- O que representou o movimento da arte medieval?
- As 10 pinturas medievais mais famosas que existem
- Perguntas mais frequentes
O período medieval, vulgarmente designado por Idade Média, estende-se por mais de 1000 anos. A queda do Império Romano, por volta do ano 300 d.C., marcou o ponto de partida do período medieval, que durou até ao início do Renascimento, por volta do início do século XIV. Este período foi uma era excepcionalmente influente da cultura artística ocidental, que deu origem a muitas pinturas medievais famosas.Durante este período, foram criados novos géneros artísticos e misturadas diferentes tradições artísticas, incluindo estilos do Médio Oriente e do Norte de África.
O que representou o movimento da arte medieval?
Arte medieval A arte medieval foi criada a partir do património artístico do Império Romano e dos costumes iconográficos da igreja cristã primitiva, juntamente com o estilo "bárbaro" do Norte da Europa. A mistura destas fontes levou ao desenvolvimento de um incrível legado artístico. O período da arte medieval englobou diferentes movimentos artísticos, envolvendo principalmente os Movimento artístico cristão primitivo O movimento da arte bizantina, o movimento da arte românica e o movimento da arte gótica.
Embora o estilo da arte produzida durante este período variasse, era unificado por vários factores comuns, sobretudo porque reflectia a grande popularidade do cristianismo.
Cristo de misericórdia entre os profetas David e Jeremias (entre c. 1495 e c. 1500) de Diego de la Cruz; Diego de la Cruz, Domínio público, via Wikimedia Commons
As pinturas da Idade Média eram ricas em simbolismo e imagens religiosas. Os artistas medievais e as suas pinturas retratavam predominantemente figuras sagradas e narrativas bíblicas. Estas narrativas tinham uma hierarquia, que era predominantemente ditada pelos espaços que as pinturas ocupavam. As obras de arte medievais que retratavam cenas consideradas mais importantes ocupavam pontos focais notáveis numa igreja ouretábulo, enquanto as cenas menos significativas irradiam para o exterior.
Estes exemplos de arte medieval podem ser classificados, grosso modo, em fresco, painel, manuscrito iluminado e pintura iconográfica.
Apesar de as obras de arte medievais terem sobretudo uma função religiosa, houve um aumento de temas seculares que foram sendo incluídos nas pinturas da Idade Média. artes visuais Durante a época medieval, os objectivos dos artistas passaram por um período de transição, com uma mudança radical.
Afrescos medievais no Mosteiro de Zemen, na Bulgária; Bollweevil, CC0, via Wikimedia Commons
Os pintores medievais passaram das fórmulas rígidas exigidas pela pintura românica para uma representação do mundo mais realista e para um desejo de obter um efeito tridimensional na sua pintura. Esta introdução de pinturas medievais que retratavam temas não religiosos e pormenores seculares permitiu aos artistas exprimir uma variedade de emoções e retratar a vida contemporâneade forma mais realista.
Para além disso, a arte decorativa era comum nas pinturas medievais.
As pinturas religiosas tinham frequentemente o ouro como fundo, no qual eram por vezes utilizadas ferramentas aquecidas para imprimir desenhos intrincados através de um processo chamado "tooling". Os pintores medievais conseguiam um design elegante nas suas obras de arte, curvando as cortinas e representando a oscilação e o movimento do corpo humano. Os corpos já não eram representados como rígidos e planos; a ilusão de movimento e fluidez eratornando-se uma prática comum.
O período da arte medieval continua a ser uma área de estudo predominante para coleccionadores e académicos, uma vez que um grande volume de obras de arte medievais produzidas durante este período foi reconhecido pelo seu significado histórico. Os artistas medievais e as suas pinturas demonstraram os avanços técnicos e as extensas realizações deste período, que foram fundamentais para informar o progresso da arte ocidental posterior.
Epitáfio de Nikolaus Lindner (c. 1511) por Anónimo; Museu Nacional de Varsóvia, domínio público, via Wikimedia Commons
As 10 pinturas medievais mais famosas que existem
O período da arte medieval estendeu-se por mais de 1000 anos e englobou um leque diversificado de movimentos artísticos. Muitos exemplos notáveis da arte medieval destacam-se, uma vez que existia uma grande variedade de arte produzida durante esse período. No entanto, artistas medievais específicos e as suas pinturas foram reconhecidos como fundamentais pelas suas técnicas magistrais e pela sua contribuição para o progresso da arte.
