússia.
Cupido (1744) de Edme Bouchardon; Galeria Nacional de Arte, CC0, via Wikimedia Commons
O importante escultor francês Etienne-Maurice Falconet é mais conhecido pela sua estátua de São Petersburgo de Pedro, o Grande, e também criou obras mais pequenas em terracota ou bronze para coleccionadores abastados. Falconet não foi o único escultor a produzir séries mais pequenas de esculturas para coleccionadores. Jean-Baptiste Pigalle, Michel Clodion, Jean-Louis Lemoyne e Louis-Simon Boizot criaram todos séries de esculturas.
O italiano Antonio Corradini foi um dos principais escultores rococó de Veneza e viajou por toda a Europa, trabalhando durante algum tempo em São Petersburgo para Pedro, o Grande, e nas cortes imperiais austríacas e napalesas. As esculturas de Corradini têm um carácter mais sentimental e ele fez várias esculturas delicadas de mulheres veladas.
Porcelana rococó
Durante o período rococó, começaram a surgir esculturas de porcelana em pequena escala. Inicialmente construídas para substituir as esculturas de açúcar nas grandes mesas de jantar, as figuras de porcelana depressa se tornaram populares como decorações para cornijas de lareira. À medida que o número de fábricas de porcelana europeias aumentava ao longo do século XVIII, as pequenas esculturas de porcelana tornaram-se acessíveis às pessoas da classe média,a quantidade de decorações em esmalte nestas esculturas de porcelana colorida também aumentou.
A fábrica de porcelana de Meissen é a mais antiga da Europa e continuou a ser a mais importante até cerca de 1760. Johann Joachim Kandler foi o principal modelador da fábrica de Meissen. Franz Anton Bustelli, escultor alemão, trabalhou na fábrica de porcelana de Nymphenburg e ficou famoso pela sua gama de figuras coloridas que se vendiam em toda a Europa. Seguindo o seu exemplo, Etienne-Maurice Falconet tornou-se odirector da fábrica de Porcelana de Sevres, onde realizou várias esculturas de pequena escala em séries sobre temas de alegria e amor.
Ouvintes no poço (1756) de Franz Anton Bustelli; Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Música Rococó
Embora a música rococó não seja tão conhecida como as formas clássicas posteriores e as formas barrocas anteriores, tem um lugar na história musical. O estilo musical rococó, tal como grande parte do movimento rococó, desenvolveu-se a partir da era barroca. Em França, estilo galant, Na Alemanha, os dois filhos de Johann Sebastian Bach, Johann Christian Bach e Carl Philip Emanuel Bach, foram os pioneiros da música rococó ou do "estilo sensível".
A segunda metade do século XVIII assistiu a uma reação contra o uso excessivo de decoração e ornamentação no estilo rococó. Christoph Willibald Gluck liderou este movimento reacionário que acabou por se tornar o estilo clássico. Variações sobre um tema rococó de Pyotr Ilyich Tchaikovsky foi composta no estilo rococó, embora não tenha sido escrita durante a era rococó.
Moda rococó
A extravagância, o requinte, a ornamentação e a elegância do estilo rococó não se perderam na moda rococó. A moda feminina durante o século XVIII era sofisticada e altamente ornamentada no verdadeiro estilo rococó. Começando na Corte Real, esta moda depressa se espalhou pelos cafés e salões da burguesia.
No final do reinado de Luís XIV, um vestido esvoaçante conhecido como robe volante Um corpete, uma anágua arredondada e grandes pregas nas costas eram as características proeminentes deste vestido. Uma paleta de cores escuras e ricas em tecidos acompanhava características de design pesadas e arrojadas. Após a morte do rei Luís XIV, os estilos de moda começaram a mudar com as tendências rococó.
A moda rococó era mais frívola, muito mais leve e mais reveladora. paleta de cores pastel A moda feminina rococó é caracterizada por uma abundância de laços, rendas, folhos, folhos e um decote baixo. roupão à francesa Este vestido tinha um corpete justo e, normalmente, um grande número de laços de fita à frente. Este vestido tinha alças largas e era decorado com quantidades generosas de flores, rendas e fitas. Jean-Antoine Watteau, o pintor que capta os pormenores intrincados de costura, rendas e outros enfeites em vestidos ornamentados, foi a inspiração para Pregas Watteau .
Roupão de mulher à la français Cetim de seda com padrão de trama flutuante e passamanaria de seda; Museu de Arte do Condado de Los Angeles, domínio público, via Wikimedia Commons
Por volta de 1718, o Mântua e cesto Estes artigos rapidamente se tornaram essenciais na moda rococó. O visual icónico da era rococó é o vestido com ancas alargadas e quantidades excessivas de decoração. As ocasiões especiais exigiam alforges muito largos, alguns chegando a atingir 3 metros de diâmetro. Os alforges mais pequenos eram para uso diário.
Este estilo de vestuário teve origem em Espanha no século XVII e foi inicialmente concebido para esconder uma barriga de grávida.