Esta é a nossa selecção das 10 pinturas medievais mais famosas do movimento artístico medieval.
Cristo Pantocrator (Sinai) (c. 500 - 600)
| Artista | Desconhecido |
| Data da pintura | c. 500 - 600 |
| Médio | Encáustica e ouro sobre madeira |
| Dimensões | 84 cm x 45,5 cm |
| Onde está actualmente alojado | Mosteiro de Santa Catarina, Sinai, Egipto |
Embora não se saiba muito sobre o Cristo Pantocrator (Sinai), esta pintura medieval foi reconhecida como um dos mais antigos ícones religiosos de estilo bizantino. o artista permanece desconhecido, mas a Cristo Pantocrator A pintura representa Cristo com a mão direita levantada, que significa o seu dom de bênção, e com o braço esquerdo, segurando um livro do Evangelho decorado com jóias em forma de cruz.
A pintura é propositadamente assimétrica, pois simboliza a dualidade de Cristo. A auréola dourada que enquadra a cabeça de Cristo torna este facto mais evidente. Quando se olha para a representação do rosto de Cristo, no lado em que Cristo segura o Evangelho (o lado direito da pintura), as feições de Cristo são representadas como severas e duras.
Este lado foi pintado com mais profundidade e sombra, ilustrando uma representação mais tridimensional de Cristo com um sentido de realismo. Este realismo era representativo da natureza humana de Cristo.
O mais antigo ícone conhecido de Cristo Pantocrator Ícone em encáustica do século VI do Mosteiro de Santa Catarina, Monte Sinai; Artista desconhecido Artista desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons
Em contraste, no lado em que a mão direita de Cristo está levantada (o lado esquerdo da pintura), o rosto de Cristo é retratado de forma mais serena e calma, o que é representativo da divindade de Cristo. Além disso, é retratado com mais luz e suavidade, e é achatado para ilustrar uma representação bidimensional. Esta ausência de realismo serve para realçar a espiritualização de Cristoe o Seu papel de salvador.
Este ícone é uma importante peça de arte, sendo a mais antiga obra de arte conhecida no estilo Pantocrator e uma das poucas que sobreviveram ao Iconoclasmo Bizantino. O brilho da pintura reside na forma como unifica perfeitamente as duas metades do rosto de Cristo, representando o Cristo Encarnado como a união da natureza humana e divina.
Lamentação (O luto de Cristo) (1306) de Giotto di Bondone
| Artista | Giotto di Bondone |
| Data da pintura | 1306 |
| Médio | Fresco |
| Dimensões | 200 cm x 185 cm |
| Onde está actualmente alojado | Capela Scrovegni, Pádua, Itália |
Giotto di Bondone tem sido considerado um dos mais importantes precursores do Renascimento. Giotto foi um influente artista italiano do período medieval tardio, muitas vezes referido como o proto-renascimento. Lamentação (O luto de Cristo) foi reconhecido como uma das suas obras mais notáveis, a partir dos frescos que pintou para a Capela Arena, em Pádua.
Giotto's Lamentação (O luto de Cristo) faz parte da série de frescos utilizados para representar a Vida de Cristo e o Vida da Virgem A pintura retrata o momento após a crucificação de Cristo, em que o seu corpo sem vida é cuidado por familiares e discípulos com auréolas, onde Maria, o ponto focal, embala a cabeça de Cristo enquanto Maria Madalena chora aos seus pés.
Giotto conseguia dar vida às suas figuras e transmitir os seus sentimentos através dos pormenores das mãos e dos pés.
Cenas do Vida de Cristo : 20. Lamentação (O luto de Cristo) por Giotto di Bondone, 1306; Giotto, domínio público, via Wikimedia Commons
Além disso, as posições das suas cabeças inclinadas e bocas abertas retratam um profundo sentido de luto e pesar. Os seus gestos conotam simpatia e devastação pelo sofrimento de Cristo. Não só as figuras humanas de Giotto retratam um sentido de realismo emocional, como também a encurtado As representações dos anjos de luto e a utilização de linhas diagonais para o cume da montanha conferiram um sentido de realismo físico à composição.
Giotto rompeu decisivamente com o estilo bizantino e introduziu as técnicas inovadoras de desenhar com exactidão a partir da vida e de acordo com a natureza. Afastou-se das convenções bidimensionais e proporcionou profundidade e figuras naturalizadas. Concentrou-se na qualidade da realidade na arte, observando os seres humanos e reproduzindo os seus gestos, expressões e movimentos na sua arte.
A arte progressiva de Giotto fez avançar o naturalismo, que mais tarde emergiu como uma característica importante da escultura e da pintura renascentistas.
Maestà (c. 1308 - 1311) de Duccio di Buoninsegna
| Artista | Duccio di Buoninsegna |
| Data da pintura | c. 1308 - 1311 |
| Médio | Tempera e ouro sobre madeira |
| Dimensões | 370 cm x 450 cm |
| Onde está actualmente alojado | Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo, Siena, Itália |
Duccio di Buoninsegna, o fundador da Escola de Pintura de Siena, foi um dos maiores pintores italianos do período medieval. Maestà foi reconhecida como a maior de todas as suas obras. O título Maestà destinado A Virgem Maria em majestade e esta pintura fazia parte de um políptico, ou seja, fazia parte de um retábulo composto por vários painéis de madeira.
Os painéis da frente representam a Nossa Senhora e o Menino entronizados, rodeados de santos e anjos.
A Virgem Maria estava vestida de azul intenso e a cortina por detrás dela estava bordada a ouro. Duccio utilizou cores requintadas nos seus painéis. As superfícies decorativas eram abundantes, o que era muito característico do estilo de Siena. Duccio pintou a Maestà com um sentido de delicadeza e subtileza, como se pode ver pela roupa em que Cristo foi envolvido e pela transparência à volta da sua perna como uma modulação de luz e sombra.
Duccio criou uma sensação de massa e volume, como se pode ver pela mão esquerda de Cristo a puxar o panejamento para si, com as dobras moldadas no panejamento. Começa-se a ver a tridimensionalidade na pintura com a modelação do queixo e do pescoço de Cristo. De igual modo, as asas do anjo são pintadas de forma enrolada para indicar ainda mais uma sensação de volume em vez de parecerem planas.
Painel central do Maestà (1308-1311) de Duccio di Buoninsegna, Museo dell'Opera metropolitana del Duomo, Itália; Duccio di Buoninsegna, Domínio público, via Wikimedia Commons
No Maestà, É importante notar o tamanho relativo da Virgem Maria, que é a maior figura da pintura, porque Maria tinha o papel primordial de interceder entre Deus e os homens, uma vez que era utilizada pelas pessoas normais para aceder a Deus.
A arte medieval produzida por Duccio combinou a tradição formal ítalo-bizantina com a concepção de espiritualidade do estilo gótico, fusão que trouxe uma poderosa gravidade espiritual e expressividade lírica às suas pinturas.
Duccio avançou de forma constante e consciente para a criação de um sentido de massa e volume na sua pintura, o que estabeleceu um padrão estilístico que influenciou artistas posteriores.
Nossa Senhora de Ognissanti (c. 1310) de Giotto di Bondone
| Artista | Giotto di Bondone |
| Data da pintura | c. 1310 |
| Médio | Tempera sobre painel |
| Dimensões | 325 cm x 204 cm |
| Onde está actualmente alojado | Galeria Uffizi, Florença, Itália |
Outro quadro do influente artista Giotto di Bondone foi o seu Nossa Senhora de Ognissanti. A pintura retratava a Virgem Maria com o Menino Jesus, rodeada por figuras de santos e anjos. A representação de Giotto da Virgem Maria era volumétrica e convincentemente realista, em oposição às representações planas, lineares, conceptuais e irrealistas que eram mais típicas da Estilo bizantino na arte .
Embora isto possa ser verdade, ainda havia alguns elementos que estavam de acordo com os métodos tradicionais da época, como o fundo dourado e a disposição hierárquica das figuras. No entanto, Giotto foi capaz de criar uma profundidade aparentemente mensurável nas suas pinturas através da perspectiva e da iluminação.