A idade de ouro da moda rococó foi por volta de 1745, quando uma cultura mais oriental e exótica conhecida como a la turque A Madame de Pompadour foi fundamental na promoção deste estilo ao encomendar uma pintura sua como Sultana Turca a Charles Andre Van Loo. A década de 1760 assistiu ao aparecimento de um estilo de moda menos formal. A polonaise, um vestido mais curto inspirado na moda polaca, tornava visíveis os tornozelos e a parte de baixo da saia. O vestido de polonaise também permitia que as mulheres se movimentassem com bastantemais facilidade.
O robe a l'anglais, Este vestido incluía elementos de moda mais masculinos, como mangas compridas, lapelas largas e um casaco curto. Uma saia cheia com uma pequena cauda, mas sem alforges, um corpete justo e um pequeno lenço de renda à volta do pescoço completavam o conjunto. Um redingote, uma combinação de um sobretudo e uma capa, era outra novidade rococóartigo de moda.
Para além da multiplicidade de peças de vestuário diferentes, os acessórios eram uma parte essencial da moda rococó no século XVIII. Acessórios como colares e jóias aumentavam a opulência e a decoração decadente dos vestidos. As mulheres com mangas curtas eram obrigadas a usar luvas nas cerimónias oficiais.
O declínio gradual do estilo rococó
A ênfase rococó na galanteria e na mitologia decorativa não tardou a suscitar uma reacção. A Academia Francesa começou a ensinar uma linguagem mais Estilo de arte clássico Embora o período rococó estivesse em declínio em França, continuou a florescer na Áustria e na Alemanha.
Madame de Pompadour foi uma figura proeminente e influente ao longo do século XVIII, promovendo a arte e a moda rococó e contribuindo para o seu declínio. Em 1750, Madame de Pompadour enviou o seu irmão e vários artistas, incluindo o arquitecto Soufflot e o gravador Charles-Nicolas Cochin, numa viagem de dois anos para estudar os desenvolvimentos arqueológicos e artísticos italianos. Este grupo regressou apaixonadosobre o Classicismo e Abel-Francious Poisson de Vandieres, irmão de Madame de Pompadour, tornou-se marquês.
A Marquesa de Pompadour na jardineira (c. 1754-1755) de Charles-André van Loo; Charles-André van Loo, Domínio público, via Wikimedia Commons
Vandieres foi também nomeado director-geral dos edifícios do Rei e foi responsável pela mudança da arquitectura francesa para o neoclássico. Cochin, um influente crítico de arte, denunciou o estilo de Boucher, que designou por estilo petit. Em vez disso, Cochim exigia um estilo mais grandioso de pintura e arquitectura que enfatizasse a nobreza e a antiguidade clássica.
Jacques-François Blondel e Voltair juntaram as suas vozes às retumbantes críticas à natureza superficial da arte rococó. A década de 1760 foi o início do fim do estilo rococó, com os artistas a apelarem a uma arte com objectivo e valor. O rococó tinha oficialmente desaparecido em 1785 e foi substituído pelo neoclassicismo.
A ridicularização do rococó como superficial e frívolo estendeu-se à Alemanha no final do século XVIII. Embora o rococó tenha conseguido manter a sua popularidade em Itália e em alguns estados alemães, foi completamente eliminado pela Estilo Império segunda vaga de Neoclassicismo .
Artistas famosos do Rococó
Foram muitos os pintores, arquitectos e escultores que surgiram durante o período rococó, entre os quais se destacam François Boucher, Elisabeth Louise Vigee le Brun e Giovanni Battista Tiepolo, que deixaram uma marca duradoura no mundo da arte decorativa.
François Boucher (1703-1770)
De todos os artistas proeminentes do Rococó, Boucher merece certamente um lugar nesta lista. Famoso pelos seus retratos de romano antigo Quando jovem estudante de arte, Boucher estudou durante o período barroco tardio e viajou para Itália, tendo também estudado o estilo paisagístico holandês.
Boucher tornou-se muito famoso entre os artistas franceses da sua época. A forma voluptuosa como Boucher retratava as figuras nas suas pinturas valeu-lhe uma notoriedade significativa. Muitas das pinturas de Boucher apresentavam pastores e várias formas de gado em cenas pastoris. Das suas obras, a Triunfo de Vénus (1740) é considerada a sua obra mais famosa, mas está em estreita disputa com O pequeno-almoço (1739) e Os comedores de uvas (1749).
O triunfo de Vénus (1740) de François Boucher; François Boucher, Domínio público, via Wikimedia Commons
Jean-Honore Fragonard (1732-1806)
Jean-Honore Fragonard é um dos pintores mais famosos do período rococó. Apesar de ter vivido no final do século XVIII, quando o rococó começou a entrar em declínio, Fragonard criou pinturas hedonistas. Durante a sua vida, Fragonard também pintou várias obras para a família real, incluindo A reunião (1771).
Fragonard conheceu Boucher quando este tinha apenas 18 anos de idade e, apesar de Boucher ter recusado trabalhar com Fragonard devido à sua falta de experiência, enviou-o para estudar com Jean-Baptiste-Simeon Chardin, Fragonard tornou-se um dos pintores mais prolíficos da história da arte francesa. Um quadro particularmente famoso de Fragonard é O beijo roubado (1788).