Giotto pintou figuras naturalizadas que pareciam mais humanas. Em épocas anteriores, a anatomia das figuras por baixo das roupas não era detalhada, ao passo que Giotto teve o cuidado de representar subtilmente a impressão do peito e dos joelhos da Madonna através das suas roupas e do corpo de Cristo através do manto com que estava coberto, o que deu uma sensação de realismo anatómico.
Madona Entronizada (Madona Ognissanti) (c. 1300-1305) de Giotto di Bondone; Giotto, domínio público, via Wikimedia Commons
Giotto utilizou a perspectiva arquitectónica para representar o trono e o espaço pictórico que correspondia à realidade, onde as figuras à volta da Madona eram mais pequenas e obedeciam às regras espaciais da cena. A posição elevada da Madona e do Menino simbolizava a sua elevação espiritual, mas tornava-se mais realista devido ao trono em que estavam sentados e aos degraus que a ele conduziam.A mão levantada de Cristo tornou-se o ponto central do quadro e as figuras que o rodeiam e o olham encorajam a concentrar-se nele.
Embora a Madonna continuasse entronizada como a Rainha do Céu, o que era uma representação medieval típica, a inclusão por Giotto de degraus que conduziam ao seu trono tornou-a mais acessível, dando a ilusão de que fazia parte do mundo do espectador.
Este facto estava em consonância com o naturalismo que em breve surgiria como uma característica importante para as pinturas renascentistas.
Anunciação com Santa Margarida e Santo Ansanus (1333) de Simone Martini e Lippo Memmi
| Artista | Simone Martini e Lippo Memmi |
| Data da pintura | 1333 |
| Médio | Tempera e ouro sobre painel |
| Dimensões | 305 cm x 265 cm |
| Onde está actualmente alojado | Galeria Uffizi, Florença, Itália |
Simone Martini e Lippo Memmi foram pintores medievais italianos que adoptaram o estilo gótico nas suas obras de arte. pintura Anunciação Com Santa Margarida e Santo Ansano é um tríptico de madeira, pintado a têmpera e ouro, considerado uma das mais notáveis pinturas góticas e reconhecido como a obra-prima de Martini, que foi pintado como altar lateral da Catedral de Siena.
A pintura retratava o Anunciação no painel central, onde o arcanjo Gabriel, munido de um ramo de oliveira, se ajoelha perante a Virgem Maria, sentada, e lhe comunica que em breve dará à luz o filho de Deus. Gabriel segura um ramo de oliveira, tradicionalmente considerado um símbolo de paz. O vaso que se encontra no chão, entre Gabriel e Maria, é um símbolo de pureza. Por cima, no arco central, estão representados um grupo deanjos cujas asas se entrelaçavam, onde a pomba do Espírito Santo tinha descido do céu.
As palavras latinas que traduzem "Ave, Maria, cheia de graça, o Senhor é convosco" foram gravadas em ouro e estendem-se da boca do anjo em direcção a Maria.
Martini tinha pormenorizado as asas dos anjos e a cadeira onde Maria estava sentada de forma requintada, o que conferia à pintura uma sensação de refinamento elegante e preciso. De cada lado do painel central, os dois santos padroeiros da catedral estavam separados por duas colunas decorativas em forma de torção.
A Anunciação e dois santos (1333) de Simone Martini e Lippo Memmi; Simone Martini, Domínio público, via Wikimedia Commons
O painel central de Martini demonstrou a sua utilização inovadora do trabalho de linhas combinado com um sentido de expressão e movimento humanos. A colocação do vestido do anjo fez com que parecesse esvoaçar atrás dele, como se tivesse aterrado recentemente, e Maria foi representada numa posição que parecia bastante reactiva e emotiva, como se estivesse assustada com a sua leitura e incrédula com o mensageiro celestial.
Embora a utilização substancial do ouro e o tema da pintura reflectissem o estilo bizantino tradicional, o traço era representativo do estilo gótico.
Além disso, a utilização de elementos realistas, como o vaso, o livro, o trono, o pavimento em perspectiva, a representação realista das duas figuras e as subtis nuances das suas personagens, contribuíram para um significativo afastamento do estilo bizantino típico. Anunciação com Santa Margarida e Santo Ansanus foi único na sua época.
A alegoria do bom e do mau governo (c. 1338 - 1339) de Ambrogio Lorenzetti
| Artista | Ambrogio Lorenzetti |
| Data da pintura | c. 1338 - 1339 |
| Médio | Fresco |
| Dimensões | 770 cm x 1440 |
| Onde está actualmente alojado | Palazzo Pubblico, Siena, Itália |
Ambrogio Lorenzetti pintou A alegoria do bom e do mau governo O livro é uma série de três frescos no Palazzo Pubblico de Siena, em Itália, que consistem em seis cenas diferentes: Alegoria do bom governo; Alegoria do mau governo; Efeitos do mau governo na cidade; Efeitos do bom governo na cidade; Efeitos do mau governo no país; e Efeitos da boa governação no país.
Este quadro é considerado a obra-prima de Lorenzetti.
TOP: Alegoria do mau governo (c. 1338-1339) de Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Domínio público, via Wikimedia Commons Alegoria do bom governo (c. 1338-1339) de Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Domínio público, via Wikimedia Commons
O Conselho dos Nove (o conselho da cidade) encomendou a série na sua totalidade, o que foi reconhecido como um tipo de mensagem política para os membros do Conselho para reduzir o desgoverno e a corrupção. Os frescos eram representações seculares de figuras simbólicas da virtude, sobre como a república era governada.
Estas pinturas demonstram uma evolução no tema da arte anterior, que era predominantemente religiosa.
Os frescos demonstravam uma distinção pictórica entre a harmonia e a prosperidade de um governo honesto e a ruína e a decadência resultantes da tirania. A representação de Lorenzetti dos benefícios de um bom governo era representada por uma "boa cidade", com dançarinos e comerciantes e, à volta da cidade, viajantes e camponeses conduziam os seus negócios em harmonia.
TOP: Efeitos da boa governação na cidade (c. 1338-1339) de Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Domínio público, via Wikimedia Commons Efeitos da boa governação no meio rural (c. 1338-1339) de Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Domínio público, via Wikimedia Commons
O seu retrato dos efeitos de uma má governação é representado por uma "cidade má", decadente, com um aspecto apertado e onde a criminalidade de rua é claramente visível. À volta da cidade, o campo é marcado por quintas que ardem, doenças e uma seca extensa.
As pinturas de Lorenzetti demonstram a sua capacidade artística modernismo Além disso, as pinturas de Lorenzetti representavam ângulos arquitectónicos realistas e a sua utilização da perspectiva primitiva permitia que os espectadores se apercebessem da fisicalidade das suas pinturas.
TOP: Efeitos da má governação na cidade (c. 1338-1339) de Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Domínio público, via Wikimedia Commons Efeitos da má governação no campo (c. 1338-1339) de Ambrogio Lorenzetti; Domínio público, ligação
Significativamente, o A alegoria do bom e do mau governo foi uma das primeiras obras de arte notáveis que retratou a arte política secular desde a Antiguidade Clássica. Diz-se que os frescos de Lorenzetti prefiguraram as cenas moralistas que mais tarde foram criadas pelos pintores Hieronymus Bosch no seu Jardim das Delícias Terrenas e Pieter Bruegel no seu Provérbios neerlandeses .
Retábulo da Crucificação (c. 1394 - 1399) por Melchior Broederlam
| Artista | Melchior Broederlam |
| Data da pintura | c. 1394 - 1399 |
| Médio | Tempera sobre painel |
| Dimensões | 167 cm x 249 cm |
| Onde está actualmente alojado | Museu de Belas-Artes de Dijon, Dijon, França |
Melchior Broederlam foi um dos primeiros pintores flamengos. Retábulo da Crucificação Broederlam foi encarregado pelo Duque de Borgonha de decorar o exterior do retábulo com dois painéis pintados para a Chartreuse de Champmol. Retábulo da Crucificação tem sido reconhecido como um pintura famosa a sair do período medieval.
O Retábulo da Crucificação ilustrou o Vida de Cristo : O Anunciação, a Visitas, a Apresentação no Templo, e o Voo para o Egipto. No interior do retábulo, a história continua com a Adoração dos Magos, a Crucificação de Cristo, e, por último O sepultamento de Cristo.