Beijo roubado (finais da década de 1780) de Jean-Honoré Fragonard; Jean-Honoré Fragonard, Domínio público, via Wikimedia Commons
Jean-Antoine Watteau (1684-1721)
Embora tenha morrido antes da idade de ouro do Rococó, Jean-Antoine Watteau foi uma das figuras mais influentes do movimento. É a Watteau que se atribui o pioneirismo do estilo Rococó, que alcançou integrando o seu próprio talento artístico com elementos de mestres como Peter Paul Rubens e Ticiano.
O estilo de Watteau era particularmente colorido, com matizes vibrantes e muita profundidade. Muitas das obras de Watteau são típicas do estilo rococó na sua aparência teatral. Watteau também era famoso pela sua incrível capacidade de captar pormenores minuciosos e intrincados, particularmente em peças de vestuário ornamentadas. Talvez a pintura mais famosa de Watteau seja Peregrinação à ilha de Cythera, Outras obras notáveis incluem Pierrot (1719) e Embarque para Cythera (1717).
Peregrinação a Cythera , assim chamado O embarque para Cythera (1717) de Antoine Watteau; Antoine Watteau, Domínio público, via Wikimedia Commons
Elisabeth Louise Vigee le Brun (1755-1842)
Um dos mais proeminentes artistas femininas Na história da França, le Brun é mais conhecido pelos seus retratos opulentos. Quando le Brun desenvolveu as suas capacidades artísticas, não lhe foi permitido frequentar nenhum dos arte formal Felizmente, o seu pai era um artista e ensinou-a a pintar.
Com apenas 15 anos de idade, le Brun começou a trabalhar como pintora profissional. Apesar do sexismo da época e das muitas pessoas que rejeitavam o seu trabalho, le Brun foi colocada na Academia Real aos 28 anos de idade pelo rei Luís XVI e Maria Antonieta Le Brun pintou alguns dos quadros mais famosos da história da França, sendo a sua obra mais conhecida Maria Antonieta num vestido de corte (1778).
Maria Antonieta em vestido de corte (1778) de Élisabeth Louise Vigée Le Brun; Kunsthistorisches Museum, Domínio público, via Wikimedia Commons
Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770)
Famoso pintor veneziano, Tiepolo é conhecido pelas suas pinturas altamente decorativas e excessivamente elaboradas, muitas vezes representando figuras reais. Tiepolo tinha um estilo único durante o período rococó, tendo estudado com vários artistas influenciados pelo Alta Renascença Como resultado da sua educação, o estilo de Tiepolo era uma combinação de Rococó e Renascimento.
Das suas muitas obras, O casamento do imperador Frederico com Beatriz de Borgonha (Um salão opulentamente decorado com arcos, cortinas esvoaçantes e figuras elegantemente vestidas adornam a tela deste famoso quadro.
O casamento de Frederico Barbarossa e Beatriz de Borgonha (1727-1804) de Giovanni Domenico Tiepolo; Giovanni Domenico Tiepolo, Domínio público, via Wikimedia Commons
Giovani Antonio Canal (1697-1768)
Mais conhecido por Canaletto, Giovani Antonio Canal foi uma das figuras mais célebres do Rococó do século XVIII. O pintor nascido em Itália mostrou desde cedo uma promessa artística e tornou-se um dos artistas mais famosos tanto do Rococó como da escola veneziana.
Tendo viajado muito pela Europa durante a sua vida, Canaletto era conhecido pelas suas paisagens urbanas incrivelmente realistas. Entre as pinturas mais famosas da sua juventude contam-se A entrada do Grande Canal, Veneza (1730), e O pátio do pedreiro (1725). Canaletto completou estas duas pinturas numa altura em que o movimento rococó começava a crescer em França e foi graças às acções de Canaletto que o rococó se espalhou por Itália.
Canaletto's A entrada do Grande Canal , c. 1730; Canaletto, domínio público, via Wikimedia Commons
Thomas Gainsborough (1727-1788)
Um proeminente artista britânico do Rococó, Gainsborough é mais conhecido pelos seus retratos intrincadamente pormenorizados e paisagens elegantes. Gainsborough foi um dos mais proeminentes membros da Academia de St. Martin's Lane, fundada por Hubert François Gravelot depois de o Rococó ter atravessado o canal a partir de França.
Lembrado como um dos mais famosos pintores britânicos do século XVIII, os quadros rococós de Gainsborough estão entre os mais célebres. Embora muitos dos quadros mais apreciados de Gainsborough sejam paisagens, os seus famoso quadro rococó é O Rapaz Azul que pintou em 1770.
Jonathan Buttall (O Rapaz Azul) (c. 1770) de Thomas Gainsborough; Thomas Gainsborough, Domínio público, via Wikimedia Commons
Repleto de opulência, ouro e extravagância, o estilo rococó do século XVIII é imediatamente reconhecível. Embora o movimento não tenha durado muito tempo, causou certamente uma impressão e muitos dos artistas deste período continuam a ser figuras históricas importantes.
Veja a nossa história da arte rococó aqui!