Os painéis de Broederlam foram reconhecidos como magníficos exemplos do estilo gótico, uma vez que apresentavam cores ricas, como o dourado, e pormenores naturalistas, como a utilização da luz e da sombra para criar profundidade. A arquitectura e as figuras eram representadas de forma elegante e delicada.
A disposição dos edifícios sagrados, que ocupam duas das quatro cenas, é muito particular: Broederlam pinta os dois edifícios como se estivessem abertos para o exterior, como se quisesse mostrar o interior e o exterior ao mesmo tempo.
Esta contradição notória foi uma convenção inspirada nas pinturas italianas do século XIV.
À ESQUERDA: Altar de Filipe, o Ousado, Duque de Borgonha (Retábulo de Dijon) (1398) de Melchior Broederlam; Melchior Broederlam, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons Apresentação no templo, Fuga para o Egipto (1398) de Melchior Broederlam; Melchior Broederlam, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
No Retábulo da Crucificação, os elementos pictóricos estavam equilibrados em cada painel e Broederlam dispôs as figuras, a paisagem e a arquitectura de forma a criar uma harmonia visual. Além disso, as estruturas arquitectónicas em ambos os painéis foram colocadas à esquerda, enquanto a paisagem foi colocada no lado direito de cada painel.
De forma correspondente, as paisagens rochosas atingiram o topo de ambos os painéis e, na projecção rectangular de cada painel, o espaço foi preenchido por um anjo. Estes elementos foram unidos pela utilização de azul, rosa e vermelho por Broederlam, repetidamente em ambos os lados, o que incentiva a deslocação do olhar de uma cena para a outra.eventos.
A influência dos homólogos italianos de Broederlam do século XIV é evidente nas suas representações de paisagens.
É evidente que os artistas flamengos tinham sido expostos aos seus homólogos italianos desde o início do século XIV. Estes encontros criaram um estilo internacional baseado na arte de Itália, que em breve se encontrava igualmente em Praga, Dijon ou Colónia.
Díptico Wilton (c. 1395 - 1399)
| Artista | Desconhecido |
| Data da pintura | c. 1395 - 1399 |
| Médio | Tempera sobre painel |
| Dimensões | 53 cm x 37 cm |
| Onde está actualmente alojado | Galeria Nacional, Londres, Inglaterra |
O artista que pintou o Díptico Wilton O painel, feito de carvalho, era um retábulo portátil que foi feito para o rei de Inglaterra, Ricardo II. Era usado como peça de devoção para ajudar na oração.
A pintura combina imagens seculares e religiosas.
Quando aberto, o painel mostrava o rei ajoelhado perante o cenário do céu. O rei Ricardo II era apresentado pelos santos padroeiros de Inglaterra, Edmundo e Eduardo, o Confessor, e João Baptista, à Virgem Maria que segurava o Menino Jesus, rodeados por onze anjos alados. O número onze era significativo porque Ricardo II se tornou rei de Inglaterra quando tinha onze anos.
As mãos do Rei foram apresentadas para dar ou receber o estandarte de São Jorge com a cruz vermelha, e a mão de Cristo foi levantada para abençoar o estandarte, bem como o reinado do Rei Ricardo II, como se o Rei tivesse recebido o direito divino de governar da Virgem Maria e do Menino Jesus.
O díptico de Wilton (entre c. 1395 e c. 1399) de um artista inglês ou francês desconhecido; Galeria Nacional, domínio público, via Wikimedia Commons
O Díptico Wilton A pintura, de estilo gótico internacional, é excepcional pelo requinte dos pormenores, pela delicadeza dos traços faciais das figuras de pequena dimensão e pelas vestes que caem em suaves pregas.
A pintura é belamente decorativa e rica em cores de ouro e azul ultramarino.
A representação está repleta de simbolismo, como o estandarte de São Jorge, as insígnias de javali branco que o Rei usava e os anjos eram representativos da insígnia do Rei, e o alecrim nas flores era emblemático da primeira mulher do Rei, Ana da Boémia.
O Díptico Wilton é tão significativo não só pela riqueza da pintura, ou pelo dourado meticulosamente trabalhado, ou pelo extraordinário pormenor, mas também por ser um painel inglês muito raro. O pequeno retábulo é apenas um dos poucos painéis ingleses que sobreviveram do período medieval.
A Trindade (c. 1411 - 1427) de Andrei Rublev
| Artista | Andrei Rublev |
| Data da pintura | c. 1411 - 1427 |
| Médio | Tempera sobre madeira |
| Dimensões | 142 cm x 114 cm |
| Onde está actualmente alojado | Galeria Tretyakov, Moscovo, Rússia |
Andrei Rublev foi um pintor russo e a sua obra mais famosa, A Trindade, Diz-se que o ícone foi pintado algures entre 1411 e 1427. Vários estudiosos sugerem datas diferentes, mas oficialmente postula-se que foi pintado em 1411 ou entre 1425-1427. O ícone foi encomendado para o Mosteiro da Trindade de São Sérgio, em honra de São Sérgio de Radonezh. A pintura representava três anjos sentados a uma mesa, com um cálice colocado no centro.
A pintura de Rublev retratava os anjos que anunciaram a Abraão e à sua mulher Sara que teriam um filho. Mais especificamente, os três anjos representavam a Trindade, como a unidade de Deus Pai, Filho e Espírito Santo. Embora Deus não esteja representado na A Trindade, o quadro continua a ser capaz de mostrar uma expressão ideal de Deus.
As três figuras partilham propositadamente características idênticas, uma vez que a Trindade é unificada. É aqui que se acredita que Deus é um só, mas em três pessoas.
Santíssima Trindade (Troitsa) (1425-1427) de Andrei Rublev; Andrei Rublev, Domínio público, via Wikimedia Commons
O quadro é rico em simbolismo. A unidade da Trindade é ainda indicada pelas vestes azuis usadas por cada anjo. A pintura transmite que os três estavam envolvidos numa discussão sagrada através de gestos e olhares, e rodeavam o cálice, que simbolizava o sacrifício de Cristo. A disposição dos anjos por Rublev, as linhas fluidas utilizadas e a representação das vestes dos anjosA composição circular transmite uma sensação de contemplação tranquila.
Quanto aos ícones russos, "A Trindade" é reconhecida como a interpretação mais famosa. O ícone de Rublev foi declarado como o modelo para todos os ícones ortodoxos russos. A pintura é considerada uma das maiores realizações da arte russa do período medieval tardio.
Adoração dos Reis Magos (1423) de Gentile da Fabriano
| Artista | Gentile da Fabriano |
| Data da pintura | 1423 |
| Médio | Tempera sobre madeira |
| Dimensões | 300 cm x 282 cm |
| Onde está actualmente alojado | Galeria Uffizi, Florença, Itália |
Pintura de Gentile da Fabriano, Adoração dos Magos, O retábulo foi encomendado por Palla Strozzi para a capela familiar da igreja de Santa Trinita. Adoração dos Reis Magos As cenas começam no canto superior esquerdo, que representa a viagem e a entrada em Belém.
As cenas continuam no sentido dos ponteiros do relógio, a parte mais baixa da pintura retratava o encontro entre os Reis Magos e a Virgem Maria e o Menino Jesus recém-nascido.
Retábulo da Adoração dos Reis Magos (1423) de Gentile da Fabriano; Gentile da Fabriano, Domínio público, via Wikimedia Commons
As cores vibrantes da pintura são hipnotizantes, o que se deveu às várias formas de aplicação da folha de ouro e à utilização de pigmentos preciosos. A utilização de cores brilhantes, as decorações intrincadas e os trajes opulentos eram dominantes no estilo gótico internacional. A obra de Fabriano culminou no estilo gótico internacional do final do século XIV e início do século XV.A sua atenção ao pormenor era evidente na representação de animais exóticos, como o leopardo, os macacos, o leão e os espectaculares cavalos.
Embora a moldura arquitectónica do quadro tenha sido construída para um tríptico, Fabriano abandonou a convenção de dividir a composição do quadro, distribuindo a narrativa pelos painéis.
Um pormenor da obra de Gentile da Fabriano Retábulo da Adoração dos Reis Magos (1423); Gentile da Fabriano, Domínio público, via Wikimedia Commons
A composição da pintura combinava o esplendor dos pormenores góticos com o naturalismo. Por exemplo, a colocação de alguns animais contribuía para a ilusão de profundidade, como os ângulos variáveis de alguns dos cavalos em primeiro plano e o encurtamento de outros. Estas características de realismo físico aludiam à perspectiva linear e ao naturalismo que mais tarde dominaram o Renascimento.
A moldura em si foi reconhecida como uma obra de arte, o que é demonstrado pelas três cúspides na parte superior dos painéis com tondos. São obras de arte circulares que retratam a Bênção de Cristo no centro e a Anunciação, com o Arcanjo Gabriel do lado esquerdo e a Madona do lado direito.
Um pormenor da obra de Gentile da Fabriano Retábulo da Adoração dos Reis Magos (1423); Gentile da Fabriano, Domínio público, via Wikimedia Commons
Por baixo dos painéis, a predela apresenta três pinturas que representam cenas da infância de Cristo, entre as quais a Natividade, Fuga para o Egipto, e o Apresentação no Templo. Fabriano's Adoração dos Reis Magos foi o primeiro retábulo feito com painel e moldura como duas peças separadas, uma moldura totalmente independente e auto-sustentada, foi o primeiro do seu género.
As pinturas do período medieval continuam a manter o seu peso até aos dias de hoje e continuam a ser obras de arte influentes. Muitas pinturas deste período continuaram a inspirar grandes obras de arte nos anos seguintes. Embora tenhamos explorado apenas 10 pinturas medievais famosas, é importante reconhecer que a arte medieval é muito variada e que existem muitas obras excelentes fora da nossa lista. SeGostou de aprender sobre estas pinturas requintadas, encorajamo-lo a continuar a explorar, uma vez que existem muitos tópicos de arte abordados no nosso sítio Web.
Também criámos um Google Web Story com as nossas 5 pinturas medievais mais famosas.
Perguntas mais frequentes
Quais são os diferentes tipos de pinturas medievais?
Os diferentes tipos de pinturas da Idade Média podem ser classificados, grosso modo, em pinturas a fresco, painéis e iconografia. Os exemplos de arte medieval incluem um grande número de pinturas a fresco, que envolvem o método de pintura mural, e que foram executadas em gesso de cal húmida. A maioria das pinturas a fresco foi criada para o interior das igrejas. As pinturas em painéis foram executadas em superfícies planas, frequentementeA pintura devocional em painéis de madeira era predominantemente utilizada em espaços religiosos, nomeadamente em retábulos de igrejas, representando temas religiosos, em dípticos de dois painéis, em trípticos de três painéis ou em polípticos de vários painéis,narrativas bíblicas e conceitos religiosos.
Quais são algumas das características comuns da arte medieval?
As pinturas da Idade Média variavam bastante em termos de estilo, mas eram unificadas por alguns factores comuns. Estas características comuns incluíam a importância de retratar temas cristãos, juntamente com a utilização da iconografia para representar o simbolismo religioso e as imagens nas obras de arte medievais. Os pintores medievais incluíam decorações elaboradas e padrões intrincados nas suas pinturas, onde um processoQuando se trata de pinturas medievais famosas, verificamos frequentemente que os artistas utilizavam cores vivas, como o azul ultramarino intenso, que era feito a partir da trituração do lápis-lazúli, uma pedra semipreciosa, até se tornar um pó. As pinturas da Idade Média incorporavam frequentemente pedras preciosas e metais.
Qual era o estilo do período da arte medieval?
O período da arte medieval englobou vários movimentos e estilos artísticos, sendo os principais movimentos artísticos O movimento artístico cristão primitivo, o movimento artístico bizantino, o movimento artístico românico e o movimento artístico gótico. Os exemplos de arte medieval produzidos durante os séculos XIII e XV foram predominantemente no estilo gótico. Este foi considerado o período de transição da arte visual. Os artistas medievais e as suas pinturas afastaram-se das fórmulas rígidas exigidas pelo românicoA pintura, que por si só tinha sido largamente influenciada pelo estilo bizantino, em direcção a uma representação do mundo mais realista e a um desejo de alcançar um efeito tridimensional